El Clasicismo Musical

Views:
 
Category: Education
     
 

Presentation Description

La música en El Clasicismo: características de la música durante el período clasicista situado aproximadamente entre 1780 y 1815 aesthethic, art, arte, clasicismo, classicism, estetica, historia, history, music, musica, musical

Comments

Presentation Transcript

El Clasicismo Musical:

El Clasicismo Musical El testimonio de la perfección de la realidad a través de la armonía de su estructura. Por: Carlos Manuel Puga Otero

Antecedentes históricos:

Antecedentes históricos El Clasicismo es una corriente estética e intelectual que tuvo su apogeo en los siglos XVII y XVIII, abarcando, en términos generales, desde 1730 a 1820, aproximadamente, e inspirado en los patrones estéticos y filosóficos de la Grecia clásica: equilibrio, proporción, serenidad, etc. Cuando se habla de clasicismo, no se hace más que dar una idea más o menos cercana sobre la actitud estética de una época. El Renacimiento es uno de los pilares en los que se apoya el Clasicismo, con una mirada retrospectiva hacia las formas clásicas (griegas y romanas) en todas las artes. Este retorno se ve en las formas y estilos. La música, la pintura, la escultura, como todas las artes, son una expresión de la cultura instantánea y por ello se encuentran sometidas a las mismas leyes que rigen los demás fenómenos culturales .

Slide3:

Tanto para la cultura griega, como para la música de occidente, se aplica con propiedad una secuencia periódica en etapas progresivas, que son: arte primitivo, arte arcaico, arte clásico, arte romántico y arte decadente. Es la época de la ascensión de la burguesía a amplios sectores del poder político y económico (que alcanzó su máximo poder gracias a la primera revolución industrial ), lo cual tendrá consecuencias en el mundo de la cultura y de la música. En la 2ª mitad del siglo XVIII se van a dar una serie de acontecimientos históricos importantes y reformas sociales que darán lugar a violentos movimientos de masas, destacando entre ellos " La Revolución Francesa " de 1789, hecho que romperá con las monarquías absolutas. El lema revolucionario de "Libertad, Igualdad y Fraternidad" será llevado a todos los contextos, también al de la música .

Antecedentes culturales:

Antecedentes culturales El Clasicismo es la época de la Ilustración , un movimiento intelectual promovido por la burguesía y la pequeña nobleza, cuya principal manifestación fue La Enciclopedia de Diderot y D'Alambert que divulgará la cultura en amplias capas de la población. En Francia, al movimiento de la Ilustración se le denomina Enciclopedismo. Este movimiento encabezará, precisamente, la Revolución Francesa . Los artistas, encontrarán en la burguesía un nuevo público que paga por apreciar sus obras y al que debían satisfacer con creaciones entretenidas y naturales; de esta forma se van liberando poco a poco de las obligaciones de trabajar supeditados al gusto de los mecenas, obteniendo así una mayor independencia creativa pero contando con el reto de tener que depender del público para rentabilizar sus ingresos (importancia de la crítica musical ).

Características Generales:

Características Generales El Clasicismo reflejó al hombre como un ser armónico y a la humanidad como una sociedad ideal y sin problemas . Temas mitológicos pueblan las pinturas, las esculturas y la lírica desde finales del siglo XV, naciendo en Italia, pero propagándose rápidamente por Europa . Se expresó en todos los dominios del arte, desde la arquitectura y la música hasta la pintura y la literatura. Suplantó progresivamente al Barroco , dejando espacio al Romanticismo antes de renovarse a través del Neoclasicismo .

Slide6:

El arte religioso había presidido el románico y el gótico , con lo que un arte más realista y cercano en la forma fue una revolución para esa época . Artística y literariamente pretende resucitar los ideales de Grecia y Roma antiguas. Mientras en pintura, escultura, poesía y arquitectura el artista pudo tomar sus modelos de la antigüedad grecolatina . En la música esto no fue posible, ya que el número de fragmentos musicales conservados apenas llegaban a la docena, existiendo además muchas dificultades a la hora de su interpretación .

Slide7:

En el campo filosófico es la razón la que dicta las leyes. Filósofos como Kant en Alemania y los enciclopedistas Franceses (Voltaire, Rousseau, etc.), buscan, a través de la razón, rescatar al hombre de la ignorancia y del mito . Desde el punto de vista político tenemos la revolución industrial y capitalista y la revolución francesa . La consecuencia es un desplazamiento de la aristocracia por la clase media: el arte gradualmente se populariza, las primitivas reuniones de los palacios, en las que el público asistente eran nobles huéspedes de los señores, van siendo sustituidas por los conciertos públicos de pago . Desde el punto de vista social hasta finales del siglo XVIII la cultura y el arte estaban bajo el dominio de una aristocracia que la concebía como un adorno necesario a su alta alcurnia. Los artistas producían obras para su inmediato empleo en los salones de los señores y para un público de aristócratas conocedores de algunas de sus reglas, que el artista había de observar con cierto rigor a cambio de obtener seguridad económica. Algunos acataron mansamente esta situación, como Haydn, mientras que otros, como Mozart, se rebelaron contra estos postulados.

Slide8:

El enriquecimiento de la burguesía proporcionó la suficiente potencia económica para decorar sus viviendas con lujo, como los burgueses holandeses del siglo anterior. Por otra parte, en el exterior de los edificios se mantenía la serenidad de la época de Luis XIV, aunque con un criterio más ligero y elegante . Surge el movimiento científico del siglo XVIII de las Academias y centros fundados por los gobiernos al margen de las universidades. Entre dichos movimientos se cuentan: El descubrimiento de la gravedad, por Newton. Galileo inicia la revolución científica. Farenheit, Reaumur y Celsius inventaron los termómetros. Gay-Lussac, Mariotte y Boyle, descubrieron los principios de estática y dinámica de los gases. El norteamericano Franklin inventa el pararrayos. Watt, siguiendo los experimentos de Papin, construye la primera máquina de vapor en 1765. Los Montgolfier se elevan por primera vez en un globo en 1783.

El Clasicismo en la Pintura:

El Clasicismo en la Pintura En la pintura, el clasicismo, al igual que el caravaggismo es una reacción al manierismo de finales del siglo XVI, que tiene su origen en Bolonia (Italia), ciudad intelectual que reacciona frente a las formas caprichosas del manierismo optando por una pintura más realista pero buscando la belleza ideal y la expresión de los estados de ánimo como hicieron en el arte de la antigua Grecia o en el Renacimiento . Se difundió entre los eclesiásticos, pues se apartaba de la vulgaridad caravaggista , y también en los medios cultos que veían la posibilidad de narrar historias mitológicas. Cultivó un tipo de paisaje sereno y equilibrado, en el que a menudo aparecen ruinas clásicas. Este paisaje «clasicista» o «heroico» se difundió especialmente en Francia.

Slide10:

El clasicismo romano-boloñés se extendió a otros países, como Francia. El Clasicismo francés se divulgó durante el reinado de Luis XIV, y era el estilo favorito de la corte parisina , mientras que entre la burguesía arraiga el caravaggismo. Se da en el último tercio del siglo XVII. Se considera que el fundador fue Nicolás Poussin , que gustó del estilo de los clasicistas romanos, especialmente de Domenichino. La pretensión fundamental es la de imitar los modelos de la Antigüedad pero unido a una tendencia barroca. El interés por la naturaleza y el optimismo de los ilustrados se manifestó en Francia en la producción de Wateau (m. 1721) con sus lienzos de una naturaleza amable y sus escenas pastoriles. Mas representativos del rococó son Boucher , Chardin , Quentin de La Ttour y Fragonard , que pintaron para la aristocracia y retrataron a las frívolas damas de la corte de Luis XV . Otro gran maestro del clasicismo francés fue Claudio Lorena, que cultivó especialmente el paisaje. Influyó en corrientes pictóricas muy posteriores, como el Romanticismo y en el impresionismo .

Slide11:

Este movimiento se prolonga en el Academicismo a lo largo del siglo XVIII paralelamente al Rococó . Resurgirá en el estilo neoclásico . Los hermanos Annibale y Agostino Carracci , así como su primo Ludovico Carracci fueron los primeros cultivadores de esta corriente. Crearon la «Academia de los Deseosos» con la finalidad de enseñar a los pintores las técnicas artísticas y una formación humanista . Entre los principales seguidores de Carracci están Domenichino , Guido Reni y Albani . Influidos por la pintura barroca están Giovanni Lanfranco y la obra de comienzos de Guercino , quien posteriormente se convierte en un severo clasicista siguiendo el modelo de Reni.

Características de la pintura clásica:

Características de la pintura clásica Los cánones o normas a las que obedece la pintura fueron : Predominó el dibujo sobre el color. Las formas se distinguen nítidamente y son independientes, a diferencia de la "subordinación al todo" barroca . No hay aquí violentos contrastes ni actitudes exageradas . El espacio se construye mediante planos sucesivos, sin las bruscas diagonales barrocas . Las obras son cerradas, no abiertas, con las figuras colocadas en el centro de la composición .

Pintura: Obras representativas:

Annibale Carracci Pintura: Obras representativas

Guido Reni:

Guido Reni Hipomenes y Atalanta San José y el niño Jesús

Domenico Zampieri :

La dama y el Unicornio Muerte de San Pedro mártir Domenico Zampieri

Francesco Albani :

Francesco Albani Anunciación

Giovanni Lanfranco :

La Resurrección de Cristo Norandino y Lucina descubiertos por el ogro Giovanni Lanfranco

Guercino :

Tancredo de Galilea Et in Arcadia ego Guercino

La Música del Clasicismo:

La Música del Clasicismo Marco consustancial, características, compositores y obras

Ámbito musical:

Ámbito musical La música irá abandonando los círculos eclesiásticos y palaciegos para desenvolverse en casas privadas de la burguesía y en espectáculos públicos . En este periodo se produce una vuelta a los ideales de la cultura clásica grecorromana , basados sobretodo en el equilibrio, la sencillez y la belleza (dejando atrás el estilo recargado del Barroco); por ello, en el resto de las artes se conoce a este periodo como "Neoclasicismo". No sucede esto con la música, ya que no se pueden imitar los modelos clásicos que no han conseguido llegar hasta nosotros; sin embargo, sí van a compartir la búsqueda de la belleza y la perfección formal, contagiados por La Ilustración. Entre los precursores de la música de este periodo podemos nombrar a dos de los hijos de Bach: C.P.E. Bach y J.C. Bach , pero los tres compositores que se van a convertir en las grandes figuras de este periodo, como veremos más adelante, son Haydn, Mozart y Beethoven , que trabajarán en Viena, ya que ésta es considerada la ciudad más importante dentro del panorama musical .

Slide21:

El esplendor del clasicismo lo podemos situar desde el punto de vista cronológico entre 1780 y 1815. Durante esos 35 años el centro geográfico del estilo clásico residirá en la ciudad de Viena en la que vivieron, estrenaron y editaron los tres principales creadores clásicos: Haydn, Mozart y Beethoven. Para llegar a esta situación de esplendor clasicista antes han de sucederse una serie de estilos y creadores que, desde el barroco tardío, irán estableciendo sólidos cimientos a la música del clasicismo: Estilo Galante : da una música naturalmente melodiosa, menos sabia, más fácil de entender y de interpretar, agradable, ligera, sentimental sin profundidades, de mero entretenimiento, dirigida a públicos más amplios, en la que sobre un soporte técnico más sencillo (armonías más claras, melodías más simples y naturales, ritmos y dinámicas cambiantes) todo se confía al detalle, al adorno, en detrimento del conjunto. La generación de los hijos de Bach impuso el estilo en toda Europa. Entre los compositores de esta generación cultivadores de este estilo podemos citar a Sammartini por una parte y J. Stamiz, al frente de la orquesta de Mannheim, por otra. Tuvieron gran importancia para el desarrollo de la sinfonía. En ésta época aún no se tiene claro lo que se quiere con ella, pudiendo ser confundida con la obertura operística o el concierto «ripieno».

Slide22:

Estilo sensible : el periodo galante había acabado con la unidad de afectos característica del periodo barroco y se había divertido mezclando muchos de ellos en una misma composición. Ahora se trata de hacer una música más expresiva y sentimental con el fin último de conmover al oyente. Su traducción musical da como resultado frases más breves, dinámicas cambiantes, frecuentes cambios de ritmo, un lenguaje musical en suma quebradizo e inestable, como un poema repleto de gimoteos, reproches y tiernos suspiros. Uno de sus principales cultivadores en K. F. E. Bach. Se manifiesta sobre todo en su obra para teclado (el clavicordio, al percutir las cuerdas con láminas permitía mayor expresividad y dinamismo): sonatas prusianas y fantasías para tecla. Estilo atormentado , tormenta e impulso o Sturm und drang : podemos considerarlo como una fase tardía y terminal del estilo sensible, una exageración apasionada de sus principales características, un estilo expresivo más severo y profundo que dejará pronto de estar de moda pero que pasa a formar parte, como un recurso más, del taller del compositor. También aflora una defensa de la libertad creadora del músico (ruptura con los condicionamientos externo del músico sirviente, más o menos distinguido, de una casa aristocrática). J. C. Bach es el último de los hijos de Bach. Resulta ser un serio antecedente de los clásicos dada su gran preocupación por los aspectos formales: adopta el esquema sonata no sólo en las obras para pianoforte sino en aquellas destinadas a todo tipo de conjuntos y, sobre todo, conciertos y sinfonías . Haydn en su última etapa y Mozart hacen gala de este estilo en sus composiciones.

El término “Clasicismo” musical:

El término “Clasicismo” musical Esta expresión se usa con diferentes significados: Por una parte Música Clásica es sinónimo de ‘Música culta’, una denominación que ha caído en desuso por parecer ofensiva respecto a las formas artísticas que no engloba, las cuales serían tachadas de ‘incultas’ o ‘no cultas’. En este sentido, ‘Música Clásica’ es aquella que pertenece al ‘repertorio de concierto’ y son clásicos Bach, Haydn, Schubert, Wagner, Tchaikovsky, Ravel, etc. El concepto de repertorio implica una cierta selección histórica: las obras de estos compositores y de otros de categoría igual o parecida son acreedoras a la condición de clásicas por su propia excelencia y por constituir modelos de perfección artística que han sido emulados por sus coetáneos y por compositores de épocas posteriores. Naturalmente el mismo concepto de repertorio es problemático y está abierto a una permanente crítica y, por otra parte debe ampliarse con las obras de los innumerables compositores que no acostumbran a incluirse en programas de conciertos, pero que pertenecen a los mismos movimientos artísticos que los que sí figuran en ellos: también Salieri , Gade o Cui son compositores ‘clásicos’ a pesar de que muy raramente pueda escucharse su música en conciertos ordinarios (en cambio sí existen sellos discográficos que editan grabaciones de estos clásicos ‘olvidados ’).

Slide24:

El término clasicismo significa en música una traducción comparativa de los cánones de belleza de la época clásica Griega: frente al barroco, ornamental y exagerado, el clasicismo opone equilibrio, proporción, gracia y elegancia de un frío y sencillo academicismo donde en todo momento la personalidad del artista, su emoción e inspiración, quedan sometidas a un rígido esquema formal. Haydn y Mozart serán los músicos que mejor concreten estos ideales de belleza. Podríamos afirmar entonces que en música se entiende por “Clasicismo” a la época de Haydn, Mozart y la primera época de Beethoven, aunque no sin polémica, como veremos más adelante. Coincide con el llamado Neoclasicismo en el resto de las artes, entendido como el movimiento artístico y literario de la segunda mitad del siglo XVIII marcado por las características ya expuestas al inicio de esta presentación.

Polémica sobre el período “Clásico”:

Polémica sobre el período “ Clásico” El Clasicismo musical fue un movimiento que ocupó relativamente poco tiempo en la historia del arte occidental y sus límites son aún hoy en día motivo de debate. El clasicismo como periodo está perdiendo cada vez más fuerza en favor de otro tipo de periodizaciones, aunque algunos autores todavía lo aceptan. Así, la interpretación tradicional del s. XVIII en la historia de la música como un periodo que comprende el barroco tardío y el clasicismo está siendo revisada por la investigación reciente. Los musicólogos (personas que estudian y analizan la historia y la teoría de la música una vez se ha producido) suelen tomar el año 1750 para indicar su inicio y hacen coincidir su final con el 1800. La primera fecha se consideró como inicio debido a que ese año murió Johann Sebastian Bach, cuya obra es considerada como la cumbre del Barroco. La segunda, en cambio, fue mucho más arbitraria, por cuanto el Clasicismo no experimentó una ruptura, si no más bien se fundió con la corriente que lo sucedió, llamada Romanticismo. De hecho, algunos autores participan de ambos períodos e incluso se dice que Beethoven es el último de los clásicos y el primero de los románticos. Por este motivo, en ocasiones este límite final se suele situar en 1827, año del fallecimiento de Beethoven, señalando asimismo el límite inicial en 1770 lo que abarcaría las primeras obras maduras de Haydn y las últimas de Beethoven .

Slide26:

Las expresiones ‘Clasicismo’ o ‘Clasicismo Vienés’ son de uso común para designar los tres nombres que debemos recordar como máximos representantes del ideal clásico: Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven (habitualmente se les menciona como los tres grandes maestros vieneses o la “Primera Escuela de Viena”), pero continúan siendo problemáticas por motivos como los siguientes: La música de Haydn y Mozart, y también la de Beethoven forman el núcleo central del Clasicismo musical ( aunque véase el punto de los límites del período Clásico ). Raramente se encuentra en la Historia de la Música un grupo de obras consideradas con una unanimidad virtualmente absoluta como superiores respecto a las de su tiempo y como modelos de supremo dominio de las estrategias compositivas y de perfecta adecuación entre su lenguaje musical y la integración a gran escala de sus elementos constructivos. Pero ¿qué pasa con sus contemporáneos? No tenemos ningún problema en considerar ‘Barroco’ tanto a Bach o Händel como a Cristoph Graupner (1683-1760) o Nicolás de Grigny (1672-1703). En este caso la palabra denota un estilo o un lenguaje y no lleva aparejado un juicio de valor, como la palabra ‘Clásico ’.

Slide27:

Si se considera la clasificación anterior, se puede decir que músicos como Federico Chopin , Peter I. Tchaikovsky , Franz Liszt , Félix Mendelssohn y Franz Schubert , que desarrollaron su labor creadora durante el siglo XIX, no han hecho música clásica, sino romántica. La diferencia radica en que en la obra musical romántica la perfección perseguida por el Clasicismo se ve disminuido por el sentimiento y la expresión. Por esta razón, se prefiere hablar de tradición clásico-romántica , cuyos principales aportes pueden resumirse en aspectos como: la noción de música, la libertad creadora, la idea de recital, las técnicas de ejecución y las teorías musicales .

Slide28:

¿Cuáles son los límites temporales del período ‘Clásico’? La música de Pergolesi o Scarlatti y de muchos de sus contemporáneos italianos anticipa muchos de los aspectos básicos del lenguaje de los Clásicos vieneses. Por otra parte las Sonatas para piano de la primera madurez de Haydn son muy cercanas en estilo y forma a las de C.P.E. Bach. Las fronteras que separan el Estilo Clásico del de los contemporáneos de J.S. Bach no son muy definidas y existe por tanto una importante época ‘Preclásica’ durante la cual se forjó el tipo de gramática armónica, rítmica y formal que Haydn, Mozart y Beethoven emplearían en sus obras maestras explotando sus posibilidades con una riqueza inusitada. Por otra parte la polémica no del todo cerrada sobre si Beethoven es un compositor ‘clásico’ o ‘romántico’ centra el problema de localizar el fin del período Clásico . (& análisis sonata nº 30 )

Slide29:

La pareja opuesta de conceptos que forman ‘clásico’ y ‘romántico’ no expresan solamente las diferencias entre dos épocas inmediatas de la Historia de la Música, sino que representa también la distinción entre dos principios que pueden encontrarse en cualquier momento histórico en la Música (y el Arte en general). La norma, la moderación, la perfección artesanal y el distanciamiento objetivo frente a la libertad , la ruptura de las convenciones y la irrupción de la subjetividad y la expresión directamente personal. En esta cuestión están involucradas naturalmente varias épocas de la Historia de la Música.

Contexto del Clasicismo musical:

Contexto del Clasicismo musical Es la etapa de la Ilustración y del triunfo de la razón . Los gobernantes no sólo patrocinaban las artes y las letras, sino que también se ocupaban de los programas de reforma social ( despotismo ilustrado ) Se asiste a un proceso de popularización del arte y de su enseñanza. Como es natural, un público aficionado demandaba y compraba música fácil de comprender y tocar . Están en auge la editoriales musicales , favoreciendo la difusión de la música y creando otra fuente de ingreso para los compositores. Surgen las Sociedades de Conciertos , con el aumento de los conciertos públicos, y aumenta su difusión entre la burguesía .

Características musicales (síntesis)::

Características musicales (síntesis): En general la música es objetiva, contenida en las emociones, cortesana, elegante, algo superficial pero no pobre. Es música pura (especialmente la instrumental): no describe, imita o significa nada. Tan sólo crea sensaciones. La principal función de la música consiste en imitar a la naturaleza, en ofrecer al oyente imágenes sonoras placenteras de la realidad. La música ideal debía tener un lenguaje universal no limitado por fronteras nacionales; debía ser noble, entretenida y expresiva, aunque sin artificios . La importancia de la melodía que busca la simetría (frases de 8 compases: 4 de pregunta + 4 de respuesta). Las melodías son claras y sencillas. Textura más ligera y clara que la de la música barroca. Se tiende a la homofonía y a la melodía acompañada .

Slide32:

El triunfo de la forma musical (concretamente de la forma sonata) y de una serie de normas o leyes básicas para alcanzar la perfección y la belleza. El lenguaje armónico es plenamente tonal . Existe una jerarquía tonal en una escala que va desde la tónica (I), dominante (V) y subdominante (IV) en orden decreciente de trascendencia. Se otorga importancia a la elegancia, a la gracia y la belleza, a la proporción y el equilibrio. El surgimiento de las formas clásicas sólo se hizo posible gracias a un desarrollo de las condiciones técnicas, que posibilitaron la formidable ampliación del lenguaje de creación musical edificando dos principios fundamentales: la polifonía y la homofonía. Se suprimen también el bajo continuo y la armonía compleja. Ahora el estilo es homófono, la melodía es clara y sencilla y los ritmos no buscan el contraste sino que son regulares y unitarios. Hay un claro predominio de la música instrumental frente a la vocal . Los instrumentos adquieren la complexión que actualmente poseen. Se agrupan en familias: cuerdas, vientos, percusión y teclado y, salvo algunas modificaciones, la orquesta se muestra compuesta de manera similar a la de hoy .

Tesis del Clasicismo musical:

Tesis del Clasicismo musical El período clásico fue una etapa del arte cuya principal característica es la tendencia a expresar la idea de perfección de la realidad; es decir, se tiende a ver el mundo como una estructura bella y perfecta. El Clasicismo reflejó al hombre como un ser armónico y a la humanidad como una sociedad ideal y sin problemas. Aún discutido por algunos historiadores, el clasicismo musical tiene su apogeo en el siglo XVIII. Las cualidades fundamentales del clasicismo son el equilibrio, la sencillez y la armonía . Razón, imaginación y sensibilidad se enfrentan y complementan en un acuerdo perfecto. La música, durante este periodo, se basaba casi exclusivamente en estos principios .

Cualidades específicas de la Música del Clasicismo:

Cualidades específicas de la Música del Clasicismo

Ritmo:

Ritmo El ritmo sencillo y regular a lo largo de una sección (cuadratura rítmica ). Se evita el contraste producido a través de la variación rítmica: ritmos regulares y unitarios.

Melodía:

Melodía La importancia de la melodía que busca la simetría (frases de 8 compases: 4 de pregunta + 4 de respuesta). Las melodías son claras y sencillas. Las frases melódicas son nítidas y más regulares y cuadradas que en el Barroco. Aún incorporan adornos. Las melodías del Barroco adoptaban estructuras irregulares. Por el contrario, en el Clasicismo se ajustan a una estructura ordenada y regular . La melodía se articula en una frase bien diferenciada de un número determinado de compases. Siguiendo el principio de proporción, cada frase puede dividirse en partes de igual duración respetando la simetría. Los compositores buscan concentrar todo el interés en la melodía principal. Las otras voces tienen un papel de acompañamiento, de soporte armónico.

Armonía:

Armonía El lenguaje armónico es plenamente tonal . En el Clasicismo se suprime el bajo continuo tan usado en el periodo anterior. Se siguen desarrollando los principios armónicos que se habían establecido en el Barroco tardío. La atmósfera armónica se establece mediante acordes sencillos (más sencilla que la de Bach). En el acompañamiento es frecuente el diseño a base de arpegios que reproducen sucesivamente un mismo diseño rítmico e interválico ( bajo de Alberti ). Las funciones tonales (tónica, subdominante y dominante) organizan toda la obra desde una jerarquía tonal en una escala que va desde la tónica (I), dominante (V) y subdominante (IV) en orden decreciente de trascendencia . Beethoven supone un giro de tuerca en la evolución de la música tonal, yendo cada vez más lejos del llamado centro tonal (tónica). Es en este punto cuando da comienzo la época romántica en la historia de la música .

Textura:

Textura Predomina la textura homofónica, de melodía acompañada de la que ha desaparecido ya el bajo continuo. Las formas contrapuntísticas sólo se utilizarán esporádicamente en algunos desarrollos temáticos.

Dinámica:

Dinámica Los contrastes expresivos nunca bruscos a base del uso del fuerte y del piano, del crescendo y del diminuendo. El resultado es una música mesurada y tranquila, sin los arrebatos y apasionamientos característicos de épocas posteriores.

Orquestación:

Orquestación La música instrumental es ahora más importante que la vocal. Se sientan las bases de la moderna orquestación evitándose, en general, los registros extremos.

Formas Musicales:

Formas Musicales Perfección de las grandes formas. Estructura formal clara y transparente . Aparición de la sonata clásica. Esta forma organizará toda la música instrumental: la música de cámara y la sinfónica: sinfonías y conciertos. El surgimiento de estas nuevas formas clásicas sólo se hizo posible gracias a un desarrollo de las condiciones técnicas, que posibilitaron la formidable ampliación del lenguaje de creación musical edificando dos principios fundamentales: la polifonía y la homofonía . Desaparición de formas instrumentales practicadas en el periodo precedente como: suite, coral orgánico, concerto grosso, la cantata, escasez de oratorios, etc . Se suprimen también el bajo continuo y la armonía compleja, sumado al claro predominio de la música instrumental frente a la vocal. Mantenimiento de la variación. Se suceden cambios en las grandes estructuras formales. El panorama formal queda como sigue (ver siguiente diapositiva):

Slide42:

D esaparecen : la Suite coral, el Preludio, el Concerto grosso, la Fantasía, la antigua Cantata, la Tocatta y la Fuga, Aparecen : la Sonata y la Sinfonía. S e mantienen : la Variación y el Oratorio.

Formas instrumentales del Clasicismo:

Formas instrumentales del Clasicismo

Slide44:

Ordenación de las Formas Musicales del Clasicismo

Las formas instrumentales:

Las formas instrumentales

La música instrumental:

La música instrumental En el periodo clásico la música instrumental supera en importancia a la música vocal y dramática, siendo en aquella donde mejor se aprecian las características del clasicismo . En este punto caben destacar 3 apartados fundamentales: La sonata clásica (Sonatas, Sinfonías, Conciertos y Música de cámara). El arte sinfónico y la orquesta moderna. Música de cámara.

i. La sonata clásica:

i. La sonata clásica Bajo el rótulo de sonata se venía haciendo música instrumental desde finales del siglo XVI y ya se ha visto su evolución a lo largo del XVII y XVIII. Hablamos ahora de un nuevo tipo de sonata que comenzó a desarrollarse a mediados del siglo XVIII, se consagrará en este periodo y será fecunda durante más de cien años. Con la palabra sonata nos estamos refiriendo a dos significados: Forma Sonata : un molde formal ( allegro de sonata ) específico que organiza el discurso musical de, al menos, el primer movimiento de: una obra en varios movimientos .

i.a.- Forma Sonata: Allegro de Sonata:

i.a.- Forma Sonata: Allegro de Sonata En su estructura , después de una breve introducción optativa vienen las tres partes en las que típicamente se divide este primer movimiento de sonata ( sin pérdida de la continuidad ): Exposición Desarrollo Reexposición (ó Recapitulación) En el origen de esta estructura resultan fundamentales las numerosas sonatas para clave escritas por C.P.E. Bach en un estilo muy armónico y galante, opuesto al fugado de su padre . La forma sonata se aplicó en uno o varios movimientos a las formas instrumentales clásicas: S onata (propiamente dicha), Sinfonía , C oncierto y Cuarteto o Música de Cámara .

i.a.1.- Sonata: Exposición:

i.a.1.- Sonata: Exposición Comienza con la presentación de un primer tema (vivo, enérgico, rítmico, bien definido) en la tonalidad principal. Después de una breve transición , continúa con la presentación de un segundo tema (melódico, cantabile) en la tonalidad de la dominante (en la tonalidad del relativo mayor si la sonata está escrita en un modo menor).

i.a.2.- Sonata: Desarrollo::

i.a.2.- Sonata: Desarrollo : Sección inestable en la que domina el cambio, las modulaciones inesperadas, etc. Lo que salva a esta sección de la posible incoherencia e inconsecuencia es la constante cita de los motivos más característicos de los temas presentados en la exposición.

i.a.3.- Sonata: Reexposición::

i.a.3.- Sonata: Reexposición : La Reexposición o Recapitulación es la repetición de la exposición con la novedad de que ahora el segundo tema es expuesto también en la tonalidad principal. Esta caída de registro del segundo tema tiene sentido cadencial (de conclusión) y resuelve la tensión creada durante el desarrollo.

i.b.- Sonata: Obra en varios movimientos:

i.b.- Sonata: Obra en varios movimientos La sonata es una forma musical para uno, dos o tres instrumentos. Consta normalmente de cuatro movimientos. Tiene forma de sonata en el primer movimiento y a veces también en el último 1º mov.: Allegro (con forma de sonata) 2 º mov.: Adagio (con forma ternaria ABA o tema con variaciones) 3 º mov.: Minueto o Scherzo (ABA’) 4 º mov.: Final (forma sonata o rondó ) 1º tiempo: allegro de sonata .

Slide53:

2º tiempo: lento, muy expresivo en una tonalidad cercana. Respecto a su forma se abren varias posibilidades para el compositor: Tipo lied: estructura A (idea principal) B (transición: nuevas ideas no muy bien definidas) A (repetición total o parcial de A). Tema con variaciones. 3º tiempo. Tenemos aquí dos posibilidades: Minué : derivado de la antigua danza del mismo nombre, presenta la siguiente estructura: Minué 1 (rítmico, regular, cuadrado, con forma ABA), Trío (o Minué 2: más melódico, con forma CDC) y por último repetición del Minué 1. Scherzo : usado desde Beethoven, es semejante al minué pero más rápido, amplio, libre, vivaz y juguetón. La sustitución del minué por el scherzo supone eliminar el último reducto de la galantería.

Slide54:

4º tiempo. También aquí el compositor puede optar entre: Tipo rondó , claramente derivado de la forma habitual de los conciertos barrocos, con estribillo y tres coplas (ABACADA), en un clima ligero y feliz. La importancia que se quiso dar a éste último movimiento como eje de simetría del primero propició que en algunas obras se adaptara sin más el esquema del primer tiempo de sonata o, más interesante aún, que se uniera el esquema del primero con la estructura del rondó: el llamado rondó sonata (Beethoven). Su estructura quedaría así: ABA (esto funciona como exposición) C (especie de desarrollo) y ABA (reexposición ). Este molde formal (Sonata) no sólo se dará en las obras que llevan dicho nombre (generalmente, las destinadas a un instrumento o a dos: sonata para piano, sonata para violín y piano, etc.) sino en todo tipo de música de cámara (tríos, cuartetos, quintetos, etc.), concertante o sinfónica.

i.2.- La Sinfonía:

i.2.- La Sinfonía Es la forma que adquirió mayor desarrollo en la Viena del Clasicismo. Se trata de una gran sonata para orquesta que se estructura en cuatro movimientos básicos: Allegro, Andante, Minueto y Presto.

i.3.- El Concierto Clásico.:

i.3.- El Concierto Clásico . Gracias a la labor de dos de dos hijos de Bach (Carl Philipp Manuel y Johann Christian) a mediados del siglo XVIII el concierto grosso va dejando paso al concierto clásico para solista virtuoso acompañado por la orquesta que adquiere forma de sonata en el primer movimiento. Siguió siendo norma la disposición en tres movimiento. Los solistas más frecuentes serán el violín, el piano y los instrumentos de viento. Respecto a su estructura formal podemos decir que presenta algunas diferencias respecto de la sonata: Consta de tres movimientos (allegro-lento-allegro) en lugar de los cuatro de la sonata,

Slide57:

en el primer movimiento utiliza también el típico allegro de sonata pero adaptándolo a las necesidades especiales planteadas por el solista y la orquesta (doble exposición: una de las cuales es encomendada al solista y la otra a la orquesta, que es la que suele abrir la pieza ); las secciones de solos crecen en dimensiones y en importancia. A fines de siglo, en el concierto clásico totalmente desarrollado, el solista despierta la atención del oyente por medio de una exposición inicial llamativa y dramática, inmediatamente después de la exposición de los temas por parte de la orquesta; por último, es característica del primer movimiento (a veces también del tercero) una cadencia o largo reposo orquestal donde el solista, sin acompañamiento y muy libremente, resume virtuosísticamente el material temático precedente. Hasta Beethoven esta cadencia solía ser improvisada por el intérprete; los abusos de mal gusto en los que incurrían generalmente los intérpretes de la época obligaron a Beethoven (conocido por sus geniales dotes de improvisación) a escribirlas de su puño y letra. Haydn y Mozart, antes que Beethoven, darán un gran impulso al concierto.

ii. El arte sinfónico y la orquesta moderna:

ii. El arte sinfónico y la orquesta moderna ii.1 .- Orquesta . En el Clasicismo se abandonan algunos instrumentos como el órgano y el clavicémbalo junto al bajo continuo y se introducen otros como el clarinete. A partir de 1750 la orquesta adquirirá la composición actual, aunque algo más reducida: La cuerda . Se dividirá en cinco partes: violines primeros y segundos, violas, violonchelos y contrabajos (normalmente doblaban una octava baja a los violonchelos). Viento madera . La plantilla más utilizada incluía flauta, dos oboes y fagots. Algo más tarde se añadieron los clarinetes. A finales de siglo se añaden, excepcionalmente aún, el flautín y el contrafagot. Viento metal . La plantilla más usual incluye dos trompas y dos trompetas. A final de siglo se añadirán los trombones. Percusión . Dos timbales. El resto de la percusión es rara aún a mediados de siglo.

ii.1.- La orquesta de Mannheim:

ii.1.- La orquesta de Mannheim Desde los años 40 la orquesta de Mannheim empezó a gozar de gran prestigio por su disciplina y la buena preparación de sus músicos. A Stamitz , el primer director de la orquesta de Mannheim, se debe la costumbre de dirigir la orquesta sustituyendo al director sentado al clave así como el uso del clarinete en las maderas. Entre las aportaciones de la orquesta de Mannheim cabe destacar los contrastes forte-piano , los crescendos , el “ ataque en forma de cohete ” en el inicio de las sinfonías con figuraciones arpegiadas ascendente, los llamados “ suspiros de Mannheim ”(uso de intervalos de segunda menor descendente) y el efecto “ apisonadora de vapor ” o “Mannheim walze”, que consiste en la repetición en ostinato de un mismo diseño, añadiéndole cada vez más instrumentos.

ii.2.- Director.:

ii.2.- Director. Solía ser el ejecutante del clave. Daba ciertas indicaciones con la mano, con un rollo de papel o con un bastón con el que daba el golpe del compás para que todos le oyeran (Lully). Al adquirir gran difusión el violín sustituyó al clavecinista como director dando las indicaciones con el mismo arco del violín que, más tarde, se convertiría en batuta. A principios del siglo XIX se independiza la figura del divo y autoritario director , colocado en el centro y en frente de la agrupación con la batuta la dirección de orquesta especializada técnica y artísticamente, de manera que encontramos ya a insignes directores de orquesta que únicamente se dedican a tal fin. Tradicionalmente se considera a Hans von Bülow como el primer director de orquesta especializado primordialmente como tal.

ii.3.- Sinfonía.:

ii.3.- Sinfonía . Puede ser definida como una gran sonata para orquesta. Surge con su significado actual (obra para orquesta en cuatro movimientos: allegro en forma de sonata, lento, minueto y tiempo rápido final) a mediados del siglo XVIII ya que en épocas anteriores la palabra sinfonía había tenido otros significados: en la edad media acoplamiento simultáneo de dos voces, en el siglo XVII sonar juntas voces e instrumentos, introducción e interludio instrumental de una ópera, etc. Como origen de la sinfonía podemos enunciar dos hipótesis igualmente defendibles: Derivación de la obertura a la italiana (Allegro-Andante-Allegro) independizada de la ópera a la que se habría añadido un minueto en tercer lugar .

Slide62:

Son muchas las sinfonías y sonatas tempranas de Haydn cuya sucesión de movimientos es Allegro-lento-minueto, por lo que la sonata sinfonía clásica de cuatro movimientos podría haber partido también de esa estructura, añadiendo, para no terminar con una danza galante, un movimiento final más sólido e importante. Entre los músicos que contribuyeron a su creación y consagración podemos señalar a: G. B. Sammartini , J. Stamitz (al frente de la orquesta de Mannheim aportará nuevos efectos dinámicos, conformando un nuevo estilo orquestal dinámico y contrastante que presagia al de Beethoven ), Carl Philipp Emmanuel Bach , etc. todos ellos prepararán el camino para los dos grandes de la escuela de Viena: Haydn y Mozart .

ii.4.- La orquesta en el Clasicismo:

ii.4.- La orquesta en el Clasicismo La orquesta clásica, finalmente, se dispuso como se detalla a continuación: CUERDA : violines, violas, violonchelos y contrabajos VIENTO MADERA : Flautas traveseras (2), oboes (2), clarinetes (2) y fagotes (2). VIENTO METAL : trompetas (2) y trompas (2). Al final del Clasicismo comienzan a emplearse trombones. PERCUSIÓN : timbales ( Ver diapositiva siguiente)

ii.1.- Distribución de la Orquesta:

ii.1.- Distribución de la Orquesta

iii. La música de cámara:

iii. La música de cámara Al lado de las grandes formas orquestales se escriben también multitud de obras destinadas a pequeñas agrupaciones instrumentales, la mayoría de ellas construidas también siguiendo el esquema formal de la sonata clásica. Algunas de estas son : Sonatas para teclado. Sonatas para violín. Cuarteto de cuerdas : sucesor de la sonata trío barroca. Haydn (83), Mozart (26) y Beethoven (16) inmortalizaron el género . Serenatas, casaciones y divertimentos.

Slide66:

La música de cámara, por tanto, será aquella compuesta para un número reducido de instrumentos. Sus formaciones más frecuentes serán: Trío de cuerdas, el Quinteto de cuerdas, y el Trío, Cuarteto y Quinteto con piano. También usan la forma sonata. Cuarteto de cuerda (2 violines, viola y violonchelo) con cuatro movimientos y forma de sonata en el primero. Quinteto : a la formación anterior del cuarteto, se añade un instrumento de viento madera, generalmente clarinete u oboe . En los divertimentos y serenatas se suelen presentar desde entre tres ó cuatro hasta diez movimientos (la configuración preferida es la de cinco movimientos ), muchos de ellos danzas. Ya no se acompañan de bajo continuo y su estilo resulta menos contrapuntístico que en el barroco. Los divertimentos se hallan frecuentemente en estilo de cámara, mientras que las Serenatas por lo general exigen una pequeña orquesta más guarnecida.

La música instrumental en España:

La música instrumental en España A diferencia del resto de Europa en España, la vida musical sigue limitada bajo el dominio de la iglesia y la influencia italiana de los Borbones. Su centro es la Capilla Real, a donde llegan los músicos italianos como Luigi Boccherini. Apenas existen orquestas o teatros (salvo en el entorno de Madrid y alguna que otra gran ciudad), y los músicos españoles tendrán, en general, que buscar trabajo en otros países . Los compositores que trabajaron en esta época en España lo hicieron al servicio de reyes, príncipes o nobles .

Slide68:

En 1788 muere Carlos III (quien reinó desde el 1759), un rey al que no le entusiasmaba la música y ese mismo año comienza a reinar Carlos IV hasta el 1808 un rey culto y, al contrario que su predecesor, amante de la música. En las casas de los nobles se celebraban academias, reuniones de intelectuales en las que la música era el foco de interés. A partir de 1750 se introduce en España la música sinfónica alemana de músicos como Haydn, y a principios del XIX se comienzan a conocer las óperas de Mozart. Se desarrollan los conciertos públicos, además de la música para teatro, que tiene influencias italianas . Se asiste a una reivindicación de lo nacional con el fenómeno del majismo . El majo es lo opuesto al petimetre francés: hombre que vive para estar a la última moda, acicalándose continuamente .

Slide69:

El majo representa a un hombre de clase media, valiente, apasionado, cuyos gustos incluyen la música, las danzas (como boleros, fandangos, seguidillas y tiranas), así como la tauromaquia. La aristocracia también asume el majismo al finales del XVIII. Son figuras representativas de la época nombres tan conocidos como Francisco de Goya (pintor), Fernández de Moratín y Gaspar de Jovellanos (escritores ). En la música instrumental destacan dos arquetipos: Instrumentos solistas (Teclado y Guitarra) Música de cámara Música sinfónica

España: Música de tecla:

España: Música de tecla En cuanto a la música para teclado los músicos más destacados son: Mateo Albéniz (Logroño, 1755 — San Sebastián, 1831): clavecinista, organista y maestro de capilla en iglesias de Logroño y San Sebastián del que apenas se sabe nada sobre su vida temprana, especulándose acerca de que su contacto con la música pudo ser a través de la Iglesia probablemente como niño cantor. Compuso obras fundamentalmente de música religiosa: misas, vísperas, villancicos y oficios de difuntos. Merecen especial mención entre sus composiciones, la Sonata en Re mayor, editada por Joaquín Nin, de la que se han hecho varias transcripciones. Muchos de los manuscritos de su aún no publicada obra han sobrevivido, lo que nos crea la tentación de especular acerca de posibles futuras interpretaciones de su música y de la de su tiempo.

Slide71:

Padre Antonio Soler (Olot 1729- El Escorial 1783). Con él, la música española abandona los cauces típicos del barroco y hace su entrada en el clasicismo. Discípulo de Domenico Scarlatti, trabajó para los reyes en El Escorial, componiendo música religiosa, para la escena y música instrumental, siendo en este último campo donde realiza las aportaciones más sobresalientes. Compuso centenares de sonatas para clave: son obras de gran belleza en las que une aspectos típicos de nuestra música (danzas populares) con elementos foráneos. En ellas se operará la transformación de la sonata barroca en cuatro partes en la sonata de forma binaria , además de suponer una modernización de la escuela española de tecla iniciada con A. de Cabezón .

España: Música para Guitarra:

España: Música para Guitarra Grandes guitarristas logran que este instrumento ocupe, a finales del siglo XVIII, un lugar del todo privilegiado . Entre los más importantes: Fernando Ferandiere , Fernando Sor (1778-1839) (formado en la escolanía de Montserrat, destaca sobre todo por sus creaciones para guitarra. Se trasladará París en 1813, donde conocerá a Cherubini, e iniciará su carrera internacional como guitarrista, actuando también en Inglaterra y Rusia. Fueron famosísimas sus sonatas, fantasías, divertimentos y valses) y Dionisio Aguado , auténtico virtuoso del instrumento para el que dejó rondós, valses, minuetos y variaciones . Audición: O cara armonía (F. Sor)

España: Música de cámara.:

España: Música de cámara. Ya hemos visto que los compositores españoles trabajaron al servicio de reyes, príncipes o nobles. Y cómo en las casas de los nobles se celebraban reuniones de intelectuales en las que la música era el entretenimiento favorito. Allí actuaban orquestas y grupos de cámara que estaban a su servicio. Entre estos músicos cabe citar : · Luigi Boccherini , al servicio del Infante Luis de Borbón. Nacido en Italia, es considerado músico español ya que deja sus obras en España siendo nuestro país el elemento inspirador de su música.

España: Música Sinfónica:

España : Música Sinfónica Juan Crisóstomo Arriaga (1806-1826): prometía ser uno de los grandes de la música. Gran violinista y compositor desde la más tierna infancia (a los 12 años compone una obertura y a los 14 su ópera Los esclavos felices). Estudia en París; a los 18 años es profesor de armonía después de dos años de estudios en los que asombró a sus maestros. Cherubini y otros creyeron ver en él a un nuevo Mozart (hasta por su prematura muerte). Compone obras de inspiración clásica, usando un lenguaje similar al de Mozart, Haydn e incluso Beethoven y Weber, en un momento en que otros músicos españoles componen una música muy inspirada por lo popular. Otras obras importantes de este autor son la Sinfonía en Re m , y sus Tres cuartetos de cuerda (única obra publicada en vida).

Formas vocales del Clasicismo:

Formas vocales del Clasicismo

Las formas vocales:

Las formas vocales

Música vocal escénica:

Música vocal escénica Se vuelve más natural y cercana, eliminando los excesos del Barroco. Los temas se fijan en situaciones más familiares y los personajes son más creíbles, con sentimientos. La ópera cómica y bufa rivaliza con la ópera seria. La ÓPERA BUFA culminará con la obra de Mozart, que creará personajes vivos y reales. Los argumentos recogen temas de la vida cotidiana con un toque cómico y a veces sentimental. Se utiliza el idioma de cada país y sustituye los recitativos por diálogos hablados: Las Bodas de Fígaro , Don Giovanni y la Flauta Mágica . En la ÓPERA SERIA C.W. Gluck (considerado el Miguel Ángel de la Ópera) inicia la primera gran reforma de la Ó pera. Se imponen sus concepciones que se podrían resumir en las siguientes características:

Slide78:

La ópera cómica y bufa rivaliza con la ópera seria. Se imponen las concepciones de Gluck (considerado el Miguel Ángel de la Ópera) en la primera gran reforma de la Ópera, que se resumen en: Acabar con los excesos de la recargada ópera barroca italiana, es decir, purificar y ennoblecer el género mediante la sobriedad en las voces. utilizando música sencilla y evitando tanto el contraste entre recitativo (más expresivo) y aria (más sencilla). Acabar con la auténtica dictadura de los convencionalismos y la tiranía de los cantantes en un momento en que la ópera barroca se había convertido en un mero instrumento para el exhibicionismo vocal de los castrati. Argumentos más simples y creíbles: la sobriedad debía estar rematada por una total economía argumental y del texto, dejando atrás las complejas e inverosímiles tramas, las tortuosas intrigas amorosas de la ópera barroca que Gluck detestaba profundamente: "La semplecità, la verità e la naturalezza". Con todo esto Gluck pretendía que la ópera fuera capaz, sin despistar al espectador, de transmitir la nobleza de drama clásico por encima de los aspectos superficiales, es decir, buscaba equiparar la ópera a la tragedia griega. En definitiva, lo que el compositor pretendía era realizar la transición musical del arte barroco al neoclásico .

Música vocal religiosa:

Música vocal religiosa En la música religiosa dominan el espíritu operístico e instrumental: parece más bien hecha para el concierto que para el culto.

La música vocal:

La música vocal A comienzos del siglo XVIII, después de que se ha extendido como género a toda Europa, la ópera se fija en dos prototipos bien diferenciados : La ópera seria. la ópera bufa . Revisaremos también los siguientes apartados: 1ª Reforma de la Ópera a cargo de Gluck La música religiosa El impulso de la música teatral en España.

i. Mús. Vocal: La Ópera seria:

i. Mús. Vocal: La Ópera seria La ópera es un fenómeno dramático que se basa en dos elementos que, en principio, tienen parecida importancia: el texto dramático y la música . La ópera seria era un género solemne, sofisticado, brillante, repleto de convencionalismos que impedían un buen teatro musical. Desde el punto de vista del texto , la ópera seria se caracteriza por: Está basada en escritores clásicos griegos o romanos. Trata temas mitológicos, históricos o épicos. El hilo argumental suele poner de manifiesto un conflicto de pasiones que se desarrolla entre dos parejas de amantes, con la frecuente intervención de otros personajes que desarrollan tramas secundarias. En la acción se añaden episodios pastoriles o ceremonias solemnes para dar espectáculo. Solían terminar con algún acto de heroísmo o alguna gran renuncia por parte de alguno de los protagonistas.

Slide82:

Desde el punto de vista musical , las características de la ópera seria son: Tiene un lenguaje armónico rico y variado. Constan de tres actos que son una sucesión de arias y recitativos. La acción se desarrollaba en el recitativo (muchas veces en forma de dialogo entre los personajes) y los sentimientos y emociones se expresaban en el aria. El drama, por tanto, avanza a trompicones, con periodos de movimiento (el recitativo defiende los derechos del drama) y de reposo (el aria como representante de los derechos de la música). Las óperas serias eran en realidad conciertos de 30 o más arias individuales escenificadas con gran esplendor. Todos los personajes tenían sus correspondientes arias (una, al menos, en cada acto) midiéndose su importancia por el número de arias que cantaban. Los abusos de los divos eran tan frecuentes como criticados. Puede haber dúos o tercetos, aunque son escasos porque les parecía un despilfarro hacer cantar juntos a los grandes divos. Se emplean pocos conjuntos y raramente hay coros. La obertura no tiene nada que ver con el drama que va a representarse y, por tanto, es intercambiable de unos a otros pudiéndose interpretar también en concierto. Alguien las describió como un cosquilleo, un ruido agradable que precede a la representación. La orquesta, salvo en la obertura, no tiene gran protagonismo. Los recitativos se hacen con el acompañamiento de un bajo continuo (recitativo seco). Sólo a los más importantes se les añade la orquesta.

Slide83:

En resumen: en la ópera seria el aria concentra todo el interés musical, especialmente la denominada aria da capo . Es el reino del cantor lo que da origen al mundo del castrado, que vive en estos momentos su edad de oro. Eran las autenticas estrellas del momento que imponían sus caprichosas exigencias a poetas y músicos para que hicieran obras en las que pudiesen lucir sus portentosas cualidades vocales . Tras un siglo de experiencias en la ópera, la actividad de un músico napolitano a lo largo de unos 40 años entre los siglos XVII y XVIII codificó el género serio y su estructura se mantuvo casi inalterable durante todo un siglo. Alessandro Scarlatti (1660-1725) compuso más de 60 obras teatrales estrenadas la mayoría en Nápoles desde donde llegarían a conquistar toda Europa. No obstante sus últimas obras marcarán ya tendencias futuras: más desarrollo de la orquesta, tanto en la obertura como en el acompañamiento de las arias y un mayor interés por la acción dramática al tratar de superar los compartimentos estancos de recitativo seco y aria mediante recitativos acompañados por la orquesta o de episodios ariosos, de gran intensidad dramática. El consumo de óperas serias fue enorme destacando en ella los músicos italianos. También A. Vivaldi cultivó esta modalidad de teatro musical. Sin embargo pocas óperas serias italianas han entrado en el repertorio moderno y esas pocas casi siempre fueron escritas por músicos germánicos. G. F. Haendel (1685-1759) es otro de los compositores más importantes de este género. Antes de dedicarse al oratorio compone, entre 1711 y 1740, óperas acomodadas al gusto aristocrático como Alcina, Jerjes, Julio César, Rodelinda, etc.

i.1.- El aria da capo.:

i.1.- El aria da capo. Fue la gran protagonista de la ópera seria durante toda la primera parte del siglo XVIII. A mediados de este siglo se volvió al aria en un solo movimiento (óperas de S. Mayr ). El texto consta de dos estrofas: A y B. Su forma es tripartita: ABÁ . Se llama da capo por la costumbre de poner al final de la parte B las palabras Da capo, que indican la vuelta al comienzo . La música se suele desarrollar así: A: ritornello instrumental I , sección A1 que termina en la dominante, ritornello II, sección A2 que termina en la tónica, ritornello III. B : es una sección más pequeña que A. Desenvuelve material musical aparecido en A o, por el contrario, contrasta con ella. Á : Da capo. Igual que A pero sin el ritornello I, con ornamentos o coloraturas añadidas y largas cadencias. Pietro Metastasio

ii. Mús. vocal: La Ópera bufa.:

ii. Mús. vocal: La Ópera bufa. La ópera seria desató una reacción en contra gestada también en Nápoles, la llamada ópera bufa, cuyo elemento evidente es precisamente su carácter popular. Comenzó a ser importante a finales del siglo XVII. Unos años después sus características habían sido absorbidas por la corriente general de la ópera representada por Mozart. Entre sus características podemos señalar : Su cualidad más importante es la naturalidad. Mediante una música fácil y ligera se narran asuntos cotidianos que interesaban a un público más popular. Los protagonistas no son dioses sino personas de la clase media que critican a la aristocracia.

Slide86:

Interpretada por compañías más baratas, a menudo ambulantes. Integradas por un reducido número de cantantes y una pequeña orquesta. No hay coros. Usa elementos de carácter folklórico. Es fundamental y novedosa la importancia y el empleo que se hace de la voz de bajo, denominada bajo bufo. En la ópera bufa tienen gran importancia los caracteres nacionales y el uso frecuente de las lenguas vernáculas. A este género pertenecen la ópera comique francesa, el singspiel alemán , la tonadilla y zarzuela españolas y la ópera balada inglesa .

Slide87:

La “serva padrona” (1733) del compositor italiano Giambatista Pergolesi es la obra que ha sido considerada como símbolo del género. Su estreno en París a cargo de una compañía italiana que representó óperas bufas napolitanas desató, a partir de 1752, la denominada “querella de los bufones” entre los defensores de lo viejo y lo nuevo, lo serio y lo bufo. Filósofos franceses como D´Alembert, Diderot y Rousseau (autor él mismo de una ópera llamada “le devin du village”), representantes de una nueva época en la historia del pensamiento, se pusieron en general decididamente a favor de la ópera napolitana cómica y de corte ligero, con predominio de la melodía, en contra del estilo serio representado por Rameau. En el fondo de la cuestión había también un problema político y era el enfrentamiento a través de la música de los partidarios del rey y de la reina, cada uno sostenedor de un bando musical.

a. La ópera: Reforma de Gluck:

a. La ópera: Reforma de Gluck La ópera cómica supone una burlesca caricatura de la ópera seria y propone la vuelta a la melodía sencilla y popular. La ópera seria, reducida a una serie de arias en las que los cantantes se afanaban por exhibir sus facultades vocales sin tener para nada en cuenta ni la palabra ni el desarrollo dramático, se había alejado mucho de los ideales de la camerata Florentina de finales del XVI, donde nació la ópera como un deseo de concebir la música al servicio de la palabra y de la acción dramática. Estos excesos conducen a la ópera seria a su decadencia y, en consecuencia, a su reforma. Se intentará hacer una ópera más natural y más humana suprimiendo los aspectos circenses de los castratos y dando más importancia a los coros . C. W. Gluck (1714-1787), alemán de nacimiento, emprenderá contra viento y marea la reforma de la ópera seria. En esta tarea fueron fundamentales sus relaciones con escritores (entre los que podemos citar a Ranieri de Calzabigi) que reforman los libretos en contra del ya pasado de moda estilo de Metastasio. En el prefacio de Alceste (1767) expondrá tanto los motivos como los principios de la misma que pueden ser sintetizados en el logro de una bella simplicidad. Para ello:

Slide89:

Los libretos constaban de tres o cuatro actos. Proporcionan a los músicos situaciones más reales, alejadas de las antiguas farsas. En ellos se simplificaba la acción dramática, con menos escenas y eliminación de personajes secundarios e intrigas innecesarias, dando continuidad dramática y credibilidad a los personajes. Importancia de una obertura que ha de preparar a los espectadores resumiendo el clima de la obra. La música debe estar al servicio del texto. Terminará con los abusos exhibicionistas de los cantantes suprimiendo arias inútiles que interrumpen el desarrollo del drama y eliminará la rigidez de en la estructura de las arias. Evitar la disparidad entre aria y recitativo para lograr mayor continuidad en el desarrollo de la acción. Más énfasis en el recitativo que ahora es acompañado por la orquesta. El coro, casi imposible en el género serio tradicional, intervendría cuando fuese necesario. Las danzas sólo se incluirían si apoyaban la acción. En resumen: realizar la perfecta fusión de palabra y música, la síntesis de las artes, ideal que no pudo llegarse a materializar plenamente hasta Wagner, al que en parte Gluck se adelanta.

Slide90:

Sus obras maestras en el nuevo estilo son recibidas , no obstante, con notable revuelo: Orfeo ed Euridice (1762, primera ópera reformada) y Alceste (estrenada en 1767, es una verdadera tragedia en música radicalmente distinta a la ópera seria de antaño), compuestas durante su estancia en Viena. Ifigenia en Aulide es su primera ópera adaptada al gusto francés (adaptación a las inflexiones propias de la lengua francesa, la preferencia por una orquesta más nutrida y elaborada que la italiana y por las danzas dentro de la estructura de la obra.) con la que triunfará en 1774. A partir de aquí dominará la escena francesa durante una década. Las querellas ahora se generan entre los partidarios del estilo francés reformado por Gluck y los que defendían el estilo italiano encarnado por Niccoló Piccinni. Giovanni Paisiello aplicó su talento a la consolidación de la ópera bufa como alternativa ilustrada de la antigualla que representaba la ópera seria. Su obra maestra es “el barbero de Sevilla” (1782). En esta época, las óperas cómicas acogen ya asuntos muy críticos sobre la sociedad estamental del antiguo régimen. En esta misma línea nombramos a Domenico Cimarosa y su obra maestra “ el matrimonio secreto ” estrenada en 1791 y repetida íntegramente la noche de su estreno a causa del arrollador éxito obtenido. Después triunfaría en todas partes, convirtiéndose en un paradigma de los bellos días del vivir antiguo que la revolución francesa enterraría para siempre. La actividad precoz de un italiano nacido en estas mismas fechas, Rossinni, sepultaría pronto estas obras en el olvido.

Slide91:

W. A. Mozart (1756-1791): las reformas de Gluck tuvieron sus mejores frutos en uno de los mayores genios musicales de todos los tiempos. Mozart es la gran figura de la ópera del siglo XVIII: su gran virtud consiste en sintetizar lo mejor de las corrientes operísticas italianas, francesas y alemanas para crear un nuevo estilo. Asimila de Gluck el papel que le corresponde a la orquesta, que no es el de simple sostenedor, tratando de perfilar la silueta de cada personaje, preparando así la ópera romántica. De la misma manera la obertura prepara y ambienta la acción. En cualquier caso siempre resplandece la gracia y la espontaneidad de la melodía vocal Cultiva diversos tipos de ópera: Seria. Los motivos mitológicos y trágicos típicos de la ópera seria sólo fueron utilizados en las de la primera época. Entre ellas destaca por encima de todas “Idomeneo” como la más importante y perfecta ópera seria del siglo, el canto del cisne de un género que ya declinaba. Con “la clemencia de Tito” volvería al género el mismo año de su muerte sin conseguir el mismo resultado .

Slide92:

El singspiel . Nada más llegar a Viena compuso una ópera cómica alemana sobre tema turco en que la música alternaba con la palabra hablada: el singspiel titulado el “rapto del serrallo”, de 1762. Hasta entonces, el singspiel era un género menor, divertido, para públicos poco cultivados. Mozart le dio la solidez y la gracia de las más importantes óperas cómicas italianas y estableció un modelo al que él mismo volvería en el año final con la “Flauta mágica”. En medio compuso tres obras maestras en el género cómico italiano: “las bodas de Fígaro”, “D. Giovannni” y “Cosí fan tutte”. En ellas Mozart logra la superación de los géneros serio y cómico, resumiendo los dos polos principales del teatro del siglo XVIII. F. J. Haydn (1732-1809) no ignora la música vocal. Entre las obligaciones de su cargo tanto en Eisenstadt como en Esterháza figuran las de componer tanto ópera como música religiosa. Compone 24 óperas entre los géneros serio y cómico, siendo excelente la música de todas ellas. Sin embargo no supusieron avance alguno y además teatralmente no funcionan. Haydn mismo reconoció la superioridad de Mozart en este campo y dejó de componer para el teatro.

b. La música vocal religiosa:

b . La música vocal religiosa En este periodo se da un nuevo tipo de religiosidad un poco mundana, acorde con el nuevo racionalismo ilustrado: supone una moralidad natural basada en el trabajo y en el logro de una felicidad conseguida tras el control de las pasiones. En consecuencia las obras religiosas son más aptas para ser oídas en concierto que en el seno de la liturgia. De entre las obras religiosas más importantes cabe citar: F. J. Haydn: sintiéndose conmovido por los de Haendel compone los oratorios de “La Creación” (Die Schöpfung), estrenado en 1798, dando por vez primera expresión fecunda a la nueva religiosidad en música y “Las Estaciones ”, de 1801. También son importantes sus misas, cantatas y ofertorios. W. A. Mozart: destacan sus 19 misas y su inacabado “Réquiem”.

c. España: La música escénica:

c. España: La música escénica En España, la música escénica incorpora la cotidianeidad nacional y se inspira en el folklore con sus ritmos y melodías, sus danzas e instrumentos, especialmente en su figura más popular: La Tonadilla. Las tres expresiones escénicas musicales serán: La Ópera La Zarzuela La Tonadilla

c.1.- España: La Ópera.:

c.1.- España: La Ópera. Durante este siglo crece la afición a la Ópera en España. Las grandes representaciones se hacen en el teatro del regio del Buen Retiro (uno de los mejores de Europa) bajo la dirección de Farinelli (el castrati más famoso de Europa llegaría a España en 1737 con el fin de calmar con su música la tristeza del rey Felipe IV). Diez años después de su llegada domina de forma absoluta el panorama musical español, imponiendo la italianización de los teatros de ópera españoles.

Slide96:

Entre los compositores más importantes podemos citar a: Vicente Martín y Soler (1754-1806). Conocido como “Martini lo spagnolo” compone óperas ( Una cosa rara , El árbol de Diana , La capricciosa corretta ) que llegarían a competir en fama con las de Mozart . Nacido en Valencia, estrena en Italia, Viena, Londres y san Petersburgo, donde fue maestro de capilla de Catalina la Grande . Domingo Terradellas : estrenó varias óperas en Venecia, Roma y otras ciudades Europeas. Audición: Artaserse

c.2.- España: La Zarzuela:

c.2.- España: La Zarzuela En el clasicismo la zarzuela se populariza y se generalizan los espectáculos, pasando de representarse en la corte a representarla en teatros municipales y corrales. Se trata de obras de una cierta duración (no tanta como la Ópera) que combinan partes habladas y cantadas .

Slide98:

En la segunda mitad del siglo XVIII el libretista Ramón de la Cruz en colaboración con el músico Antonio Rodríguez de Hita introducen importantes cambios en la Zarzuela, abandonando los temas mitológicos en favor de la incorporación de argumentos y elementos de corte popular, cuadros de costumbres y un claro realismo al recibir las influencias de la ópera bufa (Las segadoras de Vallecas o Las Labradoras de Murcia). F. A. Barbieri , considerado “el padre de la Zarzuela”, por su casi exclusiva dedicación a este género, se sumó a las iniciativas de teatro musical en castellano.

c.3.- España: La Tonadilla:

c.3.- España: La Tonadilla Es el nuevo género de música para la escena típicamente español nacido a finales del Barroco resulta más popular aún que La Zarzuela . Comienza a fructificar en torno a 1750 en torno a dos teatros madrileños: el “Corral de la Cruz” y el “Corral del Príncipe” (que luego se extenderá hacia otros teatros de diferentes ciudades españolas) y llega a alcanzar una enorme difusión, llenando durante los próximos 50 años todos los teatros y corrales de comedias de Madrid y de España . A partir de 1810 entra en decadencia y poco a poco dejarán de componerse.

Slide100:

Podemos definirla como una breve obra escénica (unos 20 minutos) cantada y hablada, a imagen de la Zarzuela, con un lenguaje abierto y directo a través de canciones al estilo de “coplas”, “tiranas”, “seguidillas”, “fandangos”, “boleros”, etc..., de argumentos simples, letras fáciles y melodías pegadizas, con formas estróficas, o con estribillos, que se solía intercalar en los intermedios de las obras de teatro cómicas (las comedias), que cuenta entre sus motivaciones principales las de ejercer la crítica social y la expresión de actitudes de oposición (similar a lo que hoy en día denominaríamos canción protesta), tratando cómicamente asuntos populares y cotidianos. Más que el simple afán de divertir, se rebela contra el italianismo que domina la vida musical oficial y se caracteriza por su pintoresquismo y por incluir toda clase de canciones y danzas populares españolas y hasta coloniales. Especialmente importante es el desdoblamiento en dos (o en más) del personaje que interpretaba la tonadilla, puesto que ello provocaba el diálogo y con ello la creación de una rudimentaria acción dramática que, al recibir nuevos ingredientes (decorados, libreto con mayor unidad dramática, etc.) no tardaría en cristalizar en un nuevo género popular y castizo. Con ello asistimos al renacimiento de la zarzuela .

Slide101:

La mayoría de los compositores españoles compusieron una gran variedad de obras de este género: Se representaban ente los actos de una comedia o bien de manera independiente. Las había para uno “a solo”, o para dos, tres y hasta seis y más personajes extraídos de la vida cotidiana de entonces: venteros, hortelanos, toreros, lacayos, músicos, poetas, etc. La temática que los movía era variada: amores, desengaños, celos, venganzas, desdenes, etc. Musicalmente se inspira en el folklore español. Sus ritmos y melodías, sus danzas (seguidilla, fandango, etc.) y sus instrumentos (castañuelas, guitarra, etc.) son de características nacionales. El principal representante del género fue el corellano Blas de Laserna (1751-1816 )

Obras de los máximos exponentes del Clasicismo:

Obras de los máximos exponentes del Clasicismo Línea de tiempo de los compositores clásicos

Slide103:

Franz Joseph Haydn

Franz Joseph Haydn: Obra:

Franz Joseph Haydn : Obra 104 Sinfonías, muchas con nombres especiales como: Oxford (1788) Sinfonía de la despedida (1772) La caza (1780) Militar (1794), La Reina (1786), Sinfonía de los niños y Mediodía (1761). Las siete palabras de Cristo. Conciertos para clave, violín, violoncelo. Cuarteto, tríos, sonatas. Misas, Te Deum, Ofertorios, Stabat Mater. Los diez mandamientos. La creación. Las estaciones.

Slide105:

Wolfgang Amadeus Mozart

Wolfgang Amadeus Mozart: Obras:

Wolfgang Amadeus Mozart: Obras 22 Óperas: El rapto del Serrallo. Las bodas de Fígaro. Don Juan. Cosi fan tutte. La flauta mágica. Sinfonía concertante para violín y viola. Pequeña serenata nocturna. 5 conciertos para violín y orquesta. 4 conciertos para trompa y orquesta. 7 conciertos para viento madera 25 conciertos para piano y orquesta. 42 sonatas para violín. 18 sonatas para piano. 36 sonatas para violín y piano. 23 cuartetos de cuerda 41 sinfonías (aunque se cree que existen hasta 68 obras completas) 18 Misas de las que la nº 18 es el popular Réquiem. 2 Cantatas.

Slide107:

Ludwig van Beethoven

Ludwig van Beethoven: Obra:

Ludwig van Beethoven : Obra 9 Sinfonías. 5 Conciertos para piano y orquesta. 32 Sonatas para piano. Sonatas para violín. Un concierto para violín. Tríos, cuartetos, Oberturas, Egmont y Cariolano. Ópera: Fidelio.

Listado de Compositores «Clásicos» Europeos :

Listado de Compositores «Clásicos» Europeos Austria Franz Joseph Haydn (1732–1809) Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791) Alemania Carl Philipp Emmanuel Bach (1714–1788) Johann Christian Bach (1735–1782) Ludwig van Beethoven (1770–1827) Christoph Gluck (1714–1787) Carl Stamitz (1745–1801) Johann Nepomuk Hummel (1778–1837) Italia Andrea Luchesi (1741–1801) Luigi Boccherini (1743–1805) Luigi Cherubini (1760–1842) Antonio Salieri (1750–1825) Giovanni Paisiello (1740–1816) Domenico Cimarosa (1749–1801) Muzio Clementi (1752–1832) Francia Joséph Meissonnier (1790–1855) Eugène Roldan (1800 – 18xx) Hector Berlioz (1803–1869) Napoleon Coste (1806–1883) Jacques Offenbach (1819–1880) Joséph Franck (1825–1891) España Mateo Albéniz (1755–1831) Andrés de Sotos (1764–1792) Fernando Sor (1778–1839) Juan Crisóstomo de Arriaga (1806–1826) Salvador Castro de Gistau (1770–18xx) Dionisio Aguado y García (1784–1849) Miguel Carnicer y Batlle (1793–1866) Sebastián de Iradier y Salaverri (1809–1865) Antonio Cano–Curriela (1811–1897) José Viñas (1823–1888)

Bibliografía y Webgrafía:

Bibliografía y Webgrafía Wikipedia. http://es.wikipedia.org http://en.wikipedia.org Biblioteca Nacional de Portugal. http://www.bnportugal.pt Biografías y vidas. http://www.biografiasyvidas.com Boosey & Hawkes. http://www.boosey.com/pages/cr/composer Compositores & Intérpretes: http://ciweb.com.ar/pages/presentacion.php El poder de la palabra. http://www.epdlp.com En do sostenido menor. https://dosostenidomenor.wordpress.com Google Imágenes. https:// www.google.es/imghp MCN Biografías. http://www.mcnbiografias.com

Slide111:

http://es.wikipedia.org/wiki/Clasicismo http://es.wikipedia.org/wiki/Clasicismo_musical http://www.monografias.com/trabajos10/clasic/clasic.shtml http://www.weblaopera.com/historia/histo4.htm http://enciclopedia.us.es/index.php/Clasicismo http://musicarium.wordpress.com/3o-eso/clasicismo/clasicismo-en-espana/ http://www.19trastes.com/clasicismo.htm http://musicadiz1812.es/

Manifiesto, CopyRight © y Derechos de utilización.:

Manifiesto, CopyRight © y Derechos de utilización . El contenido de esta presentación tiene única y exclusivamente carácter didáctico y/o pedagógico. Los medios audiovisuales utilizados en esta presentación han sido recabados a través de buscadores como Google, Yahoo, Bing, etc. o en páginas especializadas. Si cualquier usuario tiene algún inconveniente con el Copyright © de elementos incluidos aquí (imágenes, música, vídeos, etc.), le ruego que se ponga en contacto conmigo y se estudiará su eliminación y/o sustitución de la presentación. Estas diapositivas corresponden al temario de Historia de la Música del siglo XX de la Escuela Municipal de Música “Enrique Granados” de Majadahonda. Se da por supuesto el uso de este material sin restricciones por cualquier persona interesada, siempre que los fines, cualesquiera de ellos, sean de carácter didáctico y/o pedagógico y sin ánimo de lucro. Carlos Manuel Puga Otero, Profesor de Música de la Escuela Municipal de Música “Enrique Granados” de Majadahonda.

Slide113:

Fin

authorStream Live Help