L’histoire de l’art en peinture de base

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L’histoire de l’art en peinture:

L’histoire de l’art en peinture Voici quelques grands maîtres, leurs œuvres et leurs mouvements artistiques

Le néo-impressionnisme ou le pointillisme:

Le néo-impressionnisme ou le pointillisme Georges Seurat, 1859-1891

Des compositions colorées:

Des compositions colorées Dans les années 1880, Seurat invente la technique du pointillisme, un procédé pictural à base de petites touches de couleurs pures et contrastées. Le tableau ci-dessus en contient environ 3,5 millions. De loin, les points se mélangent et les couleurs se fondent. Seurat s’inspire des nouvelles recherches scientifiques sur l’optique et la vision, en particulier celle des couleurs. Il pense que si elles se mélangent dans l’œil et non sur la palette, le résultat est plus lumineux.

Un dimanche après midi à l’île de la Grande Jatte:

Un dimanche après midi à l’île de la Grande Jatte

(1) Une baignade à Asnières, (2) le Cirque, (3) Les Poseuses et (4) Port-en-Bessin.:

(1) Une baignade à Asnières, (2) le Cirque, (3) Les Poseuses et (4) Port-en-Bessin.

Les impressionnistes:

Les impressionnistes Pierre-Auguste Renoir Paul Cézanne Edgar Degas Claude Monet Édouard Manet Henri Toulouse Lautrec

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Pierre Auguste Renoir 1841-1919 Edgar Degas 1834-1917 Paul Cézanne 1839-1906

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Édouard Manet 1832-1883 Henri Toulouse Lautrec 1864-1901 Claude Monet 1840-1926

L’impressionnisme:

L’impressionnisme Des siècles durant, les artistes travaillent d’arrache-pied à la création de peintures réalistes et lisses dont les thèmes, historiques ou religieux, sont plutôt rébarbatifs. Mais, vers les années 1870, un groupe de jeunes artistes français se met à représenter des scènes de la vie quotidienne dont le style, qui dépeint le mouvement, semble inachevé. Le monde de l’art est horrifié. Ces rebelles, connus sous le nom d’impressionniste, forme le premier mouvement artistique d’avant-garde.

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Auguste Renoir est l'un des plus célèbres peintres français. Il a appartenu à l'école impressionniste. Jeune adolescent, il part travailler chez les frères où il peindra, jusque l’âge de 17 ans, des bouquets et des fleurs sur de la porcelaine. Dans sa période impressionniste., Renoir peint beaucoup de paysages mais ses œuvres les plus caractérisées traitent de la vie sociale urbaine. Quel que soit le sujet, sa principale préoccupation est la jeunesse et la vitalité À chaque fois qu’il devient papa Renoir abandonne ses œuvres en cours pour se consacrer à des toiles sur la maternité. . Après la mort de son épouse Aline en 1915, Renoir, cloué dans son fauteuil roulant, continue à peindre pour oublier son chagrin. En 1919, il s’éteindra après avoir pu une dernière fois visiter le Louvre et revoir ses œuvres des époques difficiles. Pierre Auguste Renoir 1841-1919

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Il représente une scène familiale de deux jeunes filles jouant du piano. Les deux jeunes filles ont déjà le corps charnel des femmes que Renoir aimait peindre. Les vêtements des enfants n’ont pas été embellis ce qui rend cette toile plus réelle. Cette œuvre a été réalisée de 5 manières différentes car Renoir savait que l’État Français souhaitait faire un achat. Grâce à cette toile, Renoir est enfin reconnu. Jeunes filles au piano

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Impulsif, nerveux et bavard, Renoir eut souvent des opinions contradictoires, mais il fut toujours loyal envers sa famille et ses amis. De tous les impressionnistes, c’est lui qui a peint le plus les plaisirs des gens « ordinaires ». Il est le seul à avoir fait des peintures grandeur nature. Renoir peint souvent en utilisant les couleurs de l’arc-en-ciel et avec des touches brèves. Les ombres sont souvent bleues vives et non pas noires . Les touches de lumière ne sont pas blanches mais se jouent dans les tons de bleu. Renoir aime les femmes, on les retrouve souvent dans ses œuvres avec des bouches petites et charnues, aux lèvres souvent très rouges.

Pierre Auguste Renoir Danse à Bougival Jeune fille au cerceau:

Pierre Auguste Renoir Danse à Bougival Jeune fille au cerceau

Jeune fille se coiffant les cheveux:

Jeune fille se coiffant les cheveux La lecture

Un retour à la nature:

Un retour à la nature Autrefois les artistes peignaient surtout dans leur atelier . À partir des années 1860 , certains étudiants en art, dont Renoir et Monet, s’installent à l’extérieur, aidé par une innovation artistique le tube de peinture . Or comparé aux œuvres d’atelier, celles de Renoir et Manet esquissées à coup de pinceaux rapides avec des couleurs brutes, semblent grossières. Pourtant Monet et les autres ont franchi un pas décisif vers la libération de la peinture en présentant leurs toiles comme achevées.

Ombre et lumière:

Ombre et lumière Monet et les autres explorent les effets changeants de la lumière naturelle. Impression, soleil levant , un des premiers exemples, est une étude de la lumière de l’aube sur l’eau dans une atmosphère brumeuse ou Monet s’intéresse surtout aux effets de couleurs. Les critiques d’art disent alors, que les créateurs de papier muraux sont capable de mieux.

Claude Monet 1840-1926 :

Claude Monet 1840-1926 Monet est reconnu comme étant l'un des créateurs de l'impressionnisme, le plus convaincu et le plus constant des peintres impressionnistes, en même temps que le chef de file du mouvement impressionniste. Il rencontra Pierre-Auguste Renoir avec qui il fonda ce mouvement. Ils ont peint ensemble et ont maintenu une amitié durant toute leur vie. Depuis ses débuts comme artiste, il fut encouragé à toujours écouter et transmettre ses perceptions, et toutes les critiques qu'il dut subir ne l'éloignèrent jamais de cette quête.

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En 1872, il peignit un paysage du Havre : Impression, soleil levant qui se trouve maintenant au Musée Marmottant à Paris. Cette peinture fut présentée au public lors de la première exposition impressionniste en 1874. La manifestation ne fut pas le grand succès attendu par les peintres et un grand nombre de comptes-rendus furent assez hostiles, particulièrement celui provenant du critique Louis Leroy du Charivari qui, inspiré du tableau de Monet se servit du mot impression pour se moquer du style des exposants. Lors de la troisième exposition impressionniste, en 1876, les peintres eux-mêmes utilisaient le terme impressionnisme pour identifier leur style. Il a peint un tableau intitulé : Impression soleil levant qui a donné son nom au courant que Claude Monet a créé : "L'impressionnisme". Ce courant est en quelque sorte le contraire du réalisme qui a un aspect très fin et très précis. En revanche l'impressionnisme a un aspect très fouillis avec des éléments du tableau peu distincts...

Les Bassins aux Nymphéas:

Les Bassins aux Nymphéas

Grain de folie:

Grain de folie Les impressionnistes peignent l’activité des rues, des cafés, des parcs et des gares. Cela peut paraître banal, mais à l’époque, les artistes n’ont pas l’habitude de focaliser sur les scènes de la vie quotidienne. Bien qu’ils soient de nos jours très populaire, les impressionnistes ont d’abord dû affronter une réaction hostile. Leurs œuvres ont été rejetées par toutes les expositions officielles et ils devaient les exposer eux même. La presse et le public se moquaient d’eux.

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Fils d’un riche banquier, Edgar Degas grandit dans un milieu bourgeois cultivé et jouit d'une enfance dorée. À partir de 1875, en proie à de nombreuses difficultés matérielles, la peinture devient son gagne-pain. Dans les années 1880, alors que sa vue commence à décliner, Degas privilégie le pastel, auquel il mêle parfois le crayon et la gouache. Les tableaux de cette période témoignent d'un travail sur l'expressivité de la couleur et de la ligne. À la fin des années 1890, presque aveugle, il se consacre quasi exclusivement à la sculpture À partir de 1905, le peintre se retranche de plus en plus dans son atelier, luttant contre la cécité qui le gagne. Presque aveugle depuis quelques années, Degas meurt d'une congestion cérébrale à Paris âgé de 83 ans. L'année suivante, les œuvres accumulées dans son atelier et son importante collection sont dispersées aux enchères. Edgar Degas 1834-1917

Edgard Degas Femme à la terrasse d’un café.:

Edgard Degas Femme à la terrasse d’un café.

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Edgard Degas La Classe de Danse à l’Opéra,1872

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Les Danseuses de ballet

Capturer l’éphémère.:

Capturer l’éphémère . Bien qu’inventée récemment dans les années 1830, la photographie est déjà une technique courante à l’époque des impressionnistes. De nombreux artistes ne ressentent plus le besoin de produire des œuvres réalistes . L’appareil s’en charge à leur place.

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Le milieu d'origine de Cézanne est celui de la bonne bourgeoisie provinciale. Son père, propriétaire à Aix-en-Provence d'une prospère fabrique de chapeaux, vivait cependant quelque peu en marge de la société: il n'était pas marié avec la mère de son fils, une de ses anciennes ouvrières, lorsque ce dernier naquit, en 1839, et ne légalisa sa situation que cinq ans plus tard, avant de s'établir comme banquier. Cézanne fit toutes ses études à Aix en Provence, acquérant une solide culture classique et se liant d'une profonde amitié avec quelques-uns de ses camarades de collège, au premier rang desquels Émile Zola, alors son confident le plus intime il fait aussi la connaissance de Renoir, Monet et Manet. Paul Cézanne 1839-1906

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Cézanne, à partir de 1863, propose régulièrement des peintures au jury du Salon Officiel de Paris : elles y seront toujours refusées à une exception près, un portrait, en 1882. Grâce à la pension paternelle, le jeune peintre n'a pas les mêmes problèmes d'argent que certains de ses amis (Monet, Renoir). En 1869, Cézanne rencontre Hortense Friquet, un modèle qui va devenir sa compagne, mais craignant que son père, un être particulièrement borné et sévère, ne désapprouve cette liaison et remette en cause sa pension, Cézanne la lui cache donc, de même que plus tard la naissance d'un fils, Paul, en 1872, dont l'existence ne sera découverte par son père, fortuitement, qu'en 1878. Cette situation durera en fait jusqu'au mariage. Cézanne travaille maintenant de plus en plus souvent et longuement en Provence. Il garde des contacts avec Pissarro, Renoir et Monet. Le milieu des années 1880 marquera un tournant dans sa vie personnelle. La mort de son père le met en possession d'une fortune suffisante pour lui assurer définitivement son indépendance. Ses peintures ne seront que très rarement montrées au public.

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En 1895, une rétrospective organisée par un jeune marchand d'art de 27 ans, où 150 de ses œuvres sont exposées, allait marquer un tournant pour Cézanne, jusqu'alors rejeté et peu apprécié lors des expositions impressionnistes. Cézanne est alors découvert par ses anciens amis, qui ignoraient en fait beaucoup de son évolution. Petit à petit va naître et croître une reconnaissance. Sa réputation ne va plus cesser de grandir et de s'affirmer Toutefois c'est seulement un siècle après sa première grande exposition que Cézanne fut véritablement consacré dans son pays.

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Madame Cézanne,1877 Jeune garçon au gilet rouge 1888-89

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La montagne Ste-Victoire 1902-04 Compotier, verre et pommes 1880

Paul Cézanne Nature morte au Crane, 1895-1900:

Paul Cézanne Nature morte au Crane, 1895-1900

Édouard Manet 1832-1883 :

Édouard Manet 1832-1883 Édouard Manet naît dans une famille aisée et raffinée de magistrats du côté de son père et de diplomates du côté de sa mère. Après avoir échoué au concours de l‘école Navale, il part sur un navire-école vers Rio. De retour en France, son père consent à ce qu'il se consacre à la peinture vers laquelle il s'était très jeune senti attiré. Il lui impose de suivre une solide formation aux Beaux-arts où il devait rester six années. «Je peins ce que je vois, et non ce qu'il plaît aux autres de voir»  disait Manet .

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Manet a trouvé un mode de création qui caractérisera l'essentiel de sa future production. À la manière d'un flâneur, il parcourt la ville de Paris, qui change de jour en jour, pour en déceler les transformations, dessinant dans son carnet, un personnage, un chapeau, en un mot une impression de vie du moment . Le serveuse de bocks 1879

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Le Déjeuner sur l'herbe, 1863 Le Déjeuner sur l'herbe représente une scène de la bohème parisienne s'accordant peu avec la morale puritaine de l'époque : dans un décor champêtre près d'une rivière, une jeune femme, au sortir d'un bain, est assise nue, ses vêtements posés à côté d'elle, entourée par deux hommes en costume assis pour un pique-nique.

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Déjeuner sur l’herbe suscita les réactions les plus considérables. Le scandale était dû à plusieurs facteurs, Comme l’a noté un critique de l’époque, selon lequel « Manet aura du talent le jour où il saura le dessin et la perspective. le peintre s’exprime dans des formes et des couleurs qui rompent avec la technique traditionnelle. Le Déjeuner sur l’herbe ne faisait pourtant que s’inspirer d’une œuvre de Raphaël représentant deux nymphes, la seule différence avec ces deux peintures étant l’habillage contemporain des deux hommes. Manet, de cette manière, ridiculisait les goûts et les interdits de son époque. le célèbre Déjeuner sur l'herbe achèvent de le classer aux yeux de l’opinion dans la catégorie des artistes infréquentables , et ses œuvres seront dès lors refusées quasi – systématiquement.

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Henri de Toulouse-Lautrec est né dans l'une des plus vieilles familles de France, descendant des comtes de Toulouse, qui furent jusqu'au XIIIe siècle parmi les plus puissants féodaux du royaume. Au XIXe siècle, les mariages dans la noblesse se faisaient couramment entre cousins afin d'éviter la division des patrimoines et l'amoindrissement de la fortune. Ce fut le cas des parents de Toulouse-Lautrec qui étaient cousins au premier degré. Il eut une enfance heureuse jusqu'au moment où, par suite de la consanguinité de ses parents, débuta une maladie qui affectait le développement des os qui l'empêchèrent de grandir davantage et ne lui permirent qu'une taille de 1,52 m. Son tronc était d'une taille normale mais sa tête avait des lèvres et un nez épais. Henri Toulouse Lautrec 1864-1901

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Incapable de participer aux activités qu’un corps normal aurait permises, Toulouse-Lautrec vécut pour son art. Il devint un peintre du postimpressionnisme, On le considérait comme « l’âme de Montmartre », le quartier parisien où il habitait. Ses peintures dépeignent la vie au Moulin Rouge et dans d’autres cabarets et théâtres montmartrois ou parisiens, ainsi que dans les maisons closes qu’il fréquentait. On dit que Toulouse-Lautrec est un artiste génial dont les remarquables capacités d’observation se sont accompagnées d’une sympathie profonde envers l’humanité. Il n’a jamais laissé voir quelque regret que ce fût en raison de sa difformité. Il vécut sa vie pleinement, se fit de nombreux amis et fut toujours accepté malgré sa petite taille. Jusqu’en 2005, la vente de ses peintures n’a pas produit moins de 14.5 millions de dollars américains.

Rue des Moulins,1894:

Rue des Moulins,1894

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Henri Toulouse Lautrec. Le Bal du Moulin Rouge.

Crier son émotion:

Crier son émotion Au tout début du XXe siècle, de nombreux artistes se lancent dans la quête d’expressions picturales plus intenses. Au lieu de représenter les choses telles qu’elles sont, Edvard Munch et Vincent Van Gogh se servent des formes et des couleurs exagérées pour exprimer leurs sentiments et leurs idées.

L’expressionnisme:

L’expressionnisme Vincent Van Gogh,1853-1890

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Vincent van Gogh est le fils d'un pasteur hollandais. Il se sent alors appelé par une vocation spirituelle et commence des études de théologie qu'il abandonne pour devenir prédicateur. Le jeune homme, âgé de 25 ans, occupe à cette époque un poste d'évangéliste. Il étudie le dessin, se met à l'aquarelle la peinture à l'huile, À Paris dans les années 1886 - 1887, il rencontre Henri de Toulouse-Lautrec et Paul Gauguin. C'est une période très fertile où son art s'oriente vers l'impressionnisme mais l'absinthe et la fatigue aggravent son état mental. sur les conseils de Toulouse-Lautrec qui lui parle de la luminosité des paysages Il parcourt à pied la région et peint des paysages, des scènes de moissons et des portraits.

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Vincent rêve d'une communauté d'artistes unissant fraternellement expériences et recherches communes. Son ami Gauguin vient le rejoindre dans ce but et ils commencent à travailler ensemble. Mais les deux hommes s'entendent mal et, à la suite d'une dispute plus violente que les autres, Van Gogh, en proie au délire se mutile l'oreille avant d'aller l'offrir à une prostituée. Il décide de lui-même d'entrer dans un asile près de Saint-Rémy-de-Provence. Le 27 juillet 1890, dans un champ où il peignait une ultime toile, il se tire un coup de revolver dans la poitrine et meurt deux jours plus tard. Ce peintre mort dans le dénuement n'a vendu qu'une seule toile ; aujourd'hui ses tableaux sont parmi les plus chers du monde.

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Iris est une peinture de Vincent van Gogh, une des premières qu'il a exécutée lorsqu'il se trouvait à l'asile, l'année précédant sa mort. C'est l'écrivain Octave Mirbeau qui en a été le premier propriétaire, en 1891, après l'avoir achetée, ainsi que Les Tournesols pour la modique somme de 600 francs pour les deux toiles. Les iris 1889, mai

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Van Gogh a choisi sa chambre dans la "maison jaune" comme sujet de sa toile. Il réalise cette peinture en octobre 1888, période pendant laquelle il attend la venue de Paul Gauguin avec qui il souhaitait fonder un cercle d'artistes. L'objet dominant de la chambre est le lit : solide et simple, il suggère la chaleur, le confort et la sécurité. La plupart des autres objets (les chaises, les coussins et les tableaux) sont représentés par paire. Cette représentation contribue à donner une impression de tranquillité, d'ordre et de calme. Van Gogh réalisera deux autres versions de ce tableau. L'original ayant été abîmé, son frère Théo lui demanda d'en réaliser une copie avant que l'original ne soit restauré. Van Gogh peindra donc la deuxième version sans toutefois chercher à faire une copie exacte du tableau de 1888 actuellement exposée au Art Institute of Chicago, à Chicago. Encouragé par le résultat, Van Gogh réalisera une troisième version, plus petite (57 x 74 cm), qu'il offrira en cadeau à sa mère. Cette version se trouve au Musée d'Orsay à Paris. La chambre de Van Gogh à Arles, 1889

Expression personnelle:

Expression personnelle Van Gogh aime les couleurs intenses, qu’il utilise à même le tube et applique en couches épaisses, laissant des coups de pinceau bien visibles. La nuit étoilée paysage nocturne , émaillé d’étoiles scintillantes noyées dans les tourbillons d’un ciel sombre, est l’une des œuvres les plus connues de Van Gogh.

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Van Gogh s’inspira de la vue qu’il avait de sa fenêtre de l’hôpital psychiatrique de Saint-Rémy, en France. Cependant, en dépit du traumatisme d’une dépression nerveuse, Van Gogh est capable de faire preuve d’habileté et de maîtrise . « plutôt que de chercher à reproduire avec exactitude ce que j’ai devant les yeux, écrit-il, j’utilise les couleurs pour m’exprimer avec plus de vigueur. » La nuit étoilée, 1889

Vincent Van Gogh. Les Tournesols, 1888:

Vincent Van Gogh. Les Tournesols, 1888

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Edvard Munch,1863-1944 Edvard Munch est un graphiste et peintre expressionniste norvégien. Il peut être considéré comme le pionnier de l'expressionnisme dans la peinture moderne. Il est très tôt réputé pour son appartenance à une nouvelle époque artistique en Allemagne et en Europe. Son œuvre est aujourd'hui reconnue e dans le monde entier. Les œuvres de Munch les plus connues sont celles des années 1890, notamment Le Cri .

Edvard Munch:

Edvard Munch Le travail du Norvégien Edvard Munch, influence grandement l’expressionnisme. Munch peint la solitude, la maladie et la mort. Il dit qu’il veut que son travail montre des êtres vivants qui respirent et ressent, qui aiment et qui souffrent, tout comme lui. Le cri est l’une des œuvres expressionnistes les plus célèbres.

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LE CRI

Le père de l’abstraction:

Le père de l’abstraction Vassili Kandinsky, 1866-1944 Vassili Kandinsky, est un peintre russe et un théoricien de l’art . Considéré comme l’un des artistes les plus importants du XXème siècle à côté de Picasso et de Matisse, il est le fondateur de l'art abstrait et considéré comme étant l’auteur de la première œuvre abstraite. Kandinsky développe ses idées sur le pouvoir de la couleur pure et d’une peinture non-figurative

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Vers 1910, Kandinsky se sent suffisamment fort pour franchir le pas: réaliser une aquarelle abstraite qu’il intitulera Composition 1 ou, Abstraction . Cette aquarelle est un arrangement en bleu, rouge et vert, sans référence à des objets du monde physique qui prend son inspiration et son titre de la musique. Overcast, 1917

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Kandinsky entre alors dans une phase de création extrême. Il tente de découvrir, au delà des apparences, les structures profondes du monde. Il essaie en même temps de découvrir les propres limites de sa création, son seul guide étant la nécessité intérieure. C’est la base de sa grande publication théorique du « spirituel dans l’art » Transverse line, 1923

La bande des fauves:

La bande des fauves Le fauvisme est un courant de peinture du début du XXe siècle. Il débuta historiquement à l'automne 1905, lors d'un salon qui créa un scandale, pour s'achever moins de dix ans plus tard, au début des années 1910. Son influence marqua néanmoins tout l'art du XXe siècle, notamment par la libération de la couleur. Le chef de file du fauvisme était Henri Matisse.

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Henri Matisse , est un peintre, dessinateur et sculpteur français. Il fut le chef de file du fauvisme ; Pablo Picasso le considérait comme son grand rival et néanmoins ami. Henri Matisse, après un début de carrière comme clerc, découvre le bonheur que lui procurait la pratique de la peinture au cours d'une convalescence pendant laquelle sa mère lui a offert une boîte de couleurs il avait alors vingt ans. 1869-1954

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La vue ensoleillée ci-dessus a été peinte par Matisse à Collioure. Elle montre une fenêtre ouverte sur un petit balcon qui encadre joliment des bateaux tirés sur la plage en contrebas. L’artiste exprime ses émotions à travers les objets esquissés dans des tons pratiquement sans ombre. Il ne faut pas y voir une imitation du réel, mais une célébration de la couleur . L’œuvre donne l’impression d’une scène gaie et lumineuse qui se déroule à l’extérieur. Fenêtre ouverte, Collioure, 1905

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Les tableaux de Matisse sont composé de couleurs, sans profondeur ni volumes. Il disait: « Quand je mets un vert, ce n’est pas de l’herbe. Quand je mets un bleu, ce n’est pas le ciel. » L’intensité des contrastes de couleurs l’inspirait autant que la scène elle-même. Il dit : «En peinture, les couleurs n’ont leur pouvoir et leur éloquence qu’employées à l’état pur.»

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Paul Gauguin,1848-1903 Paul Gauguin est un peintre postimpressionniste. Chef de file de l'École de Pont-Aven. Son œuvre est très largement considérée comme celle d'un peintre français majeur. Après avoir fait ses études à Orléans, Gauguin s'embarque dans la marine marchande puis dans la marine française et navigue sur les mers du monde durant six ans. À son retour en France en 1870, il se convertit en agent de change à la bourse à Paris et connaît un certain succès dans ses affaires. Il partage alors une vie bourgeoise confortable avec sa femme, et leurs cinq enfants .

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En 1882, il abandonne son emploi à la bourse pour se consacrer à sa nouvelle passion, la peinture. Cela ne suffit pas pour vivre et il part vivre avec sa femme et ses enfants dans la famille de celle-ci à Copenhague. Le courant passe mal avec la belle-famille et ses affaires ne vont pas bien. Il décide de retourner à Paris en pour peindre à plein temps, laissant femme et enfants au Danemark, n'ayant pas les moyens d'assurer leur subsistance. La danse des quatre bretonnes ,1888

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En 1891, ruiné, Gauguin s'embarque pour la Polynésie, grâce à une vente de ses œuvres, il s'installe à Tahiti où il espère pouvoir fuir la civilisation européenne et tout ce qui est artificiel et conventionnel. Il passera désormais toute sa vie dans ces régions tropicales, d'abord à Tahiti puis dans les Îles Marquises. À Tahiti, il fait la connaissance de Téhura qui devient son modèle. Il est très inspiré et peint 70 toiles en quelques mois. Mais après quelques années de bonheur, des soucis administratifs et plus personnels (mort de sa fille préférée Aline) le minent. Il a également des problèmes de santé : une blessure à la jambe qui ne guérit pas, une crise de syphilis, il déprime et tente de se suicider. Il décide alors de partir pour les Marquises afin de retrouver l'inspiration. En 1901, le dans les Îles Marquises. Il lui semble être au paradis. Il va vite déchanter en se rendant compte des abus des autorités et en essayant de se battre pour les indigènes. Affaibli, fatigué de lutter, il meurt le 9 mai 1903. Il est enterré dans le cimetière d'Atuona. Sa tombe côtoie celle de Jacques Brel. Ses expérimentations sur la couleur et l'ensemble de son œuvre influencèrent l'évolution de la peinture, notamment le fauvisme du XXe siècle. Cavaliers sur la plage , 1902

Paul Gauguin. La vision après le sermon ou la lutte de Jacob avec l’ange,1888:

Paul Gauguin. La vision après le sermon ou la lutte de Jacob avec l’ange,1888 C’est Gauguin le premier qui pose peu de nuances et se contente de quelques tons pour ses personnages, il utilise des oranges vifs peu nuancés.

Paul Gauguin. Mujeres tahitianas. 1891.:

Paul Gauguin. Mujeres tahitianas. 1891.

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Les caractéristiques essentielles de sa peinture étant l'utilisation de grandes surfaces de couleurs vives. Il soigne particulièrement l'expressivité des couleurs, la recherche de la perspective et l'utilisation de formes pleines et volumineuses. Influencé par l'environnement tropical et la culture polynésienne, son œuvre gagne en force, il peint ses plus beaux tableaux, notamment son œuvre majeure, aujourd'hui au Muséum of Fine Arts de Boston : « D'où venons-nous? Que sommes-nous? Où allons nous?», qu'il considère lui-même comme son testament pictural.

Le Cubisme Pablo Picasso,1881-1973. :

Le Cubisme Pablo Picasso,1881-1973.

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Picasso a réalisé ses premiers tableaux à huit ans. À 13 ans, il entre à l'école des Beaux-arts de Barcelone. Picasso décompose l'image en multiples facettes ou cubes, d'où le nom de cubisme et détruit les formes du réel pour plonger dans des figures parfois étranges. Cela signifie en fait qu'un objet n'est pas représenté tel qu'il apparaît visiblement dans la vie de tous les jours, mais par des codes correspondant à sa réalité connue

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La période bleue correspond aux années 1901-1903. Son nom vient du fait que le bleu est la teinte dominante des tableaux du peintre à cette époque. La période bleue Elle débute avec le suicide de son ami Carlos Casagemas, ce qui explique qu'elle soit marquée par les thèmes de la mort, de la vieillesse et de la pauvreté. Les pauvres, les mendiants et les aveugles sont largement décrits dans les tableaux de cette époque. On peut ajouter que Pablo Picasso en peignant ses tableaux exprime la mélancolie. La période rose sera, elle, plus gaie.

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La Période Bleu,1901-1906 Les Pauvres au bord de la mer, 1903 Le joueur de guitare, 1903

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À partir de 1904, Picasso s'installe à Paris, au Bateau-lavoir. Il y rencontre sa première compagne: Fernande Olivier . C'est le début de la période rose . La période rose Comme précédemment, c'est l'utilisation des teintes rouges qui explique cette dénomination. Les thèmes abordés sont la joie et l'inquiétude existentielle. Ils restent mélancoliques et dominés par l'amour ; on y trouve aussi de nombreuses références au monde du zoo. Il peint des masques, arlequins et clown. Picasso privilégia pendant cette période le travail sur le trait, le dessin, plutôt que sur la couleur...

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La période Rose

Le Cubisme:

Le Cubisme Le cubisme est un mouvement artistique qui s'est développé de 1907 à 1914 autour de Braque et Picasso. Après la Première Guerre mondiale. The Round Table , 1929 Georges Braque Dès 1907, cette façon de représenter le monde est utilisée par Braque et Picasso, qui ne s'arrêteront pas seulement à décomposer des paysages, mais l'appliqueront également aux objets et à la personne humaine. Les cubistes ont aboli l'idée qu'il faut peindre des "matières nobles," et pensaient que n'importe quel objet pourrait être beau.

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L'œuvre fondatrice du cubisme. Celle qui est considérée comme le tout premier tableau cubiste. Les Demoiselles d'Avignon en 1907

Surréalisme:

Surréalisme Marc Chagall 1887-1985 René Magritte 1898-1967 Salvador Dali 1904-1989

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Le surréalisme est un important mouvement de pensée, une tentative pour explorer en profondeur à la fois la réalité cachée et inconsciente du rêve. Le surréalisme est une recherche de l'union de ces deux concepts si souvent opposés, que sont le réel et l'imaginaire . Le Surréalisme est un mouvement qui se développera pendant plus de quarante ans, jusqu’à l’émergence de nouveaux courants dans les années 60 comme le Pop Art. Le surréalisme Magritte, Dali et Chagall sont les maîtres d’œuvre du surréalisme. ils ont produit des images surréalistes qui suscite notre curiosité encore aujourd’hui.

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Magritte se passionne pour les films de Fantôme et lit Edgar Allan Poe. Lors d'une fête foraine à Charleroi, il rencontre une fille de treize ans dont le père est boucher. Elle s'appelle Georgette et si la vie les sépare quelque temps, elle finit par les réunir pour toujours. Georgette, c'est « l'amour fou », la muse, l'unique modèle. René Magritte, peintre belge (1898-1967)

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Chez Magritte, le mystère est nécessaire. Mystère qui le taraude depuis sa plus tendre enfance. Mais le mystère peut se faire plus sombre, et grave. Comme cette image qui ne le quittera pas : une mère suicidée quand il a 12 ans, et dont on retrouve le corps recouvert de sa robe de nuit, quelques jours après.

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La peinture de Magritte s'interroge sur sa propre nature, et sur l'action du peintre sur l'image. La peinture n'est jamais une représentation d'un objet réel, mais l'action de la pensée du peintre sur cet objet. « je veille, dans la mesure du possible, à ne faire que des peintures qui suscitent le mystère avec la précision et l'enchantement nécessaire à la vie des idées », déclara-t-il.

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Parmi les tableaux les plus représentatifs de cette idée, La Clairvoyance ,1936, nous montre un peintre dont le modèle est un œuf posé sur une table. Sur la toile, le peintre dessine un oiseau aux ailes déployées. Le peintre pense en peignant; l’œuf est déjà l’oiseau. Peindre le réel équivaut à le penser par l’image.

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Son mode de représentation, met en évidence un puissant travail de déconstruction des rapports que les choses entretiennent dans la réalité. Magritte excelle dans la représentation des images mentales. « L'art de la peinture ne peut vraiment se borner qu'à décrire une idée qui montre une certaine ressemblance avec le visible que nous offre le monde » déclara-t-il.

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À sept ans, Dali peint son premier tableau. En 1918, après un bac obtenu facilement, Dalí entre à l'École des Beaux-arts de Madrid. En 1932, il participe à la première exposition surréaliste aux États-Unis et obtient un succès triomphal. Dali deviendra rapidement une célébrité dans le milieu artistique

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L'apparition de sa femme, Gala est une révélation : il l'a rêvée et peinte avant de la connaître ; ils ne se quitteront plus. Dalí s'intéressa aussi à d'autres formes d’arts. Il fut en particulier fasciné par le cinéma, la photographie, la mode ou la publicité. Gala avec deux côtelettes d’agneau en équilibre sur son épaule (1933)

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En outre, il était passionné par les sciences, notamment par la théorie de la relativité d'Albert Einstein qu'il a représentée à sa façon dans les célèbres « montres molles » de son tableau Persistance de la mémoire .

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est un peintre Russe d'origine juive. Il part étudier à Paris grâce à une bourse, et expose ses travaux pour la première fois en 1914. Il retourne ensuite en Russie à cause de la guerre. Là il continue à peindre et à exposer Ses œuvres sont connues aux États-Unis, où des expositions sont organisées. La galerie Maeght vend ses œuvres à travers le monde entier. Il finit sa vie en France, célèbre et reconnu dans le monde entier. On peut rattacher Chagall au courant surréaliste, dont il est l'un des composants majeurs, puisque son travail laisse une large part à son imagination et ses rêves. Marc Chagall en 1941

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Paris à travers une Fenêtre,1913. Marc Chagall est un peintre Russe surréaliste, dont le travail laisse une large part à l’imagination et aux rêves

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Il sait faire partager ses sentiments au travers des couleurs très vives. Il dit « J’ai choisi la peinture parce qu’elle m’était autant nécessaire que la nourriture. Elle me semblait être une fenêtre par laquelle je pouvais m’envoler dans un autre monde » Marc Chagall 1958. La Fête, 1915.

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Marc Chagall. Dreamer,1945 . Le Coq Blanc et les deux amants .

Gustave Klimt, 1862-1918:

Gustave Klimt, 1862-1918 Deuxième enfant d'une famille de sept, Gustav Klimt est né à Vienne en Autriche. Il suit ses cours à l’école des arts décoratifs. Art Nouveau

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En 1879, il débute sa carrière comme décorateur. La précision de ses portraits est renommée. Ses qualités artistiques sont reconnues officiellement, et il reçoit en 1888 la Croix d'or du mérite artistique de la part de l'empereur.

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Ses principaux travaux incluent les peintures, les fresques, les croquis et autres objets d'art, dont plusieurs sont exposés à la galerie de Vienne. La profusion des détails, la richesse des décors et de la coloration ainsi que la précision des portraits sont les caractéristiques de son travail. Klimt est connu pour son utilisation de l'or dans ses peintures, qu'il découvre après avoir vu des mosaïques byzantines de Ravenne Le Baiser,1907

Art Naïf:

Art Naïf Henri Julien Félix Rousseau dit le Douanier Rousseau peintre français 1844-1910. Le plus célèbre représentant des peintres naïfs. Commis d'avocat, d’ou son surnom : le douanier. Il aura sept enfants dont un seul parviendra à l'âge adulte. Il débute sa carrière de peintre en autodidacte en copiant les chefs-d’œuvre du musée du Louvre. Son entrée dans la vie artistique est donc relativement tardive. Sa notoriété s'accroît avec les années, en particulier avec son premier "tableau de jungle"

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Pour peindre, il s’évertue à reproduire ce qu’il voit et essaie de faire coïncider ce qu’il voit avec ce qu’il sait des faits. L’exotisme abonde dans son œuvre même s'il n'a pratiquement jamais quitté Paris. Il est imagine ses œuvres à partir des revues illustrées de l’époque ou bien des revues de botanique. La jungle est l’une des thématiques les plus fécondes du peintre qu'il poursuit jusqu'à sa mort. Toujours dans une flore exubérante et totalement inventée . Il met en scène des combats féroces entre un fauve et sa proie. Dans ses dernières jungles, il a représente des personnages en harmonie avec la nature. D'abord critiquées par leur manque de réalisme et leur naïveté, ses "jungles" seront plus tard reconnues comme des modèles par tous.

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Roy Lichtenstein 1923-1997 est l'un des plus grands artistes du mouvement pop art, dont le travail s'inspirait très fortement de la vie américaine de son époque, tout en empruntant un style de dessin aux bandes-dessinées. Il décrira lui-même son style comme "aussi artificiel que possible" . Sa première exposition se fait à New York en 1961. Il utilise le système de la trame et s'inspire du monde du graphisme. Pop art

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L’artiste, dont l’œuvre se situe alors directement dans le mouvement du Pop Art, a surtout trouvé ici le moyen d’attaquer de front et par un moyens d’expression privilégiés, la société de consommation de la masse américaine. Lichtenstein emprunte non seulement l’iconographie des comics, mais s’inspire aussi de leur technique mécanique à l’aide des contours noirs et des couleurs en aplat. Tout en conservant une technique classique de peinture à l’huile, il dit vouloir conserver la grande énergie et l’expressivité de la BD.

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Il est l'auteur de nombreuses œuvres, parmi lesquelles : - Drownin Girl (1963) - Ohh..Alrigh... (1964) - The girl with hair ribbon (1965). Ces trois tableaux expriment parfaitement la vision de l'artiste, au cœur des années 1960.

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Né le 6 août 1928 en Pennsylvanie de parents d'origine slovaque Andy warhol fait ses études à l'école des Beaux Arts. Il déménage ensuite à New York où il travaille comme dessinateur publicitaire pour Vogue . En 1950, il commence une carrière de publicitaire. Son nom devient alors très célèbre dans le milieu de la publicité. Andy Warhol décède à New York le 22 février 1987.

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Ses figures favorites sont les figures célèbres de la culture populaire. D'abord intéressé par les Comics il laisse rapidement ce motif au peintre Roy Lichtenstein qui en fera son outil visuel. Les thèmes fondamentaux chez Warhol sont l'image, son pouvoir au sein de la société de consommation et son lien avec la mort. Le choix des sujets est en rapport avec cette obsession de la mort, y compris pour ses toiles célèbres de Marilyn Monroe peinte après son suicide ou de Liz Taylor peinte alors que l'actrice était gravement malade. Dans les dernières années de son œuvre, Warhol devient pratiquement un peintre appliquant son style à de nombreux portraits de commande. Il est à l’origine de la photographie sérigraphiée et reportée sur toile. Encore utilisée aujourd’hui massivement par les artistes. Sa technique devenue un stéréotype du Pop art.

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Jaki Kennedy John Lennon

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Chez Warhol on voit souvent apparaître la répétition dans ses portraits.

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