Tema 7.Escultura y pintura gótica_Giotto_Los primitivos flamencos (2)

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El arte gótico: características generales de la escultura y la pintura. Las portadas (León y Burgos). La pintura: Giotto y los primitivos flamencos (Van Eyck y Van der Weyden).  

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El gótico se desarrolla entre mediados del siglo XII y principios del siglo XVI, salvo en Italia, donde el Renacimiento se inicia a principios del siglo XV. Al igual que la arquitectura, la escultura refleja de modo significativo los cambios religiosos, sociales e ideológicos de la época.

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Características de la escultura: Se independiza, progresivamente, de la arquitectura, alcanzando mayor volumen, haciéndose casi exenta.

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Características de la escultura: Destaca por su naturalismo:

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Características de la escultura: El canon es más estilizado y los rostros intentan reflejar los sentimientos e incluso la belleza.

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Características de la escultura: Los personajes divinos se humanizan y a la vez las actitudes resultan más desenvueltas y correctas.

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Características de la escultura: Triunfa el movimiento.

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La escultura de piedra en el gótico se centra sobre todo en las portadas y, en menor medida, en el interior de las iglesias. La portada gótica es un resumen de los grandes motivos y preocupaciones espirituales y culturales del hombre de la época.

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Se disponen en los tímpanos en registros o bandas horizontales; en las arquivoltas, alineadas siguiendo la dirección del arco; y adosadas a las columnas de las jambas. Las escenas tienen carácter narrativo con interés por lo anecdótico.

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Portada de la Catedral de Rouan. Tímpano en bandas horizontales Esculturas alineadas en las arquivoltas siguiendo la dirección del arco Esculturas adosadas a las jambas Carácter narrativo de las escenas, con interés por lo anecdótico

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En ellas se despliegan los grandes repertorios iconográficos de temática más amplia que la románica. Disminuye el tema del Juicio Final y las representaciones de Cristo Juez (Pantocrátor y Tetramorfos), sustituido por el Cristo Maestro, más amable.

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Los temas se inspiran en el Antiguo y Nuevo Testamento, especialmente en los Evangelios, en la Vida de la Virgen; vidas y leyendas de Santos; tema de la muerte, e incluso aparece el paisaje para mejor ambientación de las narraciones. Bestiarios, etc. Además de las portadas surgen nuevos campos de actividad: retablos, sepulcros y sillerías de coros.

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En la escultura exenta continúan representándose los temas de la Virgen con el Niño y los Cristos . La Virgen tiene una actitud más natural, establece una comunicación con el Niño y muestra el sentimiento del amor materno: sonrisa, gracia, amabilidad.

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Los Cristos pierden rigidez y tienen un tratamiento más minucioso de la anatomía muestran el dolor y el sufrimiento humano. Son de 3 clavos, por lo que las piernas están superpuestas. La escultura presenta una evolución : durante el siglo XIII predomina un estilo majestuoso y sereno de belleza clásica; en el XIV una belleza más real, hasta un realismo de influencia borgoñona y flamenca en el XV.

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Amiens. S.XIII

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Amiens. S.XIII

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Reims. S.XIII Reims. S.XII

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Reims. S.XIII

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Reims. S.XIII

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Claus Sluter. Pozo de Moisés

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Burgos. Puerta de El Sarmental

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Burgos. Puerta de El Sarmental

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Burgos. Puerta de El Sarmental

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Burgos. Puerta de la Coronería

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Burgos. Puerta de la Coronería

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Burgos. Puerta de la Coronería

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Burgos. Coronería

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Catedral de León

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Catedral de León

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Catedral de León

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Catedral de León

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Catedral de León

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Catedral de León

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Gil de Siloe. Cartuja de Miraflores

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Sepulcro de Juan II. Cartuja de Miraflores

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Cartuja de Miraflores Príncipe d. Alfonso

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Cartuja de Miraflores Príncipe d. Alfonso

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Sigüenza. Sepulcro de El Doncel

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Durante el Gótico, el predominio del vano sobre el muro, hizo que la pintura mural disminuyera notablemente, excepto en Italia. Esto impulsó el desarrollo de la pintura sobre tabla de los retablos y de la miniatura con la que se ilustraron importantes manuscritos.    La pintura: Giotto y los primitivos flamencos

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Características generales . Las técnicas empleadas son variadas: temple, en pintura sobre tabla,  hasta el siglo XV en el que se difunde el óleo. En sus comienzos el dibujo tiene un papel muy señalado. La luz sirve para configurar el volumen de los cuerpos. La perspectiva no interesa hasta el siglo XV. En este siglo se comienza a percibir la existencia de la atmósfera y la luz, proyectándose la sombra de los cuerpos. La composición tiene muy en cuenta el eje de simetría. El cielo tiene escaso desarrollo a consecuencia del empleo de una perspectiva de punto de vista muy alto, que permite situar infinidad de figuras en el cuadro. Los temas son religiosos y también profanos. Tiene un carácter narrativo y una finalidad didáctica.

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EVOLUCIÓN En el desarrollo de la pintura gótica podemos distinguir cuatro estilos: Estilo franco-gótico o gótico-lineal . Estilo ítalo-gótico. En Italia durante el siglo XIV se desarrollan dos grandes escuelas: La de Florencia , con Giotto y la de Siena , con Duccio y Simone Martini Estilo internacional. Estilo flamenco .

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ESTILO ÍTALO-GÓTICO En Italia durante el siglo XIV se desarrollan dos grandes escuelas: la de Florencia , con Giotto y la de Siena , con Duccio y Simone Martini.

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En la escuela florentina el autor más destacado es Giotto di Bondone . Se le considera precursor de la pintura renacentista. Introduce el sentido plástico en la pintura: las figuras adquieren monumentalidad, y se organizan en función de su masa. Todas las formas componen bloques macizos y coloca figuras de espalda para despertar la noción de volumen. Valora el paisaje y el espacio : utiliza arquitecturas con efectos escenográficos. Estudia la luz como elemento nuevo que da unidad al cuadro. ESCUELA DE FLORENCIA

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Estudia los estados anímicos buscando la expresividad y el dramatismo. Las miradas son penetrantes y para conseguirlo hace los ojos muy rasgados. Trabaja en Padua y Asís. Obras: frescos de la Capilla Scrovegni en Padua : Resurrección de Lázaro, en la que persigue un efecto espacial con un cuidadoso tratado de la luz . Llanto sobre el Cristo muerto , introduce una dimensión humana llena de expresividad y vida: dramatismo. Huida a Egipto . Sustituye el oro de los fondos con un paisaje que aunque es convencional supone un punto de referencia a un espacio concreto. Madonna del Museo de los Uffizi.

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Resurrección de Lázaro

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Aparición a María Magdalena ( Noli me tangere)

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Encuentro en la Puerta Dorada .

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Llanto sobre Cristo muerto

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La huída a Egipto

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Madonna. (Museo Uffizi)

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Durante el siglo XV, mientras que en Italia se desarrolla el Renacimiento, en los Países del Norte trabajan un grupo de artistas conocidos como “primitivos flamencos” cuyas aportaciones resultan decisivas para la historia de la pintura. El desarrollo del nuevo estilo se vio favorecido por la aparición y el ascenso de la nueva clase social , la burguesía, enriquecida por el comercio y la industria textil. Tiene sus orígenes en el gótico internacional y en el arte de la miniatura. ESTILO FLAMENCO

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Características de la pintura flamenca La principal aportación técnica de esta escuela consiste en el empleo del óleo sobre tabla aplicado por medio de veladuras, que consigue más brillo y mayor riqueza cromática y permite gran precisión y minuciosidad en los detalles de los objetos representados.

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Características de la pintura flamenca Naturalismo y realismo , es una pintura de calidades. Sin embargo, los pliegues son acartonados y en ángulo, muy característicos. Las obras son de pequeño formato, para ser contempladas de cerca. Los temas religiosos incluyen, con frecuencia, el retrato de los donantes con gran realismo.

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Los fondos de oro se sustituyen por el paisaje, que proporciona un ambiente realista a las composiciones empleando una línea de horizonte alta . A veces, el paisaje aparece a través de una ventana ampliando la perspectiva del cuadro. Valoración de la luz , que se refleja en sus cuadros, incluso cuando es una pintura de interior. Los principales pintores son: Jan Van Eyck , Robert Campin, Roger van der Weyden , Hans Memling y El Bosco.

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Jan Van Eyck Se le considera, el creador de la escuela flamenca. Realizó junto con su hermano, el Políptico de San Bavón de Gante . Muy famosas son La virgen del Canciller Rollin , La Virgen del Canónigo Van der Paele, el retrato del Matrimonio Arnolfini y el Hombre del turbante rojo.

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Políptico de San Bavón de Gante .

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Es la obra conocida como El Políptico del Cordero Místico, pintado por los hermanos Hubert y Jan van Eyck entre los años 1426 y 1432. A pesar de esta autoría dual, la unidad de estilo es tal que se podría atribuir a un solo artista. Es una pintura al óleo que permite a los autores trasladar a sus tablas el color y la luz de la propia naturaleza, la calidad de los objetos y su propia materialidad. La autoría de la obra se refleja en una inscripción en el marco externo del tríptico cerrado en la que podemos leer: “ El pintor Hubert van Eyck, mayor que el cual no hubo otro, comenzó esta obra; Jan, segundo en el arte, la llevó a cabo por ruego de Joos Vyd. 16 de mayo de 1432. ” Jan murió en Brujas en 1441. El tríptico tiene unas dimensiones de 3,50 m. de alto por 4,61 de ancho, que confieren al conjunto abierto un predominio de la horizontalidad. El tema del retablo es el de la Redención de la humanidad: el pecado del hombre hace necesaria la Encarnación y el Sacrificio. Aquellas personas capaces de redimirse de sus pecados, por la sangre del Cordero, gozarán de la vida Eterna y podrán disfrutar del nuevo Paraíso. Se trata de una revelación, apocalipsis, que Dios hace de algo oculto y que sólo Él conoce.

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Este retablo es encargo de un laico para la catedral de Gante, que a modo de armario podía transportarse. El artista ha recreado un mundo nunca antes pintado. Es un mundo que puede ser real, pero es fruto de un arte imaginativo. Existen varios centros de atención, riquísimas telas, joyas, rostros penetrantes y una naturaleza que invita a la contemplación. Podemos identificar una gran variedad de plantas y árboles, pertenecientes a diversos dominios climáticos, que el artista reúne en estas “Praderas del Cielo”.

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La composición está detenidamente pensada. Todos los rostros se vuelven, de manera espontánea, sin ninguna tensión, hacia el centro. Un eje vertical recorre toda la tabla, constituido por la fuente, el altar del Cordero y el espíritu Santo. A ambos lados de este eje se reparten las figuras de forma simétrica. Cada grupo de la izquierda se corresponde con otro a la derecha. Existe un equilibrio de masas y vacíos en el paisaje del fondo del cuadro. En la tabla central las líneas confluyen en el altar del Cordero. Otro eje del cuadro es la línea horizontal que pasa por el altar y el Cordero, estableciendo la diferenciación entre lo cercano y lo lejano. En el primer plano las figuras ocupan un mayor espacio, mientras en el segundo la escala es más reducida.

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Es una obra que se incluye dentro del estilo de los primitivos flamencos, corriente que se desarrolla en los Países entre los siglos XV y XVI. Estos pintores a los que conocemos como primitivos flamencos son los notarios de estas ciudades, de su esplendor, de sus valores económicos, siendo sus principales clientes la nobleza y burguesía local. Los caracteres de esta escuela que vemos en este Político son: empleo de la técnica del óleo, minuciosidad, naturalismo, amor al paisaje, soporte de tabla y delectación en la reproducción de objetos.

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El Político es una obra realizada a partir de un encargo del burgués Joos Vijd, que junto con su esposa Elisabeth Borluut son los donantes de la obra. Éstos son representados en las puertas exteriores del retablo insertándose en la iconografía de la tabla. Un programa iconográfico único que tiene como punto de partida el tema del pecado, la anunciación de la salvación para la humanidad y la Redención. Es éste el tema fundamental del retablo. El tema iconográfico que vemos en la tabla central, que se complementa con las cuatro laterales, es el de la Adoración del Cordero Místico que San Juan relata en el Apocalipsis. Representa la teoría de los bienaventurados que se dirigen a adorar al Cordero y que la Iglesia celebra desde el siglo VI en la Fiesta de Todos los Santos.

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La Adoración del Cordero Místico

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La Adoración del Cordero Místico

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Obra realizada en la década de los años 30 del siglo XV. Tiene unas dimensiones de 66 x 62 cm., por lo tanto de pequeño formato, y se custodia actualmente en el Museo del Louvre de París. Cuadro de caballete, figurativo, en concreto una escena religiosa y un retrato. Representa el interior de una habitación con vistas hacia un paisaje a través de una arcada triple de arcos de medio punto. A la izquierda se representa al canciller que da nombre al cuadro de manera muy realista. La Virgen del Canciller Rolin de Jan van Eyck

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Y a la derecha figura una Virgen con el Niño sentado en sus rodillas. Un ángel que se encuentra en la parte superior derecha corona a la Virgen. Todo es muy naturalista y realista, y se cuida perfectamente hasta el más mínimo detalle, desde las calidades textiles hasta los objetos, como el libro miniado o el reclinatorio. Pintura al óleo. Gracias a esta técnica se consigue más minuciosidad y muchos más detalles en la representación de las figuras y de los objetos. La Virgen del Canciller Rolin de Jan van Eyck

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Composición en dos planos. Un primer plano, en el que están las figuras centrales del cuadro, el canciller y la Virgen con el Niño, y un segundo plano, en el que aparece el paisaje. Todo está equilibrado y ordenado en la composición. La perspectiva se consigue por la habilidosa ubicación de las figuras en el espacio y se remarca gracias a la disposición de la arcada lateral izquierda, por los azulejos del suelo y por el paisaje del fondo. Los colores son muy variados y vivos, sin dudas gracias a la invención del óleo. Predominan los tonos cálidos, principalmente en el manto de la Virgen y en algunos azulejos.

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La luz es natural y homogénea. Entra por el ventanal del fondo. Hay juegos de luces y sombras, sobre todo en el vestuario de los personajes. Encargo del propio canciller para mostrar su devoción hacia la Virgen y su religiosidad en general, por lo que la principal función es religiosa y propagandística. A lo largo del siglo XV Flandes se mostró como una de las regiones más ricas y fructíferas a nivel económico, gracias a la venta de tejidos, y desde el punto de vista artístico, por el florecimiento de la pintura de los primitivos flamencos. Gracias a la existencia de una burguesía adinerada, principalmente comerciantes, muchas personalidades destacadas del momento hicieron encargos de este tipo, para formar parte de la eternidad, para mostrar devociones o intereses personales, y para demostrar su capacidad económica.

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El matrimonio Arnolfini, 1434. Jan Van Eyck Como todos los cuadros de Van Eyck está impregnado de un gran realismo, que nos permite conocer el mundo urbano y de comerciantes en que vivió. En el cuadro destacan tres colores: el verde intenso del vestido de la novia, el marrón de la túnica que luce el mercader y el rojo de los ropajes del mobiliario. La luz proviene de una ventana situada a la izquierda del espectador. El foco de luz ilumina de lleno el rostro de la novia, creando una zona de sombra en torno a su prometido. Van Eyck fue uno de los introductores del aceite (oleo) en sustitución del huevo (temple), que secaba más lentamente, lo que le permitía al pintor introducir numerosos detalles. Se pueden introducir capas de colores hasta conseguir el efecto deseado.

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La construcción del espacio se realiza a partir de la confluencia, en la pared del fondo, de los planos laterales (la pared y el dosel) y el plano inferior (el suelo). En el fondo confluyen las líneas de fuga, representadas por las vigas del techo y los tablones de madera del suelo, creando un aspecto tridimensional. Este efecto se refuerza con el espejo convexo de la pared del fondo, recurso utilizada más tarde por Velázquez en Las Meninas. En el espejo vemos reflejados dos personajes, que contemplan la escena; uno de ellos, según la inscripción que leemos encima del espejo es el propio autor (Johannes de Eyck fuit hic, 1434) Con el recurso del espejo se consigue un nuevo plano, que es lo que los esposos tienen ante si.

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El matrimonio Arnolfini, 1434. Jan Van Eyck Del techo cuelga una lámpara que centra la composición. El esposo coge con su mano izquierda, la mano de su prometida (¿ matrimonio de mano izquierda?), a la vez que con su mano derecha hace un gesto de aceptación. La prometida baja la cabeza en señal de modestia. Detrás de ve una cama con dosel, señal de que se encuentran en la cámara nupcial. El cuadro representa los esponsales de entre Giovanni Arnolfini, rico mercader italiano instalado en Flandes (se casa en segundas nupcias) y su prometida Giovanna Cenami. Este cuadro aparece lleno de simbolismo.

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La única vela encendida, en pleno día, simboliza a Jesucristo , cuya presencia santifica los esponsales. La lámpara, junto con la estatuilla de Santa Margarita , que aparece en el pomo de la cama, simboliza la unidad del matrimonio . Los zuecos de madera indican que los esposos están descalzos, o que simboliza lo sagrado del acto.

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El espejo, en cuyo marco aparecen unos tondos que representan diversas escenas de las Pasión de Cristo, además de ser el eje central de la composición, representa la posición social de los retratados , pues estos objetos eran considerados preciosos y no estaban al alcance de todas las familias. Es un espejo curvo que se denominaba bruja gracias al aumento del ángulo de visión que proporcionaba, generando así otra perspectiva (es por eso que en él se puede ver otra puerta al fondo con dos personajes más, algo en lo que se inspirará posteriormente Velázquez en su famoso cuadro Las Meninas, sólo que empleando un espejo plano y de mayor tamaño) y a su lado colgado en la pared un rosario como símbolo de la pureza en la mujer.

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El perrito, representa la fidelidad conyugal. La borla que cuelga de la cabecera de la cama y el vientre abultado de la mujer aluden a la fertilidad.

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El matrimonio Arnolfini Las frutas sobre el alféizar de la ventana y el arca, pueden simbolizar la inocencia original. Pero también nos muestran la riqueza de los protagonistas. Dentro de los simbolismos no aclarados estará el grifo que aparece burlón por encima de las manos de los esposos.

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La Virgen del Canónigo Van der Paele

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La Virgen del Canónigo Van der Paele.

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El hombre del turbante rojo

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Van der Weyden Es el creador de composiciones muy cuidadas, de gran tensión dramática. Se preocupa por plasmar los sentimientos y las expresiones de las figuras y sus ropajes. Su obra más destacada es el Descendimiento del Museo del Prado .

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R. Van der Weyden Roger van der Weyden (1400-1464) se caracteriza por el intenso dramatismo y la expresividad de sus personajes. Sus composiciones sueltas y equilibradas superan la rigurosa simetr í a de Jan van Eyck , del que tambi é n se diferencia en que sus obras son m á s f á ciles de comprender, pues carecen del simbolismo intelectual de aquel.

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R. Van der Weyden El Descendimiento es la tabla central de un tr í ptico del que no se conservan las puertas laterales. Lo pint ó antes de 1435 -a ñ o en que se estableci ó en Bruselas- para la capilla que la Cofrad í a de los Ballesteros ten í a en una iglesia de la ciudad de Lovaina. Simula ser un grupo escult ó rico en un marco espacial de fondo dorado, lo que justifica la ausencia de paisaje y concentra la atenci ó n en el asunto y las expresiones de los personajes.

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R. Van der Weyden Adem á s del detallismo y el tratamiento de las calidades textiles y las carnaciones, destaca esta obra por su magn í fica composici ó n, en la que un abigarrado grupo de personajes se desenvuelven con naturalidad en un reducido espacio. Es interesante el juego de l í neas compositivas: las figuras de los extremos engloban, como en un par é ntesis, todo el conjunto, en cuyo centro destacan las figuras de Cristo y la Virgen, que coinciden en su postura curvil í nea y resumen todo el dolor de la escena.

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Roger Van der Weyden Descendimiento.

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Santa Bárbara Robert Campin

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San Juan Bautista Robert Campin

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El Bosco Su obra refleja de forma crítica y satírica los vicios y pecados de la sociedad de la época, por medio de visiones oníricas repletas de seres monstruosos con una intención moralizante. Destaca su dibujo preciso y su gran fantasía que le convierte en un antecedente del surrealismo Entre sus obras destacan El jardín de las delicias, El carro de Heno, La mesa de los pecados capitales y La extracción de la piedra de la locura

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El Jardín de las delicias El Jardín de las Delicias

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El Jardín de las delicias

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El Jardín de las delicias

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El Jardín de las delicias cerrado

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El Carro del Heno

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El Carro del Heno

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Mesa de Los siete pecados capitales.

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La extracción de la piedra de la locura

EL Patinir.:

EL Patinir. Patinir derrama en sus cielos una luz blanquísima, de gran intensidad, que brilla sobre una línea de horizonte muy alta y sus prados están interrumpidos por rocas y lagunas, elementos que podemos percibir en La Laguna Estigia (Museo del Prado) El paso de la Laguna Estigia.

Brueghel.:

Brueghel. En Brueguel aparece una concepción dinámica del paisaje, con ondulaciones y una vitalidad bullente, que prefigura los paisajes de Rubens.

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Los patinadores de Brueghel.

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Paisaje invernal con trampa para pájaros

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