22_3 cubismo

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Introducción a esta vanguardia artística

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El Cubismo:

El Cubismo La ruptura con la tradición occidental Higinio Rodríguez Lorenzo

Introducción:

Introducción El cubismo pretende la ruptura definitiva con la tradición occidental: la reinvención de la pintura aplicando a ésta un “método científico”. Tal que se había hecho 500 años antes en el Quattrocento florentino. Como “ismo” de vanguardia plantea un nuevo hacer y un nuevo mirar el cuadro. En el hacer : la descomposición de la figura, no sujeta a espacio ni tiempo, lo que implica la desaparición del volumen (contornos, sombra, perspectiva, disposición compositiva…) y la acumulación de puntos de vista simultáneos. En el mirar : la recomposición por el espectador de lo representado, sin que el cuadro sea jamás una “ventana”, sino un cuadro sólo.

Introducción:

Introducción Debe verse en el contexto del momento, las vanguardias: Einstein y su relatividad; Husserl y su fenomenología (que por estas fechas impulsa la Psicología de la Gelstat ); Freud y su Psicoanálisis… son otros tantos fenómenos científico-culturales que están detrás de este ismo. La idea del “Arte” como salvación de la civilización en lo moral (espiritual) y un “arte nuevo” para la sociedad de masas, antiburgués (provocativo, perturbador…). La recepción del “arte colonial” como algo primigenio (más que “primitivo”) , auténtico. Ahí están las figuras y máscaras africanas, de la Polinesia… y del arte ibérico, cicládico… La experimentación que habían iniciado los impresionistas y la radicalización posterior de los postimpresionistas. Algunos como Seurat, Cézanne, Gauguin… serán decisivos.

Introducción:

Introducción Figura ibérica Figuras arte cicládico Máscaras africanas. Este arte “primitivo” tuvo gran influencia en las primeras vanguardias, en concreto en el fovismo y, especialmente, en el cubismo.

Introducción:

Introducción El nombre de “cubismo” parece que lo puso Matisse con ironía tras ver el cuadro Casas en L’Estaque (1908) de quien había sido su compañero “fovista” de exposición y ensayos, George Braque. Braque da el salto al cubismo en 1907 bajo la influencia de Cézanne y tras ver la obra de Picasso a finales de ese año. Picasso también apreciará el “cezanismo” de Braque y lo incorporará a sus investigaciones que habían dado lugar ya a Las señoritas de Avignon . Así su obra Tres mujeres que inició cuando las “señoritas” la terminó un año después ya en un cubismo pleno. Entre 1908 y 1913 la amistad, la convivencia durante largos períodos y la experimentación conjunta llevará este “ismo” a la máxima expresión tras acercarse a la abstracción.

Introducción:

Introducción G Braque. Desnudo (Gran bañista) 1907-08. 142x102 cm Óleo sobre lienzo Colección particular. París. Picasso. Tres mujeres 1907-8. Óleo sobre lienzo El Hermitage. San Petersburgo. Rusia.

Introducción:

Introducción G Braque. Casas en L’Estaque 1908. 73 x 59,5 cm Óleo sobre lienzo Kunstmuseum. Berna Picasso. Fábrica en Horta de l’Ebre. 1909 Óleo sobre lienzo. 53 x 60 cm. Museo del Hermitage. San Petersburgo. Rusia

Introducción:

Introducción Ambos se “aislaron” de la comunidad artística durante algo más de un año (1909-1910) y de ahí saldrá el “ cubismo analítico ”. Ambos crearán técnicas nuevas en pintura: El collage (Picasso, 1912, con Naturaleza muerta con silla de rejilla ) El “ papier-collé ”(Braque, 1912, con Frutero y vaso ) Acabando así decisivamente con el cuadro tradicional: La pintura (los colores) ya no son el único elemento del cuadro: entra la “materia” (Braque utilizará a veces, arena) El cuadro es un objeto, no una “ventana” A partir de 1912 esas nuevas técnicas llevan a ambos a un “retorno a la pintura”: a recuperar el color y la figura. Es el período llamado “ cubismo sintético ”.

El cubismo analítico:

El cubismo analítico El cubismo “analítico” (y aún “hermético”) es el resultado de las investigaciones que realizaron ambos (juntos y por separado en determinados momentos pero en contacto siempre) durante un par de años. Este período se caracteriza por El color pierde toda importancia y los cuadros son casi monocromos, apagados y sin matices; la simplificación de las figuras, siendo a veces irreconocibles: alguna pista como un objeto, letras o un trozo del perfil. las formas aparecen desintegradas y el fondo y la forma se confunden: un entramado de líneas caótico. Durante este tiempo, el cubismo se acerca a la abstracción y es precisamente su declarada intención de no caer en ella que lleva a ambos a volver a la figura, reintroduciendo el color y aplicando los “hallazgos” del collage y el papier collé .

Cubismo analítico:

Cubismo analítico Braque Mujer con mandolina 1910 Óleo sobre lienzo 80x54cm Museo Thyssen-Bornemisza Picasso. Retrato de AmbroiseVollard 1910. Óleo sobre lienzo. 93 x 66 cm. Museo Pushkin de Bellas Artes de Moscú. Moscú. Rusia

Cubismo analítico:

Cubismo analítico G. Braque. El portugués (el emigrante) 1911. 117 x 81 cm Óleo sobre lienzo Kunstmuseum. Basilea. Suiza. Picasso. Hombre con guitarra 1911. Óleo sobre lienzo 162×71 cm Museo Nacional de Picasso. París

El cubismo sintético:

El cubismo sintético El cubismo “sintético” comienza hacia 1912 cuando el uso del collage y el papier collé les facilita recuperar la forma si bien de forma plana pero con contornos precisos y claros. El cuadro es una “construcción” en el más puro sentido de la palabra pues incorpora pintura y otros materiales. Ahora se trata de poner varios objetos juntos para crear diferentes formas. El color es más vivo, alegre y contrastado; se aplica sin matices, plano. La forma reaparece con apariencias diversas… y a través de materiales diversos. Se pasó de reflexionar sobre la representación de la realidad a reflexionar sobre la misma esencia de la realidad: el uso de “falsos”, es decir, imitar con pintura calidades de otros materiales, cuestionando los límites de lo real en el cuadro.

Cubismo analítico:

Cubismo analítico Picasso. Naturaleza muerta con silla de rejilla. 1912. Collage de óleo, hule y pastel sobre tela. 27x35 cm. Museo Picasso, París . Braque. Frutero y vaso 1912 Papier collé. Colección Privada

Cubismo sintético:

Cubismo sintético Picasso. Guitare (J’aime Eva) 1912 Óleo sobre lienzo. 35 x 27 cm. Musée Picasso. París Picasso Violín colgado en la pared 1913. Óleo y arena sobre lienzo. 65 x 46 cm. Fundación Hermann y Magrit Rupf. Kunstmuseum Bern. Berna

Cubismo sintético:

Cubismo sintético Braque. Estatue d’Epouvante 1913 Papier collé. 73 x 100 cm. Antigua colección Picasso. Colección particular. Braque. Bodegón Gillette 1914 Hule, papier collé y guache. 48 x 62 cm. Centre Georges Pompidou. París

El cubismo. Evolución.:

El cubismo. Evolución. El cubismo enseguida atrajo seguidores nacidos en los años 80 y 90 del siglo anterior, que se adscribían a la “vanguardia” y a la ruptura con el “arte burgués” anterior. En 1911 los cubistas (pero no Braque y Picasso, que siguieron “ajenos”) expusieron en el Salón de Independientes y en el Salón de Otoño, en París. La “ Section d’or ” (Sección de oro) o “Grupo de Puteaux” -por la localidad cercana a París donde se constituyeron- fue un grupo cubista creado en 1911 y que expuso unido en el Salón de Independientes de 1911. En este grupo militaron pintores y críticos que luego derivaron hacia el “ orfismo ”. Además, se publicaron trabajos teóricos ( Metzinger y Gleizes : Del cubismo ; Apollinaire : Meditaciones estéticas. Los pintores cubistas ) que avalaron la nueva manera de hacer “pintura”.

El cubismo. Evolución.:

El cubismo. Evolución. Por otro lado el cubismo se “insertó” en ismos posteriores: futurismo, constructivismo, suprematismo, surrealismo… y fecundó el arte del siglo XX hasta nuestros días pues aún se puede encontrar en el trabajo de muchos artistas. Los dos grandes, Picasso y Braque (Juan Gris murió joven, en 1927) siguieron utilizando la “técnica” cubista hasta sus últimos días, si bien de forma particular y sin que les impidiese tantear otras vías. Y tanto el collage como el papier collé fueron y son ampliamente utilizados. Matisse, que huyó del cubismo siempre (aunque entre 1914 y 16 tuvo algún reflejo cubista), hizo uso del papier collé a partir de los años 30.

El cubismo. Evolución.:

El cubismo. Evolución. Jeanne Rij-Rousseau - (1870-1956), francés František Kupka - (1871-1957), checo Jacques Villon - (1875-1963), francés Raymond Duchamp-Villon - (1876-1918), francés Louis Marcoussis - (1878-1941), polaco Francis Picabia - (1879-1953), franco-español Guillaume Apollinaire - (1880-1918), italiano María Blanchard – (1881-1932), española Henri Le Fauconnier - (1881-1946), francés Albert Gleizes - (1881-1953), francés Fernand Léger - (1881-1955), francés Jean Metzinger - (1883-1956), francés Georges Ribemont-Dessaignes - (1884-1974), francés Robert Delaunay - (1885-1941), francés Roger de La Fresnaye - (1885-1925), francés Marcel Duchamp - (1887-1968), francés Alexander Calder -(1898-1976), estadounidense

El Cubismo. Evolución.:

El Cubismo. Evolución.

El cubismo. La escultura:

El cubismo. La escultura El cubismo tiene una importancia grande en la evolución de la escultura del siglo XX: La introducción del “movimiento” en la obra, facetando ésta tal y como se hacía con la forma en el cuadro. Distorsionando la forma hasta acercarse a la abstracción Utilizando nuevos materiales y nuevas formas de trabajarlos, tanto en los “assemblages” (ensamblajes) que Picasso inició poco después de su “invento” del collage, como en el uso de la soldadura de piezas de hierro. Con esta última técnica se abrió el camino al “vaciado” de la figura y el uso expresivo del vacío en la propia escultura. Nombres para esta nueva escultura: C. Brancusi, A. Archipenko, J. Lipchitz, H. Laurens, A. Calder… y Pablo Gargallo y Julio González.

El cubismo. La escultura:

El cubismo. La escultura 1. Jacques Lipchitz. Arlequín con mandolina en un óvalo . 1923. Museo Nacional de Arte Contemporáneo Reina Sofía. Madrid. 2. Henri Laurens . Mujer con abanico .1919. Museo Nacional de Arte Contemporáneo Reina Sofía. Madrid. 3. Constantin Brancusi . Estudio retrato señorita Eugene Meyer. 1916-33. Centro Pompidou de arte moderno. París. 4. Alexander Archipenko. Bailarina. 1912. Centro Pompidou de arte moderno. París. 1 2 3 4

El cubismo. La escultura:

El cubismo. La escultura Henri Laurens Cariátide sentada . 1929-36 Centro Pompidou de arte moderno. París. Henri Laurens Construcción 1915 . Centro Pompidou de arte moderno. París. Henri Laurens Cabeza de mujer. 1920. Centro Pompidou de arte moderno. París. Henri Laurens Oceánida . 1933 . Centro Pompidou de arte moderno. París.

El cubismo. La escultura:

El cubismo. La escultura Julio González Bailarina de la margarita .1937. Centro Nacional de Arte Contemporáneo Reina Sofía. Madrid. Julio González. Mujer peinándose . 1931 Centro Pompidou. París. Julio González. Mascara de Montserrat gritando. 1938. Centro Nacional de Arte Contemporáneo Reina Sofía. Madrid.

El cubismo. La escultura:

El cubismo. La escultura Pablo Gargallo. Gran Profeta . 1933. Centro Nacional de Arte contemporáneo Reina Sofía. Madrid.

El Cubismo. La Escultura:

El Cubismo. La Escultura

Pablo Picasso:

Pablo Picasso

Pablo Picasso (1881-1973):

Pablo Picasso (1881-1973) Picasso nació en Málaga, vivió en La Coruña y en Barcelona, pero desde 1901 reside en Francia, y en especial en París, con alguna “escapada” a España en la primera y segunda década; a Italia después de la I G.M. Así pues, sin desconocer “lo español”, ni dejar de sentirse “español”, su obra es especialmente deudora del París del cambio de siglo y, por lo demás, una obra universal y personalísima. Los surrealistas lo aceptan como miembro, pero él nunca se definió como tal. Tampoco se implicó en los grupos “cubistas” ni en el “expresionismo”, si bien asumió y reflejó en su obra aspectos de esos “ismos”. Lo que jamás aceptó ni quiso entrar a ello fue la “abstracción”. En ese sentido, se mantuvo “clasicista”.

Pablo Picasso (1881-1973):

Pablo Picasso (1881-1973) Su republicanismo primero, el odio a los militares por la guerra y luego su militancia comunista, lo alejaron de la España franquista que salió tras la Guerra Civil. Durante la República fue nombrado Director de El Prado, si bien no llegó a residir en Madrid. Aunque después de 1945 las artes plásticas afrontarán otro “salto adelante”, todavía en los casi 30 años siguientes que vivió siguió siendo una referencia y su obra alcanzaba una cotización importante, llenando museos y colecciones privadas. Algunas de sus obras son, realmente, iconos del siglo XX y han trascendido su mero significado inicial. Con Matisse y Kandinsky (ambos mayores que él) y, tal vez, Marcel Duchamp, son los creadores del arte del siglo XX.

Pablo Picasso (1881-1973):

Pablo Picasso (1881-1973) Tuvo una larga vida (murió con 92 años) y con una creatividad pasmosa, siempre experimentando… Fruto de ello es una obra inmensa en pintura, grabado, dibujo, escultura, cerámica… Si tenemos que fijar unos “períodos” en su biografía artística señalaríamos: Primera época (infancia, juventud, y Barcelona 1892-1900) Período “azul” (1901-1904) Período “rosa ” (1904-1906) Período cubista (1907-1915) Período del retorno a la figuración o clasicismo (1916-1925) Período “surrealista” (1925-1934) La época de la “barbarie” (1936-1946) Posguerra y últimas obras (1946-1973)

Pablo Picasso:

Pablo Picasso Un repaso a su obra

Las Señoritas de Aviñón:

Las Señoritas de Aviñón Esta obra es considerada como el punto de partida del Cubismo si bien el Cubismo propiamente irá mucho más allá. Aunque los fovistas y los expresionistas habían roto por la vía del color con la tradición, faltaba liquidar la forma y el espacio. La obra no es “una ocurrencia” sino que tuvo un trabajo preparatorio importante y supone la culminación de una investigación que Picasso había abierto en ese ambiente rupturista que se vivía en París. http://cv.uoc.edu/~04_999_01_u07/percepcions/perc106.html

Las Señoritas de Aviñón:

Las Señoritas de Aviñón En los dibujos previos Picasso quiere presentar un tema moralizante: las prostitutas de un burdel de la calle Aviñón de Barcelona aparecen junto a un marinero vestido de azul y una figura con una calavera en la mano, que mostraría la alegoría según la cual el vicio es castigado con la muerte. Luego retirará figuras y dejará sólo los desnudos: los cinco desnudos representarían los distintos estadios de la humanidad: la rígida figura de la izquierda evocaría la estatuaria egipcia; las dos figuras centrales simbolizan la belleza clásica griega; las figuras de la derecha incorporarían las culturas extraeuropeas. http://cv.uoc.edu/~04_999_01_u07/percepcions/perc106.html

Las Señoritas de Aviñón:

Las Señoritas de Aviñón La primera figura por la izquierda, es la continuación de los retratos de Fernande realizados en Gósol, como por el cuerpo geometrizado, de pecho alto y piernas robustas, incluso por la larga cabellera negra y el fondo de tierras de siena, es claramente una versión de la joven de la izquierda de " Dos mujeres desnudas ”(1906). La segunda y la tercera, con los brazos en alto, reproducen un tipo de desnudo muy frecuente entre sus croquis, y presentan unas caras asimétricas que son versiones de su propio Autorretrato. http://cv.uoc.edu/~04_999_01_u07/percepcions/perc106.html

Las Señoritas de Aviñón:

Las Señoritas de Aviñón Con la cuarta y quinta la transformación es total: la máscara primitiva. La nariz ( que Picasso llamaba de “quart de Brie“: un cuarto de libra de queso ), lo resuelve como en un dibujo, con un rayado de sombra, lo que contrasta con las otras figuras, hechas con grandes planos de colores y grafismos lineales sobrepuestos. Además de estos rostros dominados por la nariz cortante, en la quinta figura, nos ofrece la asimetría que ensayó en sus autorretratos, aunque más exagerada. http://cv.uoc.edu/~04_999_01_u07/percepcions/perc106.html

Las Señoritas de Aviñón:

Las Señoritas de Aviñón

Las Señoritas de Aviñón:

Las Señoritas de Aviñón Para la composición se inspira en Los Bañistas de Cézanne, pero hace una reinterpretación mucho más “seca y dura”: A la izquierda, presenta una sucesión de figuras rectas, de ritmo tenso; a la derecha, la composición se deshace, las caras de las dos mujeres se transforman en máscaras absurdas, fetiches. El fondo se acerca a las figuras y se fragmenta en planos duros y puntiagudos como los trozos de un vidrio que se acaba de romper. El fondo geometrizado y en colores ocre, blanco y azul no sugiere la idea de la tercera dimensión. Las superficies se convierten en planos sólidos, forman aristas vivas y asumen una consistencia volumétrica. Rompe radicalmente con las leyes de la perspectiva. Así, las figuras se sitúan en un marco irreal sin luz ni sombras. La única realidad es la superficie del cuadro. Picasso consigue en esta composición el espacio corpóreo (muy distinto del espacio perspectivo del Renacimiento) . El espacio ya no es el marco que integra los elementos del cuadro, sino un elemento más del cuadro, que se deforma y descompone de la misma manera que las figuras: expresa al mismo tiempo volumen y espacio. http://cv.uoc.edu/~04_999_01_u07/percepcions/perc106.html

Las Señoritas de Aviñón:

Las Señoritas de Aviñón

Las Señoritas de Aviñón:

Las Señoritas de Aviñón A la composición “extraña” hay que sumar el uso del color de forma libre, como estaban haciendo los fovistas: Extiende el color en amplias zonas planas para contrastarlo con líneas duras, angulosas; el ocre de los cuerpos podría referirse al color de la tierra y establecer un interesante juego de ritmos de gran expresividad al contrastar con los colores del fondo. Los contornos están reducidos a configuraciones básicas, como las "V" repetidas en las entrepiernas, codo, pecho y formas dentadas del fondo. En los rostros destacan las rayas de color verde y azul en un impulsivo intento de descomponer las superficies de las caras. El arte deja de ser contemplación de la naturaleza y pasa a ser una intencionada intervención en la realidad: el cuadro se convierte en un objeto independiente y no en una “ventana” a la realidad. Es una realidad independiente. http://cv.uoc.edu/~04_999_01_u07/percepcions/perc106.html

Las Señoritas de Aviñón:

Las Señoritas de Aviñón El interés de Picasso y otros (Matisse, Braque …) por la escultura negra, es un reflejo de la crisis de la cultura europea pero que permitió el salto adelante. En este cuadro se alcanza una síntesis estilística del arte primitivo ibérico (cabezas, caras, tórax plano, sensación de bajorrelieve), del arte egipcio, del Greco y de la escultura negra. Picasso, no obstante, deja de lado el elemento mágico ritual o el aspecto exótico, primitivo o salvaje, lo que le diferencia de Gauguin. No representa de la figura o del objeto lo que ve, sino lo que sabe. Expresa así la "idea", llegando a una simplificación y estilización extremas: abandona la representación perceptiva a favor de la conceptual. Esquematiza y despersonaliza las figuras. http://cv.uoc.edu/~04_999_01_u07/percepcions/perc106.html

Las Señoritas de Aviñón:

Las Señoritas de Aviñón

Las Señoritas de Aviñón:

Las Señoritas de Aviñón

El Guernica:

El Guernica

El Guernica:

El Guernica Esta obra es mucho más que una obra de arte: representa un grito contra la barbarie de la guerra y, en concreto, contra la guerra que el fascismo provocó en España. El “motivo” fue el bombardeo de la Legión Cóndor alemana (con consentimiento o no de Franco) en el contexto de la Guerra Civil española de 1936-39, el 26 de abril de 1937 en la ofensiva del norte. El bombardeo de una villa, sin más objetivo militar que “ofender” a los vascos por la connotación simbólica del lugar, tuvo lugar en día de mercado lo que ya puso de manifiesto el nuevo tipo de guerra: aterrorizar a la población civil. (Ya había habido bombardeos sobre Madrid y Barcelona desde agosto del año anterior pero la destrucción casi completa de una localidad fue ahora por primera vez) Las cifras de muertos van desde unos pocos cientos hasta más de 3000. Hay que tener en cuenta que había desplazados y que el franquismo tardó en reconocer el crimen.

El Guernica:

El Guernica Picasso pintó el cuadro como encargo del gobierno de la República española para el pabellón español de la Exposición Mundial de Paris del año 1937, y aunque el cuadro era propiedad exclusiva de la nación española, Picasso dejó escrito que el mural no debía venir a España hasta que no se instaurase de nuevo la República o una democracia similar. El " Guernica " se trasladó hasta el MOMA de Nueva York , y allí se quedó hasta el año 1981, cuando la Casa Blanca entendió que aquello que dejó escrito Pablo Picasso se había cumplido, y por consiguiente, debía desprenderse, muy a su pesar, de la gran "obra estrella" del museo neoyorquino Significó a su vez, y lo que es muy importante, el reconocimiento internacional de la consolidación democrática en España. Sobre todo hay que tener en cuenta que lo hizo el mismo año en que se produjo el golpe de Estado http://www.drasolt.com/index.php?template=guernicadepicasso

El Guernica:

El Guernica

El Guernica:

El Guernica La obra, con varios problemas de deterioro, no está para “viajes” a pesar de que el Gobierno vasco insiste en que debe estar en el País Vasco. En un primer momento se instaló en un anexo de El Prado (el Casón del Buen Retiro). Durante su exposición en el Casón del Buen Retiro estuvo protegido por una pantalla de cristal antibalas para evitar atentados terroristas de uno y otro signo. Ello revela hasta qué punto es y sigue siendo un cuadro simbólico. A comienzos de los 90 pasó al Centro de Arte Contemporáneo Reina Sofía, donde se exhibe hoy. En las salas inmediatas se hallan numerosas obras relacionadas con la Guerra Civil y con el proceso creador de El Guernica.

El Guernica:

El Guernica El cuadro tiene unas dimensiones monumentales ( 349 x 776 cm) y ofrece una lectura compleja. El carácter propagandístico que Picasso quería darle en consonancia con lo que la República en lucha quería exhibir en el Pabellón, llevó al artista a sublimar esa propaganda con símbolos religiosos. El cuadro puede dársele una lectura religiosa dentro de la tradición occidental de pintura religiosa. Puede entenderse como un tríptico donde hay elementos del motivo típico del nacimiento (caballo, toro –en vez de vaca, madre, niño…); El lamento ante la muerte que aparece en las escenas de la Pasión incluyendo esa “Piedad” que supone la madre con el niño muerto; Aparece la “divinidad iluminadora” como vértice de un triángulo que articula todo el cuadro, si bien ese “ojo divino” se humaniza con una bombilla y un quinqué… que son elementos humanos.

El Guernica:

El Guernica El estilo se corresponde con la época en que abandona la experimentación surrealista y define el “ estilo picasso ”: un cubismo donde reaparece el espacio al darle volumen a las formas y con connotaciones expresionistas y monumentales. http://www.youtube.com/watch?v=xQ_uGbQanNw

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George Braque

George Braque (1882-1963):

George Braque (1882-1963) Junto a Picasso Braque es el creador del cubismo. Braque estudió en la Escuela de Bellas Artes de Le Havre, donde entra en contacto con R. Dufy y O. Friesz. Con ellos buscará superar el academicismo, partiendo de los postimpresionistas, en especial de Cézanne y convirtiéndose al fauvismo en 1905, con Othon Friesz. Tras conocer a Picasso se inició la colaboración entre ambos, dando origen al cubismo y sus desarrollos analítico (1908-1911) y sintético (1912-1914). Ambos convivirán y se aislarán del resto de pintores. Será una relación de investigación en la que ambos incorporan los hallazgos del otro y se superan continuamente. Tratan los mismos temas (retratos, bodegones, paisajes…) de forma que evolucionan en paralelo, pero incorporando los logros del otro: la incorporación de palabras a la pintura a partir de 1911, sugerirá a Picasso la idea del collage en 1912. Esa nueva técnica pictórica interesaría a Braque, en la que tendrá obra original también..

George Braque (1882-1963):

George Braque (1882-1963) En 1914 fue movilizado como combatiente en la Primera G.M., donde será gravemente herido. Eso le alejó de la colaboración con Picasso, al tiempo que éste empieza también a evolucionar en una línea propia. Al finalizar la guerra, Braque no abandona el cubismo aunque dará más importancia a la figuración y a sus bodegones, volviendo a una composición clásica que en a veces peca de decorativismo. Por esta época (y como ocurrió con otros artistas que habían conocido el cubismo, como Pablo Gargallo…) mira hacia el mundo griego que llevará a sus Canéforas (mujeres portando frutas, 1923-1926). No obstante, los bodegones serán el motivo más corriente. Tras la década de los cuarenta aparecen nuevos escenarios como interiores, puestas de sol en el mar, el vuelo de los pájaros, etc. con una clave y significado concretos. De 1948 a 1955 se produce la famosa serie de Ateliers , seguida en 1955 a 1963 por la de los Pájaros . Braque también practicó la escultura en bronce y, al final de su vida, la orfebrería (nuevamente un motivo clásico: las Metamorfosis, inspirada en la Teogonía de Hesíodo). También tuvo una incursión frutífera en el grabado.

George Braque (1882-1963):

George Braque (1882-1963) 1907 Bailarina de la margarita . 1908-09 El parque de Carrières Saint-Denis

George Braque (1882-1963):

George Braque (1882-1963) 1908 Viaducto de L‘Estaque 1909 Castillo de La Roche-Guyon

George Braque (1882-1963):

George Braque (1882-1963) 1910 Mujer con mandolina 1910 Le Sacré-Coeur

George Braque (1882-1963):

George Braque (1882-1963) 1912 Hombre con violín . 1912 Frutero y vaso (Papier collé o Collage)

George Braque (1882-1963):

George Braque (1882-1963) 1913 Mujer con guitarra . 1914 Hombre con guitarra

George Braque (1882-1963):

George Braque (1882-1963) 1918 La mujer músico . 1920 El aparador

George Braque (1882-1963):

George Braque (1882-1963) 1927 Muchacha desnuda 1930 Desnudo acostado y velador

George Braque (1882-1963):

George Braque (1882-1963) 1945 La mujer del libro 1960 Pájaros

George Braque (1882-1963):

George Braque (1882-1963) 1958 Litografía . 1959 Litografía

George Braque (1882-1963):

George Braque (1882-1963) Hacia 1913 Collage (o “papier collé”) Bodegón con pipa, botella y copas Bodegón con pipa y periódico

George Braque (1882-1963):

George Braque (1882-1963) Escultura 1940 Cabeza de caballo 1960-63 Atalante (de la serie Metamorfosis)

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Juan Gris

Juan Gris (1887-1927):

Juan Gris (1887-1927) Su nombre real es José Victoriano y nació en Madrid. En 1906 huyendo de la “mili” se planta en París y se hospeda en el mismo lugar en que Picasso tiene su taller, asistiendo así al inicio del cubismo… pues Picasso está pintando Las Señoritas del Aviñón . En esa fecha ya se nombra a sí como Juan Gris. Colabora con dibujos y artículos en revistas francesas y catalanas, pero en 1911 expone obra “cubista” y firma un contrato con el marchante Kahnweiler que le dará cierta seguridad económica si bien no el éxito aún. Representa la continuidad del cubismo sin formar parte del grupo de “puristas”, pero mientras Picasso y Braque evolucionaron hacia un estilo personal, el suyo jugó con las conclusiones del cubismo sintético pero recuperando la forma e introduciendo el color.

Juan Gris (1887-1927):

Juan Gris (1887-1927) Su pintura es muy elaborada y nunca quiso caer en la abstracción: decía que él iba de lo “general” a lo “particular”, de lo abstracto a lo concreto. La forma y el color, junto con la composición armónica aludiendo a los “clásicos” tienen un tratamiento característico en Juan Gris. En su primera época pinta con dominancia gris, como en el cubismo sintético. Pero evolucionará después de 1915 hacia un colorido más alegre. En los años veinte es cuando empieza a ser considerado un verdadero maestro del cubismo y su obra alcanza cotización. Pero su mala salud le llevará a una temprana muerte con sólo 40 años. Para muchos es un poeta del cubismo al que Picasso admiraba profundamente y no se recató en reconocerlo.

Juan Gris (1887-1927):

Juan Gris (1887-1927) 1912 Retrato de Pablo Picasso 1913 La guitarra

Juan Gris (1887-1927):

Juan Gris (1887-1927) 1913 Violín y guitarra 1916 Retrato de Josette Gris

Juan Gris (1887-1927):

Juan Gris (1887-1927) 1917 Naturaleza muerta sobre una silla 1919 Arlequín

Juan Gris (1887-1927):

Juan Gris (1887-1927) 1920 El molinillo de café

Juan Gris (1887-1927):

Juan Gris (1887-1927) 1921 La ventana abierta 1926 La cantante

Juan Gris (1887-1927):

Juan Gris (1887-1927) 1925 La guitarra frente al mar

Juan Gris (1887-1927):

Juan Gris (1887-1927) 1925 El tapiz azul 1927 La mujer del cesto

Fuentes:

Fuentes Elke Linda Buchholz Pablo Picasso. Vida y obra . Ed. Konemam. Hong Kong 2000. Simón Marchán Fiz. Nacimiento y evolución del cubismo (1907-1914): Braque, Picasso y J.Gris Del tomo 38 de Summa Artis (Antología de textos, vol XII) Espasa 2004. Manuel Martínez Bragagnolo : El Arte del Siglo XX . Ediciones Granada. 1991 Col. ¿Qué es? Juan Antonio Ramírez : Historia del Arte 2º Bach. Editorial SM. Madrid 2002 Javier Pérez Segura Descubrir las Vanguardias. Cubismo . Arlanza ediciones (coleccionable con la revista Descubrir el Arte ). Madrid 2000. http://evoluciondelartedos.blogspot.com/2009/08/marinero-con-guitarra-de-lipchitz.html (un resumen muy completo: imágenes, texto y vídeos) http://200.40.200.99/contenidos/areas_conocimiento/expresion/090302_collage/index.html (la técnica del collage y su variante del papier collé ) http://www.arteseleccion.com/movimientos-es/cubismo-2 (selección de pintores españoles que en algún momento practicaron este estilo) http://www.drasolt.com/index.php?template=reypicassomuseovirtual (Un museo virtual de Picasso) http://cv.uoc.edu/~04_999_01_u07/percepcions/perc106.html (comentario completo de Las señoritas de Aviñón ) http://www.drasolt.com/index.php?template=guernicadepicasso (comentario muy amplio sobre El Guernica ) http://www.youtube.com/watch?v=fjoWCdzhuFI&feature=player_embedded la evolución de Picasso pintando rostros http://www.enriquecastanos.com/gris_juan.htm (biografía de Juan Gris) http://www.ricci-arte.com/es/Georges-Braque.htm (unos 75 cuadros de este creador del Cubismo) http://www.revistadearte.com/2009/03/10/julio-gonzalez-en-el-museo-reina-sofia/ (Julio González) http://www.foroxerbar.com/viewtopic.php?t=9947 (Pablo Gargallo. Biografía y obras)

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Idea, textos y realización del autor. El autor, Higinio Rodríguez Lorenzo , profesor en el IES Mata Jove, de Gijón (Asturias. España) la ofrece bajo licencia [ Registrada en Safe Creative Código: 1105189249635 Fecha 18-may-2011 19:19 UTC ] Julio de 2010 –Mayo de 2011. higiniorl@educastur.princast.es

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