Nature de La Joconde :
Nature de La Joconde Auteur: Léonard de Vinci;
Titre: La Joconde;
Date d'exécution: 1503-1507;
Support: C’est une peinture à l’huile sur bois
Dimensions: 53 cm × 77 cm;
Lieu de conservation: Louvre;
Genre: Nature morte, portrait de femme;
Sujet proprement dit: Le portrait d'une femme.
La Joconde :
La Joconde La Joconde est assise de trois-quart dans une loggia tout près de nous. Cependant, son regard nous fait face. On est frappé par l'apparence de vie du personnage qui semble nous observer et dont l’expression semble se modifier à chaque vision. On sait que le plus important pour exprimer l’expression d’un visage est lié à la commissure des lèvres et aux paupières : là, De Vinci atténue volontairement les contours. Il y a une dissymétrie au niveau des yeux qui ne regarde pas vraiment au même endroit. Ainsi l’expression exacte de son visage nous échappe constamment. De plus, c'est le premier portrait souriant de l'histoire de la peinture : elle sourit car elle est heureuse d'avoir offert deux fils à son mari.
Plans :
Plans L'échelle en adoptée, la proximité du personnage dont les mains sont au premier plan et le traitement du regard dirigé vers le spectateur participent de cette impression de vie. Le sourire lie la figure au paysage à l'arrière plan. Le paysage est incohérent, dans la partie droite il y a des montagnes très hautes et tout en haut un lac, plat comme un miroir qui donne une ligne d'horizon très haute. Dans la partie gauche au contraire l'horizon est beaucoup plus bas et il n'y a pas moyen de concevoir le passage entre les deux parties. C'est du coté du paysage le plus haut que sourit la Joconde, la bouche se relève très légèrement de ce côté là et la transition impossible entre les deux parties du paysage se fait par le sourire de la figure.
Interprétation des éléments et de la symbolique du tableau :
Interprétation des éléments et de la symbolique du tableau Le pont est le symbole du temps qui passe ; s'il y a un pont, il y a une rivière, qui est le symbole banal par excellence du tempa qui passe. C'est un indice donné au spectateur que l'étrangeté du rapport entre ce paysage chaotique et cette grâce souriante est le temps qui passe. Le thème du tableau c'est le temps. C'est aussi pour cette raison que la figure tourne sur elle-même, car un mouvement se fait dans le temps. Cette impression de vie est rendue possible par la technique léonardesque qui supprime le trait au profit de subtils passages entre l'ombre et la lumière : le sfumato. C'est la "juste répartition des lumières" qui donne le volume et suggère la distance.
La lumière qui parvient à nos yeux a traversé plusieurs couches picturales et un vernis qui a jauni au fil du temps.