biografia y obra escultores v1

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biografia y obra escultores

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By: ernestergorth (54 month(s) ago)

excelentes artistas

By: ka7an (58 month(s) ago)

muy buenas las obra..y logicamente los artistas....

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Recopilación biografía y obra escultores Chilenos y extranjeros Alumnos pedagogía y Licenciatura en artes Nivel100 Universidad Autónoma de Chile sede Talca. V2

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Alexander Calder internacional

Alexander Calder : 

Alexander Calder Escultor, nace en Filadelfia en 1898. Ingeniero mecánico graduado en 1919,comenzó a estudiar dibujo en 1922, en Nueva York, asistiendo más tarde a los cursos del Art Students League. En 1926 se marcha a París, donde comienza a construir pequeños circos, con figuras de acróbatas y bailarinas realizadas en madera y metal, que unía con alambres y que más tarde se transformarían en Esculturas. Calder muere en 1976.

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Aunque Calder debe su reputación a sus "móviles"y "stabiles", en su última época realizó una gran cantidad de pinturas y dibujos, casi todas gouaches (sobre papel).

Móviles de Calder : 

Móviles de Calder Los móviles de Calder (así denominados por el artista dadá francés Marcel Duchamp) son estructuras de formas orgánicas abstractas, suspendidas en el aire, que se balancean suavemente. Los estables, son formas abstractas inmóviles que, por lo general, sugieren formas animales en tono humorístico. Aunque sus esculturas de piedra, madera y bronce, así como sus dibujos y pinturas de la última época, son importantes, la reputación de Calder se debe principalmente a sus móviles y estables.

Exposiciones : 

Exposiciones Circos serían exhibidos en el Salón de Humoristas, en París en 1927. Al año siguiente realiza su primera muestra individual en la Galería Weyhe de Nueva York después de unirse al grupo Abstracción-Creación, exhibiría sus primeras esculturas abstractas, y ensamblajes movidos por pequeños motores. Una serie de obras de Alexander Calder que se encuentran en colecciones chilenas, complementadas con un homenaje al destacado artista estadounidense a cargo de un grupo de orfebres contemporáneos de nuestro país, se presentan en una gran exposición que abre en marzo la Temporada Plástica 2007 de la Corporación Cultural de Las Condes. "Constelación vertical con hueso amarillo" (1947), Nueva York.

Obras : 

Obras "Flamingo" (1974). Chicago.

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Lorenzo Dominguez nacional

Lorenzo Domínguez : 

Lorenzo Domínguez Lorenzo Domínguez nace en Santiago de Chile en 1901. Transcurre casi toda su infancia y su adolescencia en Santiago, pero siendo niño permanece un año estudiando en un colegio de Málaga, en el Sur de España. Durante su juventud, Lorenzo Domínguez viaja por segunda vez a España, donde vive once años en Madrid y donde se inicia y forma como escultor (1920-1931). A los treinta años regresa a Santiago de Chile, donde continúa esculpiendo y donde enseñará su arte por los próximos siete años en la Escuela de Bellas Artes de Santiago (1931-1938)

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Regresa a Santiago de Chile donde retoma su cátedra de escultura y donde vive, trabaja y enseña por los próximos dos años (1939-1941). A los cuarenta se traslada a Argentina, donde vive y trabaja en las ciudades de Mendoza y Tucumán (1941-1963). En estas dos ciudades realizará la mayor parte de sus esculturas y dibujos, y la totalidad de sus metales, mientras enseña escultura en las Universidades Nacionales de Cuyo y de Tucumán. A los cincuenta y ocho años, Lorenzo Domínguez realiza un sueño artístico que lo había acompañado toda su vida, y viaja a la Isla de Pascua o "Rapa Nui", donde reside durante trece meses, creando algunos de sus grandes dibujos y esculturas y estudiando los tesoros artísticos de la Isla (1960-1961). En febrero de 1961 regresa a Argentina, a Mendoza, donde transcurre un período de creación intensa, y donde muere dos años después, el 21 de marzo de 1963.

Diario de Isla De Pascua : 

Diario de Isla De Pascua El encuentro con los moais y petroglifos de la Isla de Pascua no fue sentido por Lorenzo Domínguez como la incorporación de un elemento extraño, sino como una absoluta continuidad: a sus ojos, la Isla de Pascua, con sus piedras que "parecen esculturas" y sus esculturas que parecen "simples piedras" da forma al sueño de "Miguel Ángel, que aspiraba a esculpir montañas" ", (Lorenzo Domínguez, Diario de la Isla de Pascua, Cuadernos 1960-1961, 9 de marzo de 1960.

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Lorenzo Domínguez, Los Pájaros o El Beso, 1961, cobre batido. Lorenzo Domínguez, El Prisionero Político Desconocido, 1952, piedra roja. . Producción artística: esculturas, planchas de metal batido y dibujos Lorenzo Domínguez completó 252 esculturas que han sido fotografiadas y descriptas en el Catálogo General de 1998 que se encuentra en Internet. El Poeta Ramponi, Mendoza, Argentina, 1943des.: Cabeza mat.: Cemento rojo dim.: 35 cm.loc.: Casa del artista, Mendoza, Argentina

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Stuart Davis internacional

Stuart Davis : 

Stuart Davis Pintor estadounidense. De 1910 a 1913 estudia en Nueva York con Robert Henri, trabajando como ilustrador desde 1913 en la revista Mases, editada por Max Eastman.En 1928 viaja a París y a su regreso introduce aspectos del cubismo sintético en sus cuadros: formas del entorno de la vida americana estructuradas como un cartel de contornos precisos y manchas de color contrastadas, tal y como se aprecia en House and Street (Whitney Mus. of American Art, 1931). Davis es uno de los pintores norteamericanos que mejor entendió los principios del cubismo, comprendiendo la necesidad de terminar con la ilusión de una tercera dimensión.

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. Davis es considerado como un integrante de la figura del arte moderno americano, ayudando a crear un estilo distintivo y apoyar el desarrollo posterior de artistas como Gorky y de Kooning.

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Davis observa y se siente atraído por diferentes movimientos, como el postimpresionismo, el fauvismo y el cubismo

Exposiciones : 

Exposiciones Con 19 años expone en el Armory Show cinco acuarelas que se decantan por un realismo simplificado. En 1917 en la galería de Sheridan Square, Nueva York, Davis tuvo su primera exposición individual exhibiendo sus acuarelas y dibujos. Fue durante la década de 1920 que comenzó a pintar en un Estilo Cubista La extraordinaria luz, combinada con la amplia gama de imágenes (luces de señales, signos de almacén, rayas boyas y bombas de gas) que formaron sus trabajos

Obras : 

Obras Óleo sobre lienzo Adquisición en m de Ory John de Menil, Síndico, Amon Carter Museum, 1961-1969 1967,195 STUART DAVIS (América, 1892-1964) Litografía sobre papel crema tejió

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Juan Diaz Fleming nacional

Biografía : 

Biografía Juan Díaz Fleming, Licenciado en Artes Plásticas con Mención en Escultura de la Escuela de Bellas Artes, realiza estudios artísticos en la Escuela de Artes Aplicadas de la Universidad de Chile en Santiago y en el Centro de Perfeccionamiento del Ministerio de Educación, destacándose entre sus maestros a Samuel Román Rojas, Premio Nacional de Arte. En 1983 es becado a Taiwán para realizar perfeccionamiento en técnicas cerámicas. Actualmente es académico y Profesor Titular del Centro de Artes de la Universidad de Tarapacá de Arica, donde tiene a su cargo el Taller de Cerámica y Cátedra de Escultura, realizando en él la mayor parte de su creación artística y actividades de extensión a la Comunidad.

Premios Reconocimientos : 

Premios Reconocimientos Medalla de Oro y Premio Presidente de la República, 4º Salón Oficial de Invierno, Valparaíso, 1968 1er Premio de Escultura, Salón de Verano, Viña del Mar, 1970 Premio de Honor, 1ª Bienal Internacional de Arte, Valparaíso, 1973 1ª Medalla Escultura y Distinción de Honor APECH, Certamen Nacional de artes Plásticas, Santiago, 1976 1º Premio Escultura, Certamen Nacional de artes Plásticas, Santiago, 1981 Mención Honrosa, Concurso Victimas del Descubrimiento de América, Florianópolis, Brasil, 1994

Museos y Colecciones : 

Museos y Colecciones Algunas de sus obras forman parte de las Colecciones Artísticas de los Museos de Bellas Artes de Valparaíso, Museo de Arte Contemporáneo de Santiago, Instituto Nacional de la Cultura del Perú, Universidad Complutense de Madrid, Universidad de Talca, Universidad de Tarapacá, Museo de arte Moderno de Quito y Museo CIDAP - OEA de Cuenca, Ecuador y Museo de arte Moderno de la Universidad Estatal de Santa Catalina en Florianópolis, Brasil La trayectoria artística de Diaz Fleming y el análisis de sus obras se incluyen en los textos "Introducción a la Escultura Chilena" de Enrique Melcherts e "Historia de la Escultura de Chile" de Víctor Carvacho H.

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“El objetivo principal es lograr una interacción entre la obra y el espectador”, anuncia Juan Díaz Flemming, el ilustre creador de las Presencias Tutelares, quien ha lanzado su exposición retrospectiva de forma participativa: “Póngale Nombre a la Obra”. “Para el artista es re importante saber si llega el público a la obra, o no”

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Nicolas Cordier internacional

Biografía Nicolás Cordier : 

Biografía Nicolás Cordier Nació en Saint-Mihiel, Francia. Pintor y escultor manierista, estilo que para esa época era popular en el norte de Europa. A sus 25 años trabajaba para un noble en Lorraine y luego emigró a Roma donde desarrolló el resto de su carrera. Los trabajos que aun se conservan de Cordier son escasos pero suficientes para admirar su maestría. En la obra 'Las Tres Gracias', donde el estilo manierista aplicado a la escultura, alcanza su expresión máxima, se aprecia claramente la sensibilidad artística del maestro y a la vez, se puede observar la magnífica habilidad que posee para tallar el mármol.

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Juan Pablo Langlois nacional

Juan Pablo Langlois (1936-) Santiago Escultor : 

Juan Pablo Langlois (1936-) Santiago Escultor Los primeros trabajos visuales estuvieron muy relacionados con su formación de arquitecto y consistieron en indagaciones en torno al arte óptico, atrapado en la bidimensionalidad de la tela. Escultor, instalador y artista visual chileno. Nació en Santiago el 26 de febrero de 1936. 27

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Vida Escultor, instalador y artista visual chileno. Nació en Santiago el 26 de febrero de 1936. Entre los años 1952 y 1962 Estudió arquitectura en la Pontificia Universidad Católica de Chile y en la Universidad Católica de Valparaíso. Recibió la influencia de Joseph Albers, profesor de la Bauhaus en un curso de seis meses que dictó en nuestro país. Los primeros trabajos visuales estuvieron muy relacionados con su formación de arquitecto y consistieron en indagaciones en torno al arte óptico, atrapado en la bidimensionalidad de la tela. En 1969 sorprendió a los visitantes del Museo Nacional de Bellas Artes con la instalación de bolsas de basura rellenas de papel que unidas entre sí formaron una manga de 300 metros que recorrió todo el edificio. La muestra titulada Cuerpos Blandos marcó el inicio de su carrera como 28

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Trayectoria Los primeros trabajos visuales estuvieron muy relacionados con su formación de arquitecto y consistieron en indagaciones en torno al arte óptico, atrapado en la bidimensionalidad de la tela. Más tarde evolucionó hacia un arte completamente diferente, donde las obras transitaron de lo abstracto a lo figurativo y de la escultura a la gráfica. Langlois a través de todo su trabajo plástico ha mantenido una constante en la cual el valor de su obra ha residido en la idea y su acción creadora, en la que relaciona temas, materiales y procesos de la cultura popular, y que se expresa a través de un arte efímero, donde ni el oficio o técnica, ni el soporte son importantes. 29

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En 1969 en el Museo de Bellas Artes, presentó la Exposición "Cuerpos blandos", donde una manga de polietileno de 300 metros de longitud, rellena con papel de diario recorrió las instalaciones del museo. En 1971, en el mismo museo presentó una serie de pedestales realizados en poliestireno forrado en género o pintado. En 1972 y 1973 realizó una serie de objetos: muebles, ropa, flores, libros, comida recién preparada, sometidos a un baño de resina plástica de secado rápido, que expuso en el Museo de Bellas Artes. Entre 1973 y 1979 su trabajo se centró en figuras hechas en papel de diario y cola, representaciones a escala natural de figuras humanas y animales, automóviles y árboles, fachadas de casas y objetos. En 1979 abandonó temporalmente la escultura y su trabajo se concentró en una serie de obras de naturaleza variada como "El colchón amatorio", donde un colchón, el del artista, fue soporte de una serie de textos extraídos de canciones populares y telenovelas; "El carnet sentimental", una serie de intervenciones hechas sobre el carnet , sobreponiéndole frases y dibujos; "El pan", Exposición en la que el artista presentó 21 tipos de pan dispuestos sobre bandejas debidamente rotuladas, cada pan estaba pintado a mano y timbrado con anilina comestible para ser consumidos por los asistentes. 30

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En 1987 comenzó a trabajar con plasticina, realizando una serie de figuras: lechugas, ratones, discos, libros, patas de gallina, zapatos, etc, que reprodujo en series hechas a mano. En 1990 presentó en los muros exteriores del Museo de Bellas Artes, con la ocasión de la Exposición Museo Abierto, la obra "Diarios de Vida Recortados" con 600 fotocopias de 20 x 20 cms. con imágenes extraídas de diarios nacionales. En 1997 presentó en el Museo Nacional de Bellas Artes su Exposición "Miss", donde ratones y pescados esculpidos en papel de diario y cola fría, palos de ciruelo, hombres de cúbito dorsal, mujeres onas, bustos, serpientes calaveras y corazones de Jesús fueron expuestos de una manera donde lo cómico se insertó en lo serio, lo grotesco en lo trágico, lo puro en lo impuro y lo feo en lo bello, gesto recurrente en todas las obras de Langlois Vicuña. 31

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Arp Jan internacional

Arp Jan (Hans) (1886-1966) Francia Pintor y escultor : 

Arp Jan (Hans) (1886-1966) Francia Pintor y escultor Hans Peter Wilhelm Arp nació en Estrasburgo, dominio alemán entre 1870 y 1918. Arp tuvo nacionalidad alemana basta que en 1926 adquirió la francesa y empezo a usar el nombre de Jean, por el que también se le conoce. Pronto manifiesta inclinaciones artísticas y se matricula en la Escuela de Artes y Oficios en 1900, donde muestra tan poco gusto por la disciplina académica como antes en el Liceo; Su interés por las artes es paralelo a su pasión por la poesía -sobre todo por los románticos alemanes-, en la que se inicia en los años escolares y que practica toda su vida en sus dos lenguas. (Alemán y Francés). 33

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En 1903 publica sus primeros poemas y realiza una abundante obra pictórica y escultórica de la que apenas hay rastros. En 1904 pasa una temporada en Paris, pero su padre prefiere que continúe su formación en Weimar, en cuya Academia, dirigida por Henry van de Velde, se matricula al final de ese año. Por mediación de Van de Velde expone en la galería Bemheim-Jeune de Paris con Matisse, Signac y Van Dongen en 1907 y, un año después, se inscribe en la Academia Julian y frecuenta los ambientes artísticos de la capital francesa. 34

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Con el fin de la guerra, Dada se extiende a Francia y Alemania. Arp participa en 1920 en la célebre exposición dadaista de Colonia con Baargeld y Marx Ernst -con quien colaborara en una serie de collages genericamente llamados Fatagaga-, así como en la no menos célebre y sonada Feria Dadá de Berlin. Ese mismo año conoce a Breton, Soupault y Aragon, los poetas que recogen el legado Dadá en Paris y a los que se suman viejos conocidos de Zurich como Tzara y Picabia. Arp colabora en diversas revistas e iniciativas de vanguardia con poemas, collages y obra gráfica. AI mismo tiempo establece lazos con la vanguardia constructivista a traves de El Lissitzky -al que conoce en Berlin en 1920- 0 Kurt Schwitters -en Hannover, siete años más tarde-. La Bauhaus convoca un congreso en Weimar en 1922 donde trata a Moholy-Nagy o Van Doesburg, en cuya revista De Stijl también colabora. 35

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Del nucleo Dadá de Paris surge en 1924 el surrealismo, ferreamente capitaneado por Andre Breton. Arp se suma al grupo y figura en la exposición inaugural de 1925. Durante toda su vida se mantuvo unido a los surrealistas, aunque se cuidara de tomar distancias de sus comportamientos mas sectarios y no rompiera sus vínculos con el sector analítico y constructivo de la vanguardia. Esa versatilidad e independencia se manifiestan en su participación, siempre con Sophie Taeuber, en Cercle et Carre en 1930 y Abstraction-Creation entre 1931 y 1934, grupos que defienden la abstracción geométrica. Desde los años veinte, Arp simultanea el collage y la obra gráfica con el relieve y, a partir de los años cuarenta, la escultura centra la mayor parte de su dedicación. 36

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Los años de la Segunda Guerra Mundial, que pasa primero en Grasse, al sur de Francia, y luego en Suiza, son difíciles, sobre todo por la inesperada muerte de Sophie, que lo sume en la desolación. Serán, sin embargo, los años de la postguerra los que consagren su fama universal con antológicas Como la de Nueva York de 1958 o la de Paris de 1962. Le acompaña en esta última epoca Marguerite Hagenbach, con la que se casa en 1959. Tras su muerte, Marguerite realizaria la voluntad del artista de ver su obra reunida con la de Sophie en una fundación, constituida en 1979 en la casa de Meudon-Clamart que habia hecho construir en 1926 siguiendo los pIanos elaborados por su primera mujer. 37

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Ernst Barlach internacional

Ernst Barlach (1870-1938) Alemania Escultor : 

Ernst Barlach (1870-1938) Alemania Escultor Escultor expresionista y dramaturgo alemán, nacido en Wedel. Trabajó en madera, terracota, porcelana y bronce. Recibió la influencia del artista francés Honoré Daumier, del escultor belga Constantin Meunier y, tras un viaje a Jarkiv, Rusia, en 1906, de los talladores de madera rusos. Realizó monumentos en memoria de los soldados muertos durante la I Guerra Mundial para varias ciudades alemanas. 39

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Fue uno de los pocos escultores del siglo XX que talló obras monumentales en madera, como Pastor en una tormenta (1908, Kunsthalle, Bremen). También hizo numerosos bustos e ilustraciones (xilografías y dibujos) para libros. Fue perseguido por los nazis, que destruyeron muchas de sus obras en la década de 1930. El monumento El guerrero del espíritu (1928), de la ciudad de Kiel, que había sido mutilado por los nazis, fue restaurado en 1954. Tras alcanzar el reconocimiento como escultor, Barlach también escribió obras de teatro. Entre las más conocidas, algunas ilustradas por él mismo, se encuentran El pobre primo (1918) y El diluvio (1924) 40

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Fidias clasico

Fidias (498-432 Antes de Cristo) : 

Fidias (498-432 Antes de Cristo) Fidias (c.490-c.430 a.C.), arquitecto, pintor y escultor griego del periodo clásico, destaca por su exquisita perfección en el tratamiento de la forma, el volumen y la expresión de sus estructuras. 45

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Dado que la mayor parte de sus trabajos originales han desaparecido, el conocimiento de su obra es posible gracias a las descripciones que de la misma hicieron los escritores antiguos. Su primer encargo conocido fue un monumental grupo escultórico en bronce representando a los héroes nacionales con el general Milcíades el Joven como figura principal. 46

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El estadista ateniense Pericles le encomendó tanto la supervisión de todas las obras públicas como la realización de cuantas estatuas debían erigirse en la ciudad. El estadista ateniense Pericles le encomendó tanto la supervisión de todas las obras públicas como la realización de cuantas estatuas debían erigirse en la ciudad. 47

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Fidias dirigió las obras de construcción de los Propileos, que eran la entrada monumental a la Acrópolis, y del Partenón. Para el interior de este último edificio realizó, en oro y marfil (criselefantina) la monumental estatua de Atenea, diosa de la sabiduría y protectora de Atenas. La colosal estatua de Zeus, padre de los dioses, que estaba ubicado en Olimpia, está considerada como su obra maestra. Los últimos años de la vida de Fidias están plagados de conflictos. Los enemigos de Pericles le acusaron de apropiarse del oro que había recibido para levantar la estatua de Atenea. 48

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Al parecer murió en prisión o según otra versión, en el destierro. Una tercera fuente de información afirma que le fue levantado el cargo de malversación, pero se le condenó sin piedad por haber esculpido su retrato y el de Pericles en el escudo dorado que portaba la estatua de Atenea. 49

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Gaspar Galaz nacional

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Gaspar Galaz, escultor e historiador del arte, nació un 19 de abril de 1941, en Santiago. Sus estudios los realizo en la escuela de arte de la universidad católica, entre los años 1960 y 1965. tuvo como profesores a los escultores Alejandro rubio, Paul Harris y rosa vicuña. demás de su actividad como escultor, ejerce la docencia en dicha escuela, como profesor de escultura, y en el instituto de estética de la misma universidad, como investigador y profesor de historia del arte. G A S P A R G A L A Z Miembro de numero de la academia de bellas artes y miembro del consejo de monumentos nacionales. Ensayista, critico, de arte y curador. Escultor con varias exposiciones en chile y en el extranjero. El arco. Bronce, 85 x 20 x 45 cms. 1996

Técnica de trabajo : 

Técnica de trabajo Trabaja tanto en madera como en metal, el cual es, por lo general, bronce. Con estos materiales explora en la composición de formas que poseen elementos reconocibles como orgánicos y mecánicos, a la vez. Sus primeros trabajos consistieron en la talla directa sobre madera, sin boceto previo, con lo que se aproximó a la figura humana, representada rudimentaria y esquemáticamente. De este modo, Galaz dejó que el material hablara por sí mismo, evidenciando sus cualidades sensibles por sobre el contenido intelectual. Hacia una segunda etapa, el escultor decidió explotar las posibilidades que otorga el ensamble de tablas de madera, hecho que permite organizar volúmenes, a partir de un trabajo constructivo que exige mayor control de las formas: debe diseñar previamente la estructura esencial y sólo después dejar liberar las diversas texturas. El circulo. Madera, 33 x 29 x 4 cms. 1996 Hacia los sueños. Bronce, 145 x 100 x 70 cms. 1998

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Realiza aquí, entonces, esa simbiosis entre maquinaria y organismo. En algunas esculturas , el enfrentamiento se produce al interior de la pieza única y, en otras, separando los volúmenes que constituyen la obra. En sus obras, hay, por lo tanto, un dualismo de fuerzas antagónicas en significado y dirección: formas orgánicas que se repliegan y que comparten espacio con formas mecánicas de tendencia centrífuga. En sus obras mas recientes, tiende a atenuar el rigor racional, debido a un trabajo mas directo con los volúmenes virtuales, con los vacios que dinamizan especialmente la obra. Parejas de lados opuestos. Bronce, 54 x 80 x 23 cms. 1995. La nave. Madera, 60 x 35 x 25 cms. 1996.

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Circulo y bandera. Madera, 60 x 38 x 27. 1996 Hombre-carro Madera, 130 x 50 x 65 cms. 1997 P A L A B R A S D E G A L A Z “Toda mi obra escultórica posee una carga emocional y racional muy fuerte y tal vez el referente inmediato sea la multiplicidad de reflexiones e inquietudes que se van conjugando en el proceso creativo que intentara, desde un comienzo, expresar la conjunción entre el análisis del lenguaje escultóricos y las ideas sobre el mundo: y es que mi obra se relaciona íntimamente conmigo en lo existencial, lo emocional y lo sentimental.” “Mis esculturas van generando una tención que deriva de los opuestos y una de las mas notables es la que cita al hombre y a la maquina-especie de simbiosis entre humanidad y tecnología- un cierto rasgo antropomórfico. Con estas oposiciones formales mi quehacer escultóricos habla sobre ese profundo misterio que es el hombre por imponerse sobre la alienación de si mismo, y en esta aporto, también, a la humanidad de este hombre.” “Mis esculturas hablan del hombre y la mujer, de lo orgánico y de lo mecánico, de la tecnología y de la industria, de la sexualidad y de la vida , del dialogo entre los opuestos- lo positivo y lo negativo-, los llenos y los vacios ; lo entrante y lo saliente, el recibir y el dar, en fin, el encuentro y el desencuentro.” Sacado del libro “Gaspar Galaz, esculturas recientes” Artespacio.

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Monumento publico. Material: acero revestido en bronce . Ubicación: mercado central. La obra titulada instrumento de precisión , se inscribe en la línea de la escultura urbana , que a partir de la composición en fierro rompe radicalmente con la tradición de los monumentos conmemorativos . El propósito, no es la conmemoración sino- como dice el mismo autor – la entretención y la provocación en el caminante_ espectador de una distracción de un pasaje a la fantasía y de un corte en la vida cotidiana que permite reflexionar sobre la vida y sus misterios. No busca en su obra una correspondencia con la realidad. Aunque la escultura de 9,7 metros de alto, disimule un trípode, con sus tres patas ascendentes y convergentes , o parezca un instrumento verdadero por su forma y detalles, queda, no obstante, en evidencia, que se trata de un juego entre lo acabado y lo inacabado de la idea. La aparente exactitud de la primera engaña y la duda acerca de la segunda, o la necesidad de Saber de que tipo de instrumento se trata, terminar transformando la obra en un objeto de creación, sin olvidar la sugerente silla, ubicada a poca distancia y que forma parte de la semántica de la obra . Síntesis de una obra

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Lily Garafulic nacional

Lily Garafulic. : 

Lily Garafulic. Escultora, hija de croatas, nació en Antofagasta, el 14 de mayo de 1914. Unas de las alumnas mas aventajadas del taller de Lorenzo Domínguez fue Garafulic. En 1934 ingreso a la escuela de Bellas artes y dos años después es nombrada ayudante . Tomó contacto con Brancusi, importante escultor que conoció en Europa en 1938. En 1944 fue becada a Nueva York donde continuó su formación en la New School of Social Research. Ese año es la Primera mujer en realizar una exposición individual de escultura en el Instituto Chileno-Británico de Chile. Fue designada Directora del Museo Nacional de Bellas Artes en 1973, cargo que desempeñó hasta 1977. Fue elegida Representante de Chile ante la Unesco, en la Asociación Internacional de Artes Plásticas. Activa hasta hoy, pese a su avanzada edad, ha realizado gran cantidad de exposiciones individuales y colectivas en varios países del mundo.

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Sus obras que ingresan en el dominio de la autonomía de los medios y en la libertad de la forma respecto a cualquier referencia temática. Concepto como ritmo, equilibrio , tención, reposo, movimiento, definen las obras que constituyen este campo de acción. La otra línea esta dirigida en otro sentido: el volumen pareciera escapar, en cierto modo, al control de la mente y de la mano, al oficio secular del escultor , a los materiales nobles. El volumen, que ahora acepta extraños e innobles materiales, que se hace expansivo, que acusa la presencia de espacios virtuales, lleva consigo una implícita y expresiva significación: su brutal elementalidad. Noviembre.

Técnicas y trabajo. : 

Técnicas y trabajo. Su obra inicial la realizada en terracota, mármol, piedra y bronce, con retratos y bustos que, por lo general, se someten a la representación figurativa del modelo. A comienzos de los años sesenta, su obra adquiere un carácter doblemente nuevo, a partir de un viaje realizado a Isla de Pascua: cambia su modo de sentir la escultura y busca materiales nuevos como las maderas carcomidas a las que incrusta virutas de metal, soldaduras y pernos, ejerciendo, de este modo, toda una innovación para la época. Desde 1965, utilizó restos de fundición, con lo que consiguió extrañas texturas: el volumen acepta materiales poco comunes, haciéndose expansivo y acusando la presencia de espacios virtuales. También ha realizado su obra en bronce, mármol, arcilla y piedra, en las que la perfección radica en obras que trasgreden su aparente hermetismo. Paralelamente, trabaja una línea de ensamblaje, con la superficie en bruto de maderas con metal y otra en donde trabaja superficies pulidas y formas depuradas.

Premios y distinciones : 

Premios y distinciones 3º Premio del Salón Oficial. Santiago de Chile. 1936. 2º Medalla IV Centenario de la Ciudad Valparaíso, Chile. 1937. 2º Premio de Escultura, VIII Salón de Verano, Viña del Mar, Chile 1940. 1º Premio de Escultura, IV Centenario Fundación de Santiago. Chile. 1941. 2 Premio de Escultura LIV Salón Oficial. Santiago de Chile 1942. 1º Premio Salón de Verano. Viña del Mar, Chile. 1943 1º Premio Dibujo y Grabado Salón Oficial Santiago de Chile. 1945. 1º Premio Escultura, Salón Oficial. Santiago de Chile.1947 Premio de Honor LXIV Salón Oficial. Santiago de Chile.1953. premio de la Bienal de Sao Paulo, celebrada en 1953 Premio "Rebeca Matte" de escultura, Salón de Verano. Viñas del Mar. Chile.1961. Mención Honrosa IX Bienal de Sao Paulo, Brasil.1963. Premio Circulo de Críticos de Arte de Chile. Santiago de Chile.1985. Premio "Rebeca Matte", Ministerio de Educación. Santiago de Chile.1992 Premio Nacional de Artes Plásticas. 1995. Distinguida como Profesora Emérita de la Universidad de Chile 1997. Ojo de Dios. Dos mundos.

Exposiciones individuales. : 

Exposiciones individuales. Esculturas y Dibujos Instituto Chileno-Británico de Cultura. Santiago (Chile) 1944. Esculturas, dibujos y grabados Instituto de Extensión Artes Plásticas. Universidad de Chile. Santiago (Chile.) 1947. Mosaicos Sala del Pacífico. Santiago (Chile) 1949. Esculturas Instituto de Extensión Artes Plásticas. Universidad de Chile. 1962. Esculturas Galería Marta Faz. Santiago de Chile.1965. Instituto de Arte Contemporáneo, Lima, Perú. 1966. Instituto de Arte Latinoamericano, Santiago de Chile. 1967. Esculturas, Casa de la Cultura, Ministerio de Educación. Santiago de Chile. 1969. Esculturas en bronce y algunos dibujos, Galería Plástica 3. Santiago de Chile. 1983 Retrospectiva. Instituto Cultural de Las Condes. Santiago de Chile. 1985. Galería Plástica Nueva. Santiago de Chile.1991. 50 años de Escultura, Galería Tomás Andreu, Santiago de Chile.1995. Centro de Extensión Cultural Pedro Olmos Muñoz, Talca, Chile. 1996. Exposición en la Galería Tomás Andreu, Santiago, Chile 2000.

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Jeff Koons internacional

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Escultor estadounidense, que se hizo famoso en 1980 por una serie de trabajos artísticos que remiten, a menudo de manera escandalosa, a la imaginería de la cultura popular. Nació en York, Pensilvania; de 1972 a 1975 estudió en las escuelas de arte del Instituto de Maryland, Baltimore y del Instituto de Chicago, donde se hizo amigo de su profesor Ed Paschke. En 1976 se trasladó a Nueva York para trabajar durante algún tiempo en la Bolsa de Valores. Sin embargo, durante la década de 1980 consiguió fama internacional por sus figuras, realizadas deliberadamente con mal gusto e incluso a veces de forma pornográfica. Inspirado principalmente en el Pop Art de la década de 1960, Koons comenzó a preocuparse por la penetrante influencia de la moderna sociedad de consumo. J E F F K O O N S

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Además de imitar la imaginería sensacional de la publicidad y de la pornografía, a menudo incorpora a su obra artística productos domésticos, como las aspiradoras que expuso en el Nuevo Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York en 1980. Sus creaciones más controvertidas fueron las explícitas fotografías, pinturas y esculturas que mostraban sus relaciones sexuales con la actriz pornográfica y diputada del Partido Radical italiano Cicciolina, con la que estaba casado. Las obra artística de Koons ha significado una contribución vital al movimiento artístico estadounidense conocido como "Neo-Geo", en el que se incluyen también Asley Bickerton, Peter Halley, Haim Steinbach y Meyer Vaismann. Balloon dog magenta (1994 - 2000)la simple presencia en el entorno ya causa una quiebre en la atención y afecta directamente al entorno, como esta instalación en Venecia, transformando un perrito hecho con globos en una mega escultura, lo sencillo y sin valor convertido en elemento generador de crítica. Tulipanes. Jeff Koons es la verdadera representación del artstar generador de ideas, intérprete de lo corriente, ridículamente profundo, el rey del kitsch para muchos; es uno de los artistas contemporáneos más influyentes de las últimas décadas sin ser siquiera un brillante pintor o dibujante y que ha incursionado en el mundo del arte con la fuerza del escándalo.

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Sus obras siempre han tenido un acercamiento a lo comercial (más allá del precio de las mismas), usando la percepción distorsionada del mundo que genera la publicidad la convierte en mensaje social acaparando así todo el proceso mediático que gira en torno a los objetos y su posesión, un ejemplo de esto está en su obra Equilibrium (1985) donde usa pelotas de basketball sumergidas en tanques con agua y anuncios de Nike para tratar sobre los sueños de la clase media y la eterna búsqueda de fama, dinero y estilo de vida. Three ball 50/50 tank (Equilibrium 1985) Panther (Banality 1988) Pink

Técnicas y trabajos. : 

Técnicas y trabajos. Clasificada a veces como minimalista y Neo-pop, su obra consistía inicialmente en escultura conceptual que fue adquiriendo monumentalidad (Puppy). A la fecha, Koons ha incursionado en la escultura de instalación, la pintura, y la fotografía. Sus trabajos evidencia influencias del Dadaísmo, así como del arte Pop como el ya mencionado Warhol y Claes Oldenburg. Los materiales usados en su obra son también muy importantes, históricamente la humanidad ha basado su status en la posesión de los objetos y metales por su supuesta nobleza y perpetuidad (la dureza de lo tangible contra lo efímero de nuestro pensamiento) transformando de este modo simples balones, baldes, equipo de buceo e íconos del desarrollo industrial en costosas piezas de colección. Puppy(cachorro) museo Guggenheim, Bilbao

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En Equilibrium Koons alcanza un discurso muy elevado en lo social haciendo referencias a la violencia de los ghettos de donde provienen los ahora íconos de la superación social en la industria del deporte que mueve una maquinaria comercial y publicitaria enorme hacia ese grupo objetivo. Cuando en 1979 comenzaba a introducirse en los circuitos artísticos con sus objetos inflables Koons fue muy criticado pese a la aceptación de los medios especializados por sus poco convencionales objetos artísticos, luego lo vacío y decorativo de un conejo usado en la serie previa a The New se transformó en una brillante figura de acero cromado en Stainless Steel Rabbit (Statuary 1986) criticando la perdurabilidad de las obras artísticas y su mensaje contra efímero de las ideas. Snorkel - Shotgun (Equilibrium 1985)

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Anne Hyatt Huntingdon internacional

Anne Hyatt Huntingdon. : 

Anne Hyatt Huntingdon. (1876 - 1973) nació en Cambridge, Massachusetts. Su padre era un profesor de paleontología en Harvard y de él desarrolló su interés en los animales. Estudió escultura en Boston con Henry Kittleson antes de enrolarse en la Liga Estudiantes de Arte, donde estudió bajo Herman Atkin Sus primeros trabajos consistieron en los animales domésticos y los perros a partir de 1903 su exposición en la Sociedad Americana de Artistas en Nueva York de su escultura de dos caballos de invierno titulado Mediodía Ella exhibió la misma escultura de nuevo en la Exposición Universal de San Luis en 1904 y continuó exhibiendo a lo largo de su vida. . Pasó mucho tiempo en el Bronx Zoo dibujo y modelado de los animales salvajes.

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Ana creció en una familia dedicada a la ciencia y a las búsquedas culturales y mientras que un adolescente hizo interesado en escultura. Aunque ella estudiara brevemente en Boston y en los estudiantes de arte liga, Ana era realmente escultor autodidacta. Su conocimiento de la anatomía animal, la base para su escultura, era el resultado de una energía afilada de la observación desarrollada con disparos al campo de la niñez con su padre y familiaridad con los animales domésticos en la granja de la familia.

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Don Quixote Anna Hyatt Huntingtonaluminum, 15' 1 1/2" H Edificio y terraza del nortecon las esculturas cercaAna Hyatt Huntington,CA 1950 Ana Hyatt Huntington entoncescomplementa esto impresionanteestatua con relevaciones de dos otraFiguras españolas a caballo:Boabdil (1943), el Moorish pasadorey de Granada, y Don Quijote(1942), el soñador enojadode la novela de Cervantes.

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A principios de su temática, el caballo emergió mientras que el tema preferido y ella de Ana comenzaron a incorporar temas equinos en sus comisiones monumentales. Antes de 1910, ella había creado la inicial Joan de Arc a caballo, precursor de su trabajo más famoso para New York City, que ganó su gran aclamación crítica y popular. Antes de 1912, ella ganaba más de $50.000 por año con su escultura. Conocido como uno de los escultores animales americanos más finos del vigésimo siglo, ella creó el trabajo que fue puesto en localizaciones públicas en el país y en todo el mundo, así como en museo numeroso y colecciones privadas.

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Donatello clasico

Donatello (Donato di Niccolò di Betto Bardi) : 

Donatello (Donato di Niccolò di Betto Bardi) (Florencia, 1386 – Florencia, 13 de diciembre de 1466) fue un famoso artista y escultor italiano de principios del Renacimiento. Donato di Niccoló di Betto Bardi, más conocido como Donatello, escultor italiano nacido en Florencia (Italia). Su padre se llamaba Niccoló di Betto Bardi, y trabajaba como tejedor. A los diecisiete años trabajó como ayudante de Lorenzo Ghiberti en la construcción y ornamentación de las puertas de bronce del baptisterio de San Juan de Florencia. Algún tiempo después, también colaboró con Filippo Brunelleschi. Dentro de su carrera artística se pueden establecer tres periodos. Al primero se le puede llamar periodo de formación. Este se desarrolla hasta 1425, y en él se puede observar una gran influencia de la escultura gótica, aunque también revela tendencias clásicas y realistas. De este periodo destacan las estatuas de San Marcos, San Juan Evangelista y Josué. En el segundo periodo (1425-1443) predomina la utilización de modelos y principios escultóricos de la antigüedad clásica. Entre 1425 y 1435 Donatello trabajó con el escultor y arquitecto florentino Michelozzo en varios proyectos, entre los que se encuentra el monumento dedicado a Bartolomeo Aragazzi (catedral de Montepulciano). Entre 1430 y 1433 viajó en varias ocasiones a Roma, donde creó varias obras, de las que la más notable es el cáliz de la sacristía de la basílica de San Pedro, decorado con los relieves de "La adoración de los ángeles" y "El entierro de Cristo". Sin embargo, fue en Florencia donde creó la obra más notable de este periodo, su David en bronce (c. 1430-1435, Bargello), primer desnudo exento de la escultura renacentista. Por último, el tercer periodo. En él Donatello se aleja de la influencia clásica y pone mayor énfasis en el realismo y en el dramatismo de la acción. Se pueden destacar de este periodo Los milagros de san Antonio (San Antonio, Padua); El Gattamelata (en la plaza que está delante de la basílica de San Antonio) y Judith y Holofernes (Piazza della Signoria, Florencia).

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Donatello sentó bases claras respecto a la escultura renacentista y fue el estilo a seguir de todos los escultores posteriores a él. De raíz clásica romana, dejó un legado magnífico puesto que sus obras fueron realizadas utilizando una vasta gama de materiales y técnicas, las que dominó a la perfección. Contemporáneo del gran escultor y también innovador Della Robbia, la historia sitúa a Donatello sobre este, y se basa en el aporte realizado al movimiento de renovación artística que desterró los estilos medievales. Prolífico como el solo, el inigualable Donatello dejó un legado de, piezas de estilo original, que hasta su aparición nadie había creado. Esculpe, talla y graba utilizando mármol, metal, madera, terracota y piedras nobles. Tumba de Juan XXIII David, Virgen, Niño y Santos San Marcos

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La Anunciación Gattamelata Madonna San Rossore Fiesta de Herodes La alta calidad de las obras donatellianas, así como la cantidad de las mismas, hace difícil una selección justa de ejemplos susceptibles de mostrar los principios y la belleza de su trabajo. Sin embargo, obras como la exquisita Anunciación realizada para la Iglesia de la Santa Croce florentina, la impresionante estatua ecuestre del Condottiero Gattamelata, sus dramáticos Zuccone y Mª Magdalena, el lírico David broncíneo o las escenas esculpidas para la Cantoría de la Catedral de Florencia puede decirse que son buenas muestras de su genialidad.

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Género y temática: Esta escultura exenta, fundida en bronce, representa a un David muy joven (en realidad, un adolescente) que, después de haber derrotado a Goliat, le ha cortado la cabeza con su propia espada. David pisa la cabeza con aire pensativo y sostiene en sus manos la espada de Goliat y la honda con la que le dejó inconsciente. Se aprecia un gran contraste entre la serenidad firme del rostro de David y el desmadejado gesto de Goliat. Acabado: El tratamiento general es sobrio, hasta podría decirse que difuminado (sfumatto); no obstante, la sencillez del desnudo se rompe con el calzado de David y el abigarrado adorno del yelmo de Goliat, trabajados al detalle con relieves historiados y adornos vegetales típicos del primer Renacimiento (llamados «in candelieri»). Además, David aparece graciosamente tocado con sombrero de paja típico de la Toscana, del que caen las guedejas del pelo; lleva, también una corona de hojas de amaranto, en clara alusión al heroísmo griego. Temática de una obra.

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El marcado y suave contrapposto parece inspirado en la conocida curva praxiteliana que Donatello debió conocer a través de copias romanas del citado escultor griego. La perfección anatómica, en la que el modelado muscular es muy suave, difuminado, casi femenino, parece tomado, también, de Praxíteles. La obra: Se puede ubicar en la plenitud del Quattrocento florentino; es un encargo del propio Cosme de Médicis y, aunque no hay unanimidad sobre su fecha, debió fundirlo en torno a 1440. Parece tener un significado simbólico, ya que es una especie de monumento cívico-patriótico que conmemora las victorias de Florencia frente a su rival, Milán. En la escultura, David personifica a Florencia (de ahí que lleve puesto un típico sombrero toscano), y Goliat a Milán, uno de cuyos símbolos es la espada (convertida en cruz). También su inscripción hace referencia al mismo tema: Pro Patria fortiter dimicantibus etiam adversus terribilissimos hostes di i praestant auxilium. Que significa: A los que valientemente lucharon por la madre patria, los dioses darán su ayuda incluso ante los más terribles enemigos. Forma y estilo: Donatello interpreta este tema bíblico (tomado del Primer libro de Samuel) como un desnudo clásico. De hecho, es el primer desnudo integral, de bulto redondo, que aparece en la escultura renacentista. Se trata de un desnudo ponderado, natural, pero muy expresivo debido a la firmeza de las líneas compositivas generales. Tiene, como hemos comentado antes, claras reminiscencias de la escultura clásica, especialmente de Praxíteles.

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Carlos Fernandez nacional

CARLOS FERNÁNDEZ, ESCULTOR : 

CARLOS FERNÁNDEZ, ESCULTOR Nace en 1963, en la ciudad de Santiago, licenciado en arte, con mención en escultura de la Universidad Católica de Chile (1986 )  y  realizó estudios de técnicas de molde directo y escultura hiperrealista  en Vermont , USA (1995).  Ha participado en diversas muestras colectivas y en diversos simposios de escultura.

EMPUJE SIMPLE : 

EMPUJE SIMPLE Empuje, reúne los últimos trabajos escultóricos en bronce,  realizados por Fernández. Como es costumbre en su obra, el cuerpo humano  es objeto de  estudio, donde esta vez  lo trabaja en torno a la acción de la fuerza aplicada sobre un elemento (Presente o Ausente). La obra de Fernández se caracteriza  por presentar  la  figura humana como elemento y no como dato histórico ni situaciones particulares,  eliminando  el carácter narrativo  propio de la escultura figurativa, quedando  exenta de anécdota. Ausente de las grandes disputas del sentido sobre el cuerpo, repite el modelo original, acercándose al grabado a través de este procedimiento, enseñándonos a ver como conviven distintos discursos sobre el cuerpo.

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Jose Vicente Gajardo nacional

JOSÉ VICENTE GAJARDO, ESCULTOR : 

JOSÉ VICENTE GAJARDO, ESCULTOR Nace en Tomé en 1953. Estudia Arte en La Universidad de Concepción. Obtiene el Título de Licenciatura en Artes con mención en Escultura en 1983. Participa en diversos Simposios y talleres de Escultura en Alemania, Italia, Portugal, Francia, Canadá, Argentina y Chile. Desde un comienzo Gajardo se inclina por lo abstracto. Plasma diversas ideas y reflexiones en sus obras, haciendo uso de la arcilla como materia prima. Con el paso del tiempo, descubre en el granito un medio para ejecutar sus obras. material que el artista aborda trabajándolo al límite de su flexibilidad. Sus trabajos plantean un nítido cuerpo constructivo frente a la materia, creando espacios que motivan ideas ilimitadas a través de un lenguaje sobrio y preciso.

La Imaginación de las Piedras (Museo de Arte Contemporáneo MAC Valdivia) : 

La Imaginación de las Piedras (Museo de Arte Contemporáneo MAC Valdivia) Trabajadas en series, cada pieza refleja la solidez de una propuesta marcada por la objetualidad. Es así como "Muros" y "Herramientas", al igual que sus obras emplazadas en los parques de esculturas de Rancagua, Concepción y Santiago, lo atestiguan. Desde un comienzo y durante sus estudios en la Universidad de Concepción, Vicente Gajardo se inclinó por lo abstracto. Plasmó diversas ideas y reflexiones en sus obras, haciendo uso de la arcilla como materia prima Con el paso del tiempo, mantuvo su metodología creadora apegada a la tierra, pero también descubre en el granito, un medio para ejecutar sus maquetas.

Fuente: Museo Nacional de Bellas Artes : 

En la década de los '80 realizó su primera exposición individual en la desaparecida Galería Época, recibiendo la mejor de las críticas. No tardaron en distinguirlo con premios nacionales e internacionales, y empiezan a surgir encargos urbanos que lo llevan a esculpir "Símbolo", actualmente ubicado en Avenida Vitacura. Ha participado en simposios tanto en Chile como en el extranjero. Entre las muestras que reflejan su madurez como artista sobresale "Tránsito" (Galería Animal, 2002), que marca el inicio de una escultura abierta, en forma definitiva, al movimiento público, pese a ser una estructura compuesta y grávida. Fuente: Museo Nacional de Bellas Artes

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A la vez, Gajardo no solamente juega con el volumen y las texturas -pulidas o porosas-, también establece en muchas de sus obras un diálogo con el espacio, irrumpiendo como un edificador, instalando bloques monumentales, noción obtenida luego de su visita a Rapa Nui, donde los moai lo impresionaron por el concepto de deificación de los ancestros y, por sobre todo, por el inmenso esfuerzo de su alineación repetida sobre el plano creando un espacio. De esta forma, algunas obras del escultor invitan a introducirse, caminar y relacionarse corporalmente con ellas.Característico es en Gajardo la utilización de la línea, el contraste entre zonas pulidas y porosas y el juego de planos y volúmenes manejados austeramente. Otro recurso al que acude el escultor es el ensamblaje, dando a entender los conceptos de complementariedad y dualidad, a partir de verdaderas bisagras gigantes y sencillas.Una variante escultórica en torno a la existencia del ser humano es la que Gajardo realiza través de los torsos y las corazas que ejecuta a la manera de petos, en los que el espacio interior se presenta como un espacio de libertad y protección. Con la misma intención de humanizar el entorno, el artista crea una serie de mesas y asientos, posibles de utilizar tanto para el descanso, como para el uso doméstico o el ritual.

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Helen Frankenthaler internacional

Frankenthaler, Helen (1928) EE.UU.. Pintora y escultora : 

Frankenthaler, Helen (1928) EE.UU.. Pintora y escultora Pintora expresionista abstracta estadounidense , pionera en la utilización de nuevos métodos de tratamiento del color. Nació en Nueva York y estudió arte en la Facultad de Bennington. Sus primeras obras reflejan una gran variedad de influencias, pero con posterioridad a 1951 Desarrolló un estilo propio. Inspirada en Jackson Pollock, creador de la técnica del dripping, que consiste en salpicar pintura sobre el lienzo, Frankenthaler utilizó pintura muy diluida para empapar o manchar lienzos sin preparar, con la que creaba lagos diáfanos de colores suaves, como los delicados rosas y azules de montañas y mar (1952).

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Naum Gabo internacional

Gabo, Naum (1890-1977) EE.UU. Escultor : 

Gabo, Naum (1890-1977) EE.UU. Escultor Gabo creció en una familia judía de seis hermanos en el pueblo ruso provinciano de Briansk, dónde su padre tuvo unos trabajos en la industria del metal. Gabo era un escritor y portavoz fluente en idioma alemán, francés, e inglés además de su ruso nativo. El hablar con fluidez varios idiomas contribuyó grandemente a realizar frecuentes viajes durante su carrera. Después de la escuela en Kursk Gabo entró en la Universidad de Munich en 1910, estudiando medicina primero, y luego inició una carrera en las ciencias naturales. También asistió a cursos de historia del arte disertados por Heinrich Wölfflin. Gabo se trasladó en 1912 a una escuela de ingeniería en Munich dónde él descubrió el arte abstracto y se encontró con Wassily Kandinsky y en 1913-14 su hermano Antoine se le unió (quién ya se estableció como un pintor) en París. Gabo pensaba que el entrenamiento era importante para el desarrollo de su trabajo escultural y a menudo usó elementos mecánicos.

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Después del estallido de la guerra se trasladó a Copenhague (Dinamarca) con su hermano más joven Alexei que hace sus primeras construcciones bajo el nombre de Naum Gabo en 1915. Estas construcciones más tempranas eran originalmente en cartón o madera figurativas como el Head No.2 en la colección de Tate. Él regresó a Rusia en 1917, involucrándose en la política y arte por lo que pasan cinco años en Moscú con Pevsner. Gabo donó el Agit-prop las exhibiciones aéreas abiertas y enseñó a 'VKhUTEMAS' el arte más alto y el taller técnico, con Tatlin, Kandinsky y Rodchenko. Durante este período los alivios y construcción se pusieron más geométricas y Gabo empezó a experimentar sin embargo con la Escultura cinética que la mayoría del trabajo estaba perdida o destruida. Los planes de Gabo se habían puesto en aumento monumentales pero había una oportunidad pequeña de aplicarlos comentando 'era la altura de guerra civil, hambre y desorden en Rusia. Para encontrar cualquier parte de maquinaria… estaba al lado del imposible'. Gabo escribió y emitió juntamente con Pevsner en agosto de 1920 un 'Manifesto Realista' proclamando los principios de puro Constructivismo - la primera vez que el término fue usado. En el manifiesto Gabo criticó el Cubismo y el Futurismo como no volverse las artes totalmente abstractas y declaró que la experiencia espiritual era la raíz de producción artística. Gabo y Pevsner promovieron el manifiesto organizando una exhibición en un kiosco de música en el Bulevar de Tverskoy en Moscú y anunciaron el manifiesto en las acumulaciones alrededor de la ciudad.

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Luca della Robbia clasico

Luca della Robbia (1399-1482) : 

Luca della Robbia (1399-1482) Según Giorgio Vasari, Luca nació En el año 1388 en la casa de sus antepasados que se encontraba debajo de la iglesia de San Bernabé en Florencia. Fue educado, conforme a las costumbres de la época, hasta que aprendió no sólo a leer, sino también a escribir y contar, como se solía hacer en casi todas las casa florentinas, por sus propios medios. Su padre le colocó, enseguida, para que aprendiera el oficio, en casa del orfebre Leonardo, hijo de Giovanni considerado, por entonces, en Florencia, como el mejor maestro en este arte. Nacido en el seno de una familia de tintoreros (robbia significa "garance" en toscano), empezó como escultor de mármol y estudió la escultura antigua. Luca Della Robbia realizó la Tribuna des Chantres, en el Domo de Florencia (1431), bajorelieve muy importante encargado para la obra del Domo que tenía que emplazarse encima de la puerta de la sacristía de Messes. La terminó hacia 1438-1439.

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En 1446, Luca y su hermano Marco, compraron una gran casa para instalar un taller y un horno. En 1448 murió Marco dejando a cargo de Luca a sus seis sobrinos, entre los cuales destaca Andrea que fue el más conocido. Andrea se hizo cargo de la Botega (taller) a la muerte de su tío, y sus cinco hermanos trabajaron con él. El más célebre es el tercer hijo: Giovanni. Después el taller dejaría de funcionar. Insensible a las tendencias del Renacimiento, formuladas por Brunelleschi, Masaccio, Donatello, etc. Luca Della Robbia es un escultor cuya sobriedad clara de los planos y los ritmos, la serenidad clásica de los rostros, las formas simples y la sensibilidad de la luz estarán siempre presentes en su obra. Buscó la fórmula para de conservar sus obras de barro cocido. Siempre según Vasari, Considerando que el barro se trabaja fácilmente y sin grandes fatigas, busca el medio de conservar las obras una vez que las mismas están acabadas, sueña que encuentra ese medio para defenderlas de las injurias del tiempo, después de haber experimentado con cantidad de cosas, descubre, por fin, que recubriéndolas con una mezcla de estaño, de antimonio y otros minerales y mixturas cocidas en un horno especial, se obtiene un efecto eficaz para conservar la obra de barro casi eternamente. El sobrino del artista y los hijos de éste continuaron con esta técnica.

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Una de las últimas esculturas del repertorio de Giovanni Della Robbia titulada Visiter les malades (1525-1529), se puede contemplar en el Hospital del Ceppo de Pistote. Actualmente del taller de los Robbia, bajo la directriz de sus alumnos y los hijos de sus sobrinos, no produce más que piezas artesanales y comerciales. La producción familiar fue muy prolífica y se exportó a toda Europa. Comprende frisos y retablos, emblemas de corporaciones o armas aristocráticas, retratos de la Virgen María o de santos, para la devotos privados. Las obras Della Robbia se caracterizan por su gracia, su brillante colorido (especialmente el blanco y el zul), la finura del modelo y la frescura del diseño. Su estilo se reconoce fácilmente.